Триумф тита и веспасиана, джулио романо - JEKATERINBURG.RU

Триумф тита и веспасиана, джулио романо

Лувр — Коллектив авторов

На губах Моны Лизы застыла знаменитая едва уловимая улыбка, придающая ее лицу загадку и очарование. Не зритель смотрит на нее, а она сама наблюдает за ним глубоким, все понимающим взглядом.

Картина выполнена почти прозрачными, необычайно тонкими слоями. Кажется, что Мона Лиза не написана красками, а совсем «живая». Мазки настолько мелкие, что ни микроскоп, ни лучи рентгена не обнаруживают следов работы мастера и не определяют количество живописных слоев. «Джоконда» необычайно воздушна. Воздух получился настоящим, как и сама Джоконда — тоже «настоящая». Пространство картины наполнено легкой дымкой, пропускающей рассеянный свет, — «сфумато», по определению самого художника.

Картина живописца и архитектора, талантливого ученика Рафаэля, одного из первых представителей маньеризма Джулио Романо повествует о далеких временах римской истории. В ознаменование победы над Иудеей император Веспасиан и его сын и наследник Тит устроили пышное триумфальное шествие, которое и стало сюжетом произведения. На колеснице, запряженной четырьмя лошадьми, в специально воздвигнутую для этого случая триумфальную арку въезжают Тит и Веспасиан, увенчанные лавровыми венками победителей и сопровождаемые летящей фигурой богини победы Ники.

Композиция картины разворачивается по принципу фриза. Создается впечатление бесконечного движения, поскольку ни начала, ни завершения торжественной процессии не видно. Шествие исчезает под сводом арки, архитектура которой тщательно выписана художником, бывшим придворным архитектором при дворе Гонзага.

Одну из сцен страстей Христа Тициан, величайший мастер эпохи Высокого Возрождения, изобразил на фоне арки под мраморным бюстом императора Тиберия. Коронование терновым венцом в знак того, что Иисус называл себя Царем Иудейским, происходит словно в безмолвном присутствии последнего римского императора, в годы правления которого случилось это событие. Мраморный двойник всеми почитаемого владыки похож на бессильного идола, а Тот, кто может врачевать людские души, унижен, оскорблен и осужден на смерть. Остервенелые и ослепленные ненавистью воины набросились на Него, словно лютые звери, и палками возложили терновый венец. Лик Христа искажен страданием.

Паоло Веронезе — один из виднейших живописцев венецианской школы.

На полотне «Брак в Кане Галилейской» изображен Христос на брачном пиру в галилейском поселении Кана в момент совершения своего первого чуда: когда закончилось вино, Он по просьбе Матери превратил в него воду. Среди гостей были и несколько учеников.

Картину на этот сюжет заказала Веронезе община бенедиктинского монастыря Сан-Джорджо Маджоре в 1562. Мастер трудился над ней больше года. В трапезной монастыря, для которой полотно создавалось, оно провисело до завоевания Италии Наполеоном. Чтобы было удобно транспортировать холст, французы разрезали его пополам, после чего сшили уже в Париже.

Свободно интерпретируя библейский сюжет, Веронезе превратил его в праздник венецианской свадьбы. Новозаветное событие представлено в роскошных архитектурных «декорациях», каких не могло быть в галилейской деревушке на заре христианской эры. Они напоминают постройки Андреа Палладио, архитектора позднего Ренессанса. Некоторые фигуры облачены в исторические одежды, тогда как костюмы других поражают роскошью и великолепием совсем иной эпохи. Библейские герои окружены современниками художника. По легенде, музыкант в белой одежде на переднем плане картины — это сам мастер.

Творчество Джузеппе Арчимбольдо, представителя маньеризма, весьма необычно. Он создавал портреты современников, но так, как этого никто до него не делал. Лица людей удивительным образом составлялись, подобно мозаике, из различных фруктов, овощей, цветов, птичьих перьев (а иногда и целых птиц), рыб, раковин и прочих даров моря, а также других предметов и их частей. Все они по тем или иным признакам ассоциировались художником с конкретным создаваемым образом. Каждый раз ему удавалось придать своему «творению» неповторимую внешность и даже немного раскрыть его характер.

«Лето» — пример такой метаморфозной картины из цикла «Времена года», символизирующего развитие человеческой жизни. «Лето» — молодость. На полотне торжествуют яркие краски, лицо «выложено» из сезонных фруктов и овощей.

Итальянский живописец позднего Ренессанса Якопо Тинторетто был учеником великого Тициана.

«Автопортрет», написанный семидесятилетним художником, производит глубокое впечатление. Колористическая гамма практически сведена к монохромности, увеличивающей силу его психологического воздействия на зрителя.

Из непроглядного мрака условного фона выступает обрамленное седой бородой лицо уставшего и изможденного старика. Оно говорит о переживаниях, разочарованиях и горьких размышлениях человека, прожившего долгую жизнь, полную забот и трудов. Глубокие мудрые глаза художника обращены на зрителя, который не может противиться их магнетизму и старается проникнуть в тайну, в самую суть души героя.

Аннибале Карраччи, вдохновлявшийся произведениями Высокого Возрождения, в своих работах старался достичь чистоты и гармонии живописи этого периода, утраченных в искусстве маньеризма. Вместе со своими братьями художник создал в Болонье Академию, где преподавал, закладывая основы академического искусства. Он писал композиции на религиозные и мифологические сюжеты, а также пейзажи, игнорировавшиеся художниками эпохи маньеризма.

Полотно «Охота» представляет собой несколько жанровых сцен, объединенных сюжетом, на фоне прекрасного пейзажа. Слева охотник в красном несет на палке свежую тушку убитого животного, в правом нижнем углу картины персонажи занимаются необходимыми приготовлениями, чуть ниже на склоне холма (на втором плане холста) молодой человек, глядя вдаль, на что-то указывает пальцем, ниже неспешно едут на лошадях и ведут разговор еще два персонажа полотна, а на дальнем плане в долине идет настоящая охота с несущимися собаками и всадниками.

В этой картине, написанной для алтаря римской церкви Санта-Мария делла Скала в Траставере, Караваджо, художник-реформатор, дает свое истолкование традиционного сюжета успения Богоматери. Традиционно уход из жизни Девы Марии не расценивался трагедией, поскольку дожившая до старости Богоматерь после смерти вознеслась на небеса и воссоединилась навеки с горячо любимым Ею Сыном. Караваджо же увидел в этом сюжете именно трагедию, погрузившую в глубокую скорбь апостолов. Изображение усопшей Девы слишком красноречиво говорит о пережитых страданиях и смертельных муках. Ее тело написано с той степенью реалистичности, к которой не были готовы заказчики работы, к тому же моделью для Пречистой Девы послужила близкая знакомая художника — девица легкого поведения. Это послужило причиной отказа заказчика от готовой картины.

Триумф тита и веспасиана, джулио романо

  • « первая
  • 2
  • 3
  • 4
  • 5
  • 6
  • . . .
  • последняя (14) »

Доменико Гирландайо (1449–1494) Портрет старика с внуком 1488. Дерево, темпера. 62×46

В «Портрете старика с внуком», личности которых остались неизвестными, Доменико Гирландайо, живописец Раннего Возрождения, представитель флорентийской школы, стремился к реалистично-правдивому изображению своих моделей. Трогателен образ маленького мальчика с выбивающимися из-под красной шапочки золотистыми кудрями, прильнувшего к деду в надежде найти то ли защиту, то ли ответ на какой-то мучающий его вопрос. Старику-деду художник не польстил. Он изобразил его некрасивое лицо без прикрас, однако обращенный к ребенку взгляд, полный любви и нежности, придает его облику одухотворенность. В открытом окне виднеется «идеальный пейзаж», характерный для живописи Ренессанса: долина с лентой реки, возвышающиеся вдали холмы и скалы. Отношения героев столь же прекрасны и гармоничны, сколь прекрасна и умиротворенна природа.

«Портрет старика с внуком» поступил в Лувр в 1886.

Пьетро Перуджино (1448–1523) Аполлон и Марсий 1495. Дерево, темпера. 39×29

Картина Пьетро Перуджино, живописца эпохи Возрождения, представителя умбрийской школы, посвящена греческому мифу о музыкальном состязании сатира Марсия и бога искусств Аполлона. Сатир научился искусно играть на флейте, брошенной богиней Афиной, и, возгордившись своим совершенным исполнением, сделал вызов Аполлону. Аполлон, высочайший музыкант, не мог простить дерзкой выходки сатира, осмелившегося поспорить с ним. Играя на лире, он выиграл музыкальный поединок, а в наказание за дерзость сорвал с Марсия кожу.

Читайте также  Какие самые большие города россии: список мегаполисов

Жестокое окончание этой истории не вошло в сюжет картины. Перуджино написал состязание двух музыкантов, точнее игру на флейте Марсия. Он весь погружен в музыку и не замечает своего олимпийского противника. Прекрасный Аполлон холодно взирает на сидящую фигуру сатира; его лира, стоящая у ног, ожидает момента, когда сиятельный бог извлечет из нее пленительные звуки, с которыми не в силах соперничать музыка смертных.

Рафаэль Санти (1483–1520) Прекрасная садовница 1507. Дерево, масло. 122×80

Рафаэль, великий итальянский живописец, график и архитектор, прожил недолгую жизнь. «Прекрасная садовница» («Мадонна с Младенцем и святым Иоанном Крестителем на фоне пейзажа») написана уже сложившимся мастером. Прелестный образ Девы Марии дышит спокойствием и умиротворением.

Фигуры юной Богоматери, Ее прекрасного Младенца и маленького Иоанна Крестителя очень органичны и словно растворяются в пейзаже. Детали ландшафта, с любовью выписанные мастером — и растения, и дальние горы, и городские стены, — притягивают внимание зрителя. Духовная и физическая красота находят воплощение в облике Богоматери, дивный лик которой светится бесконечной любовью к Сыну. В Его чистых глазах читается глубокое взаимное чувство, слитое с детской преданностью Матери.

Леонардо да Винчи (1452–1519) Мона Лиза (Джоконда) 1503–1505. Дерево, масло. 77×53

В записях великого Леонардо да Винчи, гения Ренессанса, нет ни одного упоминания о работе над портретом. Существует много версий того, кто изображен на этом произведении. Среди прочих мнений выказывались и такие, что Мона Лиза — и автопортрет самого Леонардо, и портрет его ученика, и портрет матери или просто идеальный собирательный женский образ. Согласно «официальному» мнению, на картине изображена жена флорентийского купца Франческо дель Джокондо Лиза Герардини.

На губах Моны Лизы застыла знаменитая едва уловимая улыбка, придающая ее лицу загадку и очарование. Не зритель смотрит на нее, а она сама наблюдает за ним глубоким, все понимающим взглядом.

Картина выполнена почти прозрачными, необычайно тонкими слоями. Кажется, что Мона Лиза не написана красками, а совсем «живая». Мазки настолько мелкие, что ни микроскоп, ни лучи рентгена не обнаруживают следов работы мастера и не определяют количество живописных слоев. «Джоконда» необычайно воздушна. Воздух получился настоящим, как и сама Джоконда — тоже «настоящая». Пространство картины наполнено легкой дымкой, пропускающей рассеянный свет, — «сфумато», по определению самого художника.

Джулио Романо (1492/1499-1546) Триумф Тита и Веспасиана Около 1537. Дерево, масло. 120×170

Картина живописца и архитектора, талантливого ученика Рафаэля, одного из первых представителей маньеризма Джулио Романо повествует о далеких временах римской истории. В ознаменование победы над Иудеей император Веспасиан и его сын и наследник Тит устроили пышное триумфальное шествие, которое и стало сюжетом произведения. На колеснице, запряженной четырьмя лошадьми, в специально воздвигнутую для этого случая триумфальную арку въезжают Тит и Веспасиан, увенчанные лавровыми венками победителей и сопровождаемые летящей фигурой богини победы Ники.

Композиция картины разворачивается по принципу фриза. Создается впечатление бесконечного движения, поскольку ни начала, ни завершения торжественной процессии не видно. Шествие исчезает под сводом арки, архитектура которой тщательно выписана художником, бывшим придворным архитектором при дворе Гонзага.

Тициан Вечеллио (1488/1490-1576) Увенчание терновым венцом Около 1542. Дерево, масло. 303×180

Одну из сцен страстей Христа Тициан, величайший мастер эпохи Высокого Возрождения, изобразил на фоне арки под мраморным бюстом императора Тиберия. Коронование терновым венцом в знак того, что Иисус называл себя Царем Иудейским, происходит словно в безмолвном присутствии последнего римского императора, в годы правления которого случилось это событие. Мраморный двойник всеми почитаемого владыки похож на бессильного идола, а Тот, кто может врачевать людские души, унижен, оскорблен и осужден на смерть. Остервенелые и ослепленные ненавистью воины набросились на Него, словно лютые звери, и палками возложили терновый венец. Лик Христа искажен страданием.

bubligum9000

bubligum9000


Триумф Тита. Лоуренс Альма-Тадема. 1885

Тит Флавий Веспасиан в отличие от отца, своего полного тёзки (Веспасиана), вошедший в историю под личным именем Тит — римский император (с 71-го — соправитель Веспасиана,с 79-го до конца жизни правил единолично). Обожествлён (божественный Тит, лат. Divus Titus)

Разрушение Иерусалима Титом.Вильгельм фон Каульбах.
Уезжая в Италию, Веспасиан передал Титу главное командование в Палестине. Вскоре Тит взял и разрушил Иерусалим, проявив при этом большую жестокость. Во время своего пребывании в Палестине, Тит сблизился с красавицей Береникою, дочерью

иудеского царя Ирода Агриппы I-го и сестрой Ирода Агриппы II-го.О ней известно, что она трижды была замужем.


Апостол Павел объясняет догматы веры в присутствии царя Агриппы, сестры его Береники и проконсула Феста (Василий Суриков, 1875)

.Тит приехал в Иудею в 67 году, и между ним и Береникой вскоре возник роман. Красивой и богатой иудейской царевной интересовался не только Тит, но и император Веспасиан, который, начав борьбу за власть, рассчитывал на её огромное состояние. Кроме того, отцом её первого мужа был наместник Египта Тиберий Юлий Александр, ставший одним из активных сторонников Веспасиана. К моменту знакомства с Береникой Тит был уже дважды женат (первая его супруга умерла, а со второй он развёлся в 64 или 65 году) и, несмотря на слухи о его увлечениях наложниками и евнухами, был действительно влюблён в Беренику. Именно чувствами, а не политическими соображениями, объясняют его внезапное возвращение в Иудею в 69 году.Очень не нравилось римлянам и присутствие в Риме Береники: они боялись, как бы эта еврейка не стала Августой.

Разрушения Иерусалимского Храма.Франческо Хайес (1791-1882)
По возвращении Тита в Рим пышным триумфом было отпраздновано усмирение Иудеи. О взятии Иерусалима потомству должна была напоминать заложенная тогда же, но оконченная лишь при Домициане арка Тита. Тит стал соправителем отца, вместе с ним отправлял цензуру и несколько раз консульство, пользовался трибунской властью, назывался императором, именем отца совершал правительственные действия всякого рода. В то же время он занял должность префекта гвардии.


Триумф Тита и Веспасиана (Giulio Romano). 1537-1540

Когда Веспасиан умер (23 июня 79 г.), Тит занял его место.
Голос народа назвал Тита «любовью и утешением человеческого рода» (amor ас deliciae generis humani), хотя поведение его до смерти отца дает основание относиться недоверчиво к этой традиции. Возможно, что кратковременность его правления не дала возможности вполне проявиться его характеру, очевидно, не столь уже кроткому, если, как утверждает Светоний, некоторые предсказывали при Веспасиане, что Тит будет «вторым Нероном».

Тем не менее годы правления Тита характеризуются согласием между сенатом и императором. Сенаторская традиция считает его одним из лучших императоров, а Светоний пишет: «Вспомнив, что за весь день он не совершил ни одного благодеяния, Тит воскликнул: „Друзья, я потерял день!“».

«Непременным правилом его было никакого просителя не отпускать, не обнадёжив; и когда домашние упрекали его, что он обещает больше, чем сможет выполнить, он ответил: „Никто не должен уходить печальным после разговора с императором“. А когда однажды за обедом он вспомнил, что за целый день никому не сделал хорошего, то произнёс свои знаменитые слова — Друзья мои, я потерял день!».

Читайте также  Самый лучший футболист в мире: топ игроков


Тит и Береника(фреска Версальского дворца)

Когда в 71 году Тит вернулся в Рим, то Береника рассчитывала, что он пригласит её к себе, но этого не произошло. Приглашение приехать в Рим Береника и её брат получили только в 75 году. По дороге они были удостоены высоких почестей. По приезде в Рим Агриппа получил знаки преторской власти, а Беренику поселили в императорском дворце.

Светоний пишет, что Тит обещал жениться на Беренике, а Тацит отмечает, что, хотя он действительно был к ней неравнодушен, это не мешало ему вести свои дела разумно и осмотрительно. Сама Береника, по словам Диона Кассия, вела себя так как будто уже стала женой Тита. Их отношения вызвали волны критики, и Тит сурово отнёсся к злопыхателям.

Тит и Береника (эмалевая миниатюра крышки карманных часов)

Несмотря на это, недовольство связью Тита с иудейской царицей было весьма высоко (их отношения напоминали аристократии связь Антония и Клеопатры; Теодор Моммзен называет Беренику «уменьшенной копией Клеопатры». По этой причине Тит выслал Беренику из Рима (точный год этого первого изгнания Береники не установлен).

В 79 году Тит стал императором. Сразу после этого Береника вернулась в Рим, надеясь стать его женой. Но Тит, понимая, что брак с иудейской царицей может поставить под удар его только начавшиеся правление и обострить отношения с аристократической верхушкой, вновь выслал Беренику из Рима:
После этого царица больше не вернулась в Рим. Неизвестно, сколько времени она прожила и где скончалась.


Амфитеатр Флавиев, более известный как Колизей, был завершен во время правления Тита и открыт с захватывающими играми, которые продолжались в течение 100 дней.

Лувр (4 стр.)

Леонардо да Винчи (1452–1519) Мона Лиза (Джоконда) 1503–1505. Дерево, масло. 77×53

В записях великого Леонардо да Винчи, гения Ренессанса, нет ни одного упоминания о работе над портретом. Существует много версий того, кто изображен на этом произведении. Среди прочих мнений выказывались и такие, что Мона Лиза — и автопортрет самого Леонардо, и портрет его ученика, и портрет матери или просто идеальный собирательный женский образ. Согласно «официальному» мнению, на картине изображена жена флорентийского купца Франческо дель Джокондо Лиза Герардини.

На губах Моны Лизы застыла знаменитая едва уловимая улыбка, придающая ее лицу загадку и очарование. Не зритель смотрит на нее, а она сама наблюдает за ним глубоким, все понимающим взглядом.

Картина выполнена почти прозрачными, необычайно тонкими слоями. Кажется, что Мона Лиза не написана красками, а совсем «живая». Мазки настолько мелкие, что ни микроскоп, ни лучи рентгена не обнаруживают следов работы мастера и не определяют количество живописных слоев. «Джоконда» необычайно воздушна. Воздух получился настоящим, как и сама Джоконда — тоже «настоящая». Пространство картины наполнено легкой дымкой, пропускающей рассеянный свет, — «сфумато», по определению самого художника.

Джулио Романо (1492/1499-1546) Триумф Тита и Веспасиана Около 1537. Дерево, масло. 120×170

Картина живописца и архитектора, талантливого ученика Рафаэля, одного из первых представителей маньеризма Джулио Романо повествует о далеких временах римской истории. В ознаменование победы над Иудеей император Веспасиан и его сын и наследник Тит устроили пышное триумфальное шествие, которое и стало сюжетом произведения. На колеснице, запряженной четырьмя лошадьми, в специально воздвигнутую для этого случая триумфальную арку въезжают Тит и Веспасиан, увенчанные лавровыми венками победителей и сопровождаемые летящей фигурой богини победы Ники.

Композиция картины разворачивается по принципу фриза. Создается впечатление бесконечного движения, поскольку ни начала, ни завершения торжественной процессии не видно. Шествие исчезает под сводом арки, архитектура которой тщательно выписана художником, бывшим придворным архитектором при дворе Гонзага.

Тициан Вечеллио (1488/1490-1576) Увенчание терновым венцом Около 1542. Дерево, масло. 303×180

Одну из сцен страстей Христа Тициан, величайший мастер эпохи Высокого Возрождения, изобразил на фоне арки под мраморным бюстом императора Тиберия. Коронование терновым венцом в знак того, что Иисус называл себя Царем Иудейским, происходит словно в безмолвном присутствии последнего римского императора, в годы правления которого случилось это событие. Мраморный двойник всеми почитаемого владыки похож на бессильного идола, а Тот, кто может врачевать людские души, унижен, оскорблен и осужден на смерть. Остервенелые и ослепленные ненавистью воины набросились на Него, словно лютые звери, и палками возложили терновый венец. Лик Христа искажен страданием.

Паоло Веронезе (1528–1588) Брак в Кане Галилейской 1562–1563. Холст, масло. 666×990

Паоло Веронезе — один из виднейших живописцев венецианской школы.

На полотне «Брак в Кане Галилейской» изображен Христос на брачном пиру в галилейском поселении Кана в момент совершения своего первого чуда: когда закончилось вино, Он по просьбе Матери превратил в него воду. Среди гостей были и несколько учеников.

Картину на этот сюжет заказала Веронезе община бенедиктинского монастыря Сан-Джорджо Маджоре в 1562. Мастер трудился над ней больше года. В трапезной монастыря, для которой полотно создавалось, оно провисело до завоевания Италии Наполеоном. Чтобы было удобно транспортировать холст, французы разрезали его пополам, после чего сшили уже в Париже.

Свободно интерпретируя библейский сюжет, Веронезе превратил его в праздник венецианской свадьбы. Новозаветное событие представлено в роскошных архитектурных «декорациях», каких не могло быть в галилейской деревушке на заре христианской эры. Они напоминают постройки Андреа Палладио, архитектора позднего Ренессанса. Некоторые фигуры облачены в исторические одежды, тогда как костюмы других поражают роскошью и великолепием совсем иной эпохи. Библейские герои окружены современниками художника. По легенде, музыкант в белой одежде на переднем плане картины — это сам мастер.

Джузеппе Арчимбольдо (1527–1588) Лето 1573. Холст, масло. 76×63,5

Творчество Джузеппе Арчимбольдо, представителя маньеризма, весьма необычно. Он создавал портреты современников, но так, как этого никто до него не делал. Лица людей удивительным образом составлялись, подобно мозаике, из различных фруктов, овощей, цветов, птичьих перьев (а иногда и целых птиц), рыб, раковин и прочих даров моря, а также других предметов и их частей. Все они по тем или иным признакам ассоциировались художником с конкретным создаваемым образом. Каждый раз ему удавалось придать своему «творению» неповторимую внешность и даже немного раскрыть его характер.

«Лето» — пример такой метаморфозной картины из цикла «Времена года», символизирующего развитие человеческой жизни. «Лето» — молодость. На полотне торжествуют яркие краски, лицо «выложено» из сезонных фруктов и овощей.

Якопо Тинторетто (1518/1519-1594) Автопортрет Около 1588. Холст, масло. 62×52

Итальянский живописец позднего Ренессанса Якопо Тинторетто был учеником великого Тициана.

«Автопортрет», написанный семидесятилетним художником, производит глубокое впечатление. Колористическая гамма практически сведена к монохромности, увеличивающей силу его психологического воздействия на зрителя.

Из непроглядного мрака условного фона выступает обрамленное седой бородой лицо уставшего и изможденного старика. Оно говорит о переживаниях, разочарованиях и горьких размышлениях человека, прожившего долгую жизнь, полную забот и трудов. Глубокие мудрые глаза художника обращены на зрителя, который не может противиться их магнетизму и старается проникнуть в тайну, в самую суть души героя.

Аннибале Карраччи (1560–1609) Охота 1585–1588. Холст, масло. 136×253

Аннибале Карраччи, вдохновлявшийся произведениями Высокого Возрождения, в своих работах старался достичь чистоты и гармонии живописи этого периода, утраченных в искусстве маньеризма. Вместе со своими братьями художник создал в Болонье Академию, где преподавал, закладывая основы академического искусства. Он писал композиции на религиозные и мифологические сюжеты, а также пейзажи, игнорировавшиеся художниками эпохи маньеризма.

Читайте также  Парад в царствование павла i, а. н. бенуа, 1907

Полотно «Охота» представляет собой несколько жанровых сцен, объединенных сюжетом, на фоне прекрасного пейзажа. Слева охотник в красном несет на палке свежую тушку убитого животного, в правом нижнем углу картины персонажи занимаются необходимыми приготовлениями, чуть ниже на склоне холма (на втором плане холста) молодой человек, глядя вдаль, на что-то указывает пальцем, ниже неспешно едут на лошадях и ведут разговор еще два персонажа полотна, а на дальнем плане в долине идет настоящая охота с несущимися собаками и всадниками.

Микеланджело Меризи да Караваджо (1573–1610) Смерть Марии 1605–1606. Холст, масло. 369×245

В этой картине, написанной для алтаря римской церкви Санта-Мария делла Скала в Траставере, Караваджо, художник-реформатор, дает свое истолкование традиционного сюжета успения Богоматери. Традиционно уход из жизни Девы Марии не расценивался трагедией, поскольку дожившая до старости Богоматерь после смерти вознеслась на небеса и воссоединилась навеки с горячо любимым Ею Сыном. Караваджо же увидел в этом сюжете именно трагедию, погрузившую в глубокую скорбь апостолов. Изображение усопшей Девы слишком красноречиво говорит о пережитых страданиях и смертельных муках. Ее тело написано с той степенью реалистичности, к которой не были готовы заказчики работы, к тому же моделью для Пречистой Девы послужила близкая знакомая художника — девица легкого поведения. Это послужило причиной отказа заказчика от готовой картины.

Фрески палаццо дель Те и их творец Джулио Романо

Джулио Романо — Фреска «Зевс и Олимпиада», или «Зачатие Александра Македонского» — Палаццо дель Те — Мантуя

Олимпиада (около 375-316 годы до н. э.) — эпирская царевна, жена македонского царя Филиппа II и мать Александра Македонского.

Джулио Романо (Giulio Romano), собственно Джулио Пиппи (Giulio Pippi), (1492, Рим — 1546, Мантуя), — итальянский живописец и архитектор, наиболее значительный из учеников Рафаэля, один из зачинателей и наиболее самобытных представителей искусства маньеризма. Работал преимущественно в Риме, но его наиболее оригинальная работа находится в Мантуе — это Палаццо дель Те.

Тициан Вечеллио (1480/85-1576) — Портрет Джулио Романо

Джулио Романо помогал своему учителю в его капитальных работах, а именно в украшении ватиканских станц Элиодора и дель-Инчендио, исполнил некоторые фрески в Фарнезине и начал строить, по проекту Рафаэля, виллу Мадама. Самостоятельная деятельность Джулио Романо началась лишь после смерти Рафаэля, когда ему было поручено довести до конца начатые его учителем работы, как, например, роспись залы Константина в Ватикане (битва Константина).

Джулио Романо — Фреска «Битва у Мульвийского моста» — Зал Константина — Ватикан

В этот римский период его деятельности им были написаны также фрески мифологического содержания в виллах Ланте и Мадама и несколько алтарных образов.

Манерность, склонность к рискованным и неестественным позам и к преувеличению особенно ярко выказываются в работах Джулио Романо, исполненных в Мантуе, куда он был приглашён герцогом Федерико Гонзага.

Главным трудом Романо в этом городе была роспись построенного по его проекту Палаццо дель Те. Архитектура Палаццо-дель-Те является выразительным примером стиля эпохи маньеризма. Исполненную для этого палаццо колоссальную фреску «Низвержение Гигантов» (1532-1534) можно считать самым характерным образцом работ Джулио Романо за этот второй период его деятельности.

Джулио Романо — Фреска «Гигантомахия» на одной из стен зала Гигантов — Палаццо дель Те — Мантуя
Гигантомахия — битва олимпийских богов с гигантами, произошедшая на Флегрейских полях

В России, в ГМИИ им. Пушкина, из работ Дж. Романо имеется портрет, предположительно Рафаэлевой возлюбленной Форнарины. В коллекции Государственного Эрмитажа в Санкт-Петербурге есть полотно Джулио Романо «Любовная сцена», датируемое 1524-1525 годами.

Джулио Романо — Форнарина — ГМИИ имени Пушкина

Палаццо дель Те — Мантуя

Палаццо дель Те, или Палаццо Те, — загородная вилла мантуанского маркиза Федерико II Гонзага в болотистой местности, окружающей Мантую. Построено за 18 месяцев в 1524-1525 годах по проекту Джулио Романо. Затем на протяжении десяти лет расписывалась самим Романо и его учениками. Представляет собой яркий образчик искусства маньеризма. Официальное название здания — Palazzo Te, так же его чаще всего называют и в Италии. Однако это имя, возможно, дворец получил относительно недавно. Вазари называет его Palazzo del T (произносится как «Те»), и англоговорящие авторы продолжили называть постройку Palazzo del Te.

Правившее Мантуей семейство Гонзага было известно как коннозаводчики, которые поставляли скакунов для дворов Европы. На месте нынешнего палаццо в начале XVI века находился конный завод. Второй страстью Гонзага было искусство. Мать Федерико, Изабелла д’Эсте, прославилась покровительством величайшим художникам своего времени, включая Леонардо да Винчи.

В 1524 году Федерико Гонзага задумал выстроить рядом с конюшнями непритязательное здание, где бы он мог проводить своё свободное время в обществе немногих близких друзей и подруг. Для осуществления замысла из Рима был приглашён любимый ученик Рафаэля — Джулио Романо.

Палаццо дель Те

Здание представляет из себя квадратную постройку, внутри которой находится обрамленный колоннадой сад. Расположение в пригороде позволило совместить в здании черты дворца и виллы. На внешних рустованных фасадах расположены пилястры, расположение окон указывает на то, что бельэтаж находится на первом этаже, а не на втором. В восточном фасаде расположена лоджия. Фасады здания только кажутся симметричными, расстояние между колоннами не совпадает, в центре северного и южного фасадов находятся арки без портика или фронтона, ведущие во внутренний двор (cortile). Туда же выходят несколько окон. Стены двора украшены колоннами, нишами и слепыми окнами, в некоторых местах штукатурка оставлена невыровненной (эффект spezzato), что оживляет поверхность, придаёт ей глубину.

Искусственный грот, в котором совершались омовения герцога и его любимцев

Главные росписи палаццо дель Те расположены в трёх залах. В зале Психеи посетитель попадает в обстановку олимпийского пира богов. В зале Коней его окружают стилизованные изображения любимых рысаков герцога (в 1530 году Карл V Габсбург, посещая палаццо дель Те, дал хозяину право именовать себя герцогом).

Нарастающее напряжение достигает своей кульминации в зале Гигантов, своды которой покрывает самая знаменитая фреска маньеризма — гиганты штурмуют Олимп, на их нагие тела обрушиваются глыбы камня и колонны, а плафон прорывается ввысь (фреска «Гигантомахия»).

Джулио Романо — Фреска «Бракосочетание Амура и Психеи» — Палаццо дель Те — Мантуя

Плафонная живопись зала Гигантов — Палаццо дель Те — Мантуя

В 1630 году Мантуя была разорена австрийцами, которые вывезли в качестве трофеев всё содержимое дворца. Оставленный хозяевами, дворец долгое время пустовал, и лишь недавно в его стенах разместили экспозицию искусства Древнего Междуречья.

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: