Собирательницы колосьев, жан-франсуа милле, 1857 - Тайны со всего мира

Собирательницы колосьев, жан-франсуа милле, 1857

Рисование.ру

Жан-Франсуа Милле

Художник Жан-Франсуа Милле говорил о себе: «Я крестьянин и ничего больше» (правда, вопрос о том, действительно ли он родился в крестьянской семье, довольно спорен).

Жан-Франсуа Милле. Картины художника

Жан-Франсуа Милле. Крестьянки с хворостом

Ок. 1858 г. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Земледельцы на картинах Милле исполнены особого достоинства, несмотря на изнурительный физический труд.

Жан-Франсуа Милле. Собирательницы хвороста (Угольщицы)

Начало 1860-х гг. Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва

Для Милле характерно создание картин в одной общей гамме — таким образом, художник подчеркивал неразрывную связь крестьянина и земли. В «Собирательницах хвороста» фигуры женщин кажутся почти сросшимися с сухой корягой, которую они собираются отломить от пня.

Жан-Франсуа Милле. Весна

1868-1873 гг. Музей д’Орсе, Париж

Интересно, что Милле практически никогда не создавал картин на природе — разве что небольшие этюды, а потом в студии «собирал» из них стройные композиции. Такова и эта картина — яркая и радостная, она словно соединяет в себе все приметы весны и пробуждения природы, несмотря на то, что завершена незадолго до смерти художника.

Жан-Франсуа Милле. Ферма на холме

1866-1868 гг. Музей Виктории и Альберта, Лондон

Это небольшое произведение выполнено пером, чернилами и акварелью — отсюда такая прозрачность и легкость, которых не дает масляная живопись. Милле в процессе подготовки крупных картин делал множество зарисовок карандашом, пастелью, акварелью. Эти работы сейчас являются ценными экспонатами музеев множества стран и воспринимаются как вполне самостоятельные произведения искусства.

Жан-Франсуа Милле. Сборщицы колосьев

1857 г. Лувр, Париж

Характерный для Милле живописный прием — лица и руки крестьянок, обожженные солнцем, по цвету почти неотличимы от земли, с которой они собирают колоски. Многие обвиняли художника в желании «оскорбить утонченный вкус публики». Но может ли быть оскорбительной правда?

Жан-Франсуа Милле. Гревиль

1854-1873 гг. Музей изящных искусств, Реймс

Не только тяжелый и безотрадный труд крестьян живописал Милле — в его арсенале много картин, проникнутых настроением радости и солнечного лета. Таково полотно «Гревиль» (это название небольшой французской деревушки). Все представленное на полотне — залитые солнцем долины, замшелые изгороди, мирно гуляющие по лугу коровы и гуси, бредущие по дороге нагруженные нехитрым скарбом лошади — вполне подходит под определение «сельская идиллия».

Жан-Франсуа Милле. Крестьянка печет хлеб

1854 г. Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло

Возможно, вы уже обратили внимание — лица людей на картинах Милле можно рассмотреть крайне редко. И здесь мы видим в первую очередь доведенные до автоматизма движения — изо дня в день эта женщина печет хлеб, работает в поле, собирает хворост, ухаживает за скотом. Милле одним из первых возвысил в живописи человека труда.

Жан-Франсуа Милле. Крестьяне несут домой рожденного в поле теленка

1864 г. Художественный институт Чикаго

Вызывающе неакадемичное произведение: крестьяне — двое мужчин и женщина — несут на выстланных сеном самодельных носилках крошечного теленка, а следом шествует мать новорожденного.

Жан-Франсуа Милле. Сельская ферма Тур

До 1875 г. Музей Томаса Генри, Шербур-Октевиль

Солнце освещает каменные постройки — такие старые и так прочно вросшие в землю, что они уже кажутся не творением человеческих рук, а частью ландшафта. В ворота въезжает всадник, ведя в поводу еще двух лошадей. Почему эта простая сцена вызывает в сердце такой живой отклик? Может быть, не только благодаря разлитому в ней спокойствию, но и потому, что всем близка и дорога тема возвращения домой?

Жан-Франсуа Милле. Портрет Полины Оно

1843—1844 гг. Музей Томаса Генри, Шербур-Октевиль

Картина с трагической историей: Полина Оно — жена художника, умершая в возрасте 23 лет от туберкулеза. Нездоровая бледность молодой женщины, немного неестественный блеск ее глаз, мрачноватый фон — все это говорит о том, что болезнь уже ни для кого не является секретом: Полина скончалась в 1844 году.

Как создавались самые известные в мире картины: Интригующие истории полотен великих художников

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

#1. Святой Георгий и дракон, Паоло Уччелло, 1470

На самом деле у художника есть две версии этой картины. В этой версии, Георгий побеждает дракона, которого Прекрасная Дама держит за поводок. В картине заложен глубокий религиозный смысл. Согласно легенде в озере одного города в Ливии поселился дракон. Император-язычник велел приносить ему в жертву красивых девушек. Когда молодых женщин в городе не осталось, император отправил к дракону свою собственную дочь. Отважный воин Георгий отправился её спасать и поверг дракона. Принцесса здесь символизирует собой гонимую христианскую Церковь, дракон — язычество, а Георгий — христианскую веру. Есть версии, что Георгий, впоследствии признанный святым, попирает не просто язычество, а самого дьявола, «древнего змия».

#2. Jaime La Couleur, Чери Самба, 2003

«J’aime la couleur» — автопортрет художника. Вот как он раскрывает смысл своей работы: «Цвет везде. Я считаю, что цвет — это жизнь. Наша голова должна вращаться по спирали, чтобы понять, что всё, что нас окружает, это не что иное, как цвета. Цвет — это вселенная, вселенная — это жизнь, живопись — это жизнь ».

#3. Баня, Жан-Леон Жером, 1885

Эксперты считают, что данная картина и серия ей подобных, в творчестве Жерома символизируют «белый» снобизм. Это видно по динамике фигур, изображённых на полотне. Белая женщина — объект с главенствующей ролью, в то время как темнокожая женщина демонстрирует покорность.

#4. Сад земных наслаждений, Иероним Босх, 1490-1510

Иероним Босх — один из самых загадочных художников в мире. Символика его картин настолько запутана, что единого объяснения огромному количеству, изображённых на них символов, найти просто невозможно. Конкретная работа получила своё название от исследовавших её искусствоведов. Подлинное название так и осталось неизвестным. Историки считают, что левая панель триптиха — это рай, центральная — современная грешная человеческая жизнь, а правая часть изображает ад. Но вопросов картина порождает гораздо больше, чем даёт ответов.

#5. Шулера, Караваджо, 1594

Эта работа изображает вовсе не карикатуру на порок грязных азартных игр. Это скорее спокойное повествование о том, о чём Караваджо был хорошо осведомлён. Ведь сам художник проводил жизнь весьма фривольно и даже бурно. Сюжет сводится к описанию разворачивающейся драмы — драмы обмана и утраченной невинности. Наивного юнца взяли в оборот опытные шулера. Старший подглядывает ему в карты и подаёт знаки другому шулеру.

#6. Уотсон и акула, Джон Синглтон Копли, 1778

На картине изображён случай из реальной жизни. В 1749 году, в Гаване, Брук Уотсон, 14-летний юнга, решил искупаться. Его атаковала акула. Капитан корабля на котором служил мальчик, пытается спасти его, убив акулу гарпуном. Капитану удалось это только с третьей попытки. Уотсон, в этом неравном сражении, потерял ступню. Всю жизнь потом он ходил с деревянной ногой. Это никак не помешало стать ему мэром Лондона. В это же время он познакомился с художником и рассказал ему эту историю. Что и послужило вдохновением для Джона Копли.

#7. Композиция VIII Василия Кандинского, 1923

С самого детства Кандинский был очарован цветом. Художник считал, что он обладает трансцендентными свойствами. Свои композиции Кандинский писал как композитор симфонии. Каждая композиция отражала видение художника в свой период времени. Кандинский использовал в своих работах геометрические фигуры, потому что верил в их мистические свойства. Цвета же фигур отражали эмоции.

#8. Сатурн, пожирающий сына, Франсиско Гойя, 1823

К старости Гойя оглох, ухудшилось и его здоровье в целом, как физическое, так и психологическое. Именно с этим историки связывают написание им серии из 14, как их назвали «Мрачных картин». Которые он писал внутри на стенах своего дома. «Сатурн, пожирающий сына» — одна из них. Это общеизвестный древнегреческий миф о титане Кроносе (позже римляне переименовали его в Сатурна). Кроносу предсказали, что его свергнет его собственный сын. И Сатурн поедал всех своих новорождённых детей. У Гойи Сатурн изображён страшным полусумасшедшим стариком, который поедает не младенца, а взрослого ребёнка. Есть много толкований смысла данного полотна. Но самое главное это то, что художник писал её не для общественности. Возможно, таким образом, Гойя пытался изгнать своих собственных демонов.

#9. Олень у Шарки, Джордж Уэсли Беллоуз, 1909

Художник изобразил обыденную сцену из повседневной жизни в Нью-Йорке начала 20 века. Частный бойцовский клуб какие располагали обычно в бедных кварталах. «Оленями» там называли посторонних, которые не были членами клуба. Они получали временное членство для того, чтобы провести бой. Беллоуз написал картину в таком ракурсе, что когда ёё разглядываешь, создаётся впечатление, что ты находишься среди зрителей боя.

#10. Друг познаётся в беде, Кассий Марцелл Кулидж, 1903

«Друг познаётся в беде» — самая популярная картина из серии «Dogs Playing Poker» Кассиуса Марцелла Кулиджа. Эта серия была заказана Кулиджу компанией Brown & Bigelow для рекламы сигар. Хотя картины Кулиджа никогда не считались критиками подлинным искусством, с тех пор они стали культовыми.

Читайте также  Какая самая надежная машина в мире?

#11. Едоки картофеля, Винсент Ван Гог, 1885

Ван Гог хотел изобразить крестьян такими, какие они есть на самом деле. Он хотел показать совершенно иной образ жизни, отличный от высших классов. Позже он написал своей сестре и заявил, что «Едоки картофеля» — его самая успешная картина.

#12. Плот Медузы, Теодор Жерико, 1819

Полотно «Плот Медузы» («Le Radeau de la Méduse») изображает последствия крушения французского военно-морского фрегата «Медуза». Часть людей поместилась в шлюпки, для остальных 147 человек наспех соорудили плот. Шлюпки буксировали плот. Но, капитан, заметив, что плот слишком тяжел, приказал обрубить канаты. Почти полторы сотни людей были брошены на произвол судьбы без еды и воды. За 13 дней их путешествия на плоту, с призрачной надеждой на спасение, из 147 человек выжили 15. Обезумевшие от голода и жажды люди поедали друг друга и пили кровь. Эту позорную историю Франция хотела замять, но слишком уж вопиющей она была и это не удалось.

#13. Бурлаки на Волге, Илья Репин, 1873

Эта работа самая известная у Ильи Репина. Картина стала культовой. Работа, которую провёл художник была нешуточной. Со всеми бурлаками, изображёнными на картине Репин познакомился лично. Художник написал сотни эскизов и потратил на эту работу целых 5 лет. И историки, и современники считают картину прямым осуждением тяжёлого труда угнетённых классов. Хотя, Репин всегда открещивался от подобного мнения.

#14. Сусанна и старейшины, Артемизия Джентилески, 1610

«Сусанна и старейшины» — это библейская история из Ветхого Завета. Во времена императора Навуходоносора еврейский народ попал к вавилонянам в рабство. Среди них были Сусанна с её мужем Иоакимом. Женщина обладала неземной красотой и двое старейшин возжелали её. Они пригрозили ей, что если Сусанна не будет с ними ласкова, то они скажут народу, что она прелюбодейка. Женщина отказалась, и старейшины исполнили свои угрозы. По еврейским законам её приговорили к смерти. Но тут вмешался молодой пророк Даниил. Он придумал допросить мужчин сначала отдельно, а потом вместе. Их версии не совпали, клевета вскрылась. Сусанну оправдали, а старейшин казнили. Очень примечательно, что художнице было всего 17, когда она написала эту картину. Для самой Артемизии она стала пророческой, ибо с ней, впоследствии, произошла подобная история.

#15. Клиника Гросса, Томас Икинс, 1875

Сюжет этой картины основан на операции, свидетелем которой являлся Икинс. Проводил её один из лучших хирургов Америки доктор Сэмюэл Гросс. Операция проводилась в аудитории на глазах студентов с целью обучения. Доктор показывал как проводить лечение инфекции с помощью консервативной операции, а не ампутации всей конечности (что было стандартным для того времени). Полотно изображает действительность без прикрас: и спокойный профессионализм Гросса, и страдание женщины в левом нижнем углу. Исследователи считают, что мать пациента. Критики и зрители работу оценили, к разочарованию Икинса, крайне негативно. Люди, спокойно созерцающие сюжеты кровавых битв, оказались не готовы лицезреть реализм медицинской операции.

#16. Странник над морем тумана, Каспар Давид Фридрих, 1818

«Странник над морем тумана» («Der Wanderer über dem Nebelmeer») — полотно, где художник остался верен своему романтическому стилю. На картине Фридрих изобразил самого себя, одиноко стоящего спиной к зрителю на тёмной крутой скале. «Странник над морем тумана» — метафора. Она о саморефлексии, о неизвестном будущем. Фридрих об этой работе сказал так: «Художник должен рисовать не только то, что у него перед собой, но и то, что он видит внутри себя».

#17. Сборщицы колосьев, Жан-Франсуа Милле, 1857

На картине «Сборщицы колосьев» («Des glaneuses») изображены три крестьянки, которые собирают оставшиеся, после уборки поля, колоски. Тяжёлый смиренный труд крестьян вызывал сочувствие у художника. Именно эти эмоции выразились в картине. Но в обществе работа вызвала негативную критику со стороны высших классов. Франция недавно пережила революцию и представители знати посчитали эту картину неприятным напоминанием о том, что французское общество построено на труде низших классов. А так как в то время рабочий класс превосходил численность высшего класса, побоялись, что картина, каким-то образом, может подтолкнуть низший класс к восстанию.

#18. Крик, Эдвард Мунк, 1893

“Крик» — один из самых загадочных шедевров мировой живописи. Мунк говорил, что как-то он вышел на прогулку на закате. Свет заходящего солнца окрасил облака в кроваво-красный цвет. И Мунк вдруг услышал, почувствовал, как он выразился, «бесконечный крик природы». Другое объяснение могло быть результатом эмоционального состояния Мунка, поскольку его сестра совсем недавно была отправлена ​​в сумасшедший дом. Эту картину много раз похищали. Сюжет можно считать пророческим: в конце 19 века Мунк описал катастрофы века 20.

#19. Большая волна от Канагава, Кацусика Хокусай, 1829 — 1833

Композиция состоит из трех основных элементов: штормящего моря, трёх лодок и горы. Гора со снежной вершиной — гора Фудзи, которую японцы считают священной. Это символ национальной идентичности и красоты. Такие необычные для азиатской живописи игры с пространством и яркие цвета. Картина символизирует страх человека перед неукротимой стихией и вынужденная покорность ей.

#20. Звёздная ночь, Винсент Ван Гог, 1889

«Звёздная ночь» — шедевр, увидев который лишь однажды, вы больше никогда его не забудете. Художник написал её, находясь в больнице для душевнобольных. Эти вихревые потоки, огромные звёзды. Некоторые считают, что Ван Гог изобразил вид из окна. Но больным не разрешали выходить на улицу, даже работать в палате воспрещалось. Брат Винсента упросил руководство больницы выделить ему комнатку, чтобы он мог писать. Исследователи полагают, что Ван Гог изобразил на своей картине такое явление как турбулентность — вихревые потоки из воды и воздуха. Этого нельзя увидеть, но обострённое восприятие художника помогло узреть ему то, что скрыто от глаз обычных смертных.
Прочтите ещё одну нашу статью о 10 пропавших и вновь обретённых шедеврах великих мастеров .
По материалам boredpanda.com

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Сборщицы колосьев

Выбрать раму:

Галерейный подрамник вешается на стену без рамы в виде постера. Галерейная натяжка — вид безрамного оформления репродукций на холсте. Картина на холсте натягивается на подрамник, и закрепляется не на боковой стороне, как принято а сзади. На боковые стороны обычно попадает или часть изображения или специально напечатанное фоновая заливка цветом в тональности картинки (пожелания лучше уточнять по телефону). Холст аккуратно заворачивается в углах и выглядит прекрасно без рамы.

Выберите обычный подрамник для выбора рамы.

Название: Сборщицы колосьев.

Год создания: 1857

Техника письма: Барбизонская школа.

Жанр: Бытовой жанр.

Оригинальный размер: 84 x 111 cm.

Париж, музей Орсе.

Описание: В Салоне 1857 художник показал картину Собирательницы колосьев, изображающую женщин, занятых изнурительной работой, их одежда бедна, но опрятна; классическая ясность композиции, гармоничность неярких, но чистых тонов, плавные линии силуэтов, мягкий, золотистый свет, льющийся с осеннего неба, объединяющий пространственные планы, — все создает ощущение подлинной жизни, претворенной в художественный образ, в шедевр, исполненный поэзии. Надо было не только глубоко уважать любой труд, но и видеть в людях, занятых им, своих собратьев, чтобы с такой человечностью написать их. Работа вызвала разные оценки публики и критики, что заставило мастера временно обратиться к более поэтичным сторонам крестьянского быта. Сельская жизнь была одной из любимых тем Милле, и эта картина стала кульминацией десятилетней работы над темой сборщиц колосьев. Сборщицам разрешалось проходить по полям на рассвете и подбирать колоски, пропущенные косцами. На этом полотне художник изобразил трёх из них, согнувшихся над землёй в низком поклоне — только так им удаётся собрать оставшиеся после жатвы колосья.. В них Милле показал три фазы тяжёлого движения, которые женщины должны были беспрестанно повторять раз за разом — сгибаться, подбирать колосок с зерном и снова распрямляться. Маленькие пучки в их руках контрастируют с богатым урожаем, который виден на заднем плане. Там стога, снопы, повозка и занятая работой толпа жнецов.

Художник сумел очень точно передать тяжесть труда крестьян, их нищету и смирение. Однако работа вызвала разные оценки публики и критики, что заставило Милле временно обратиться к более поэтичным сторонам крестьянского быта.

В полотнах Жана-Франсуа Милле (1814-1875) подкупает простота композиций и характерный для них лиричный настрой. Обыденные сцены будничной жизни крестьян получили в его живописи особую значимость. Тщательно отбирая сюжеты, вычленяя самое главное, мастер почти превращал образы в символы. Три женские фигуры, нагнувшиеся к земле и подбирающие колосья, оставшиеся на поле после жатвы, воспринимаются олицетворением крестьянской жизни, связанной с землей. Люди всегда преклоняют перед ней головы и гнут спины, возделывая поля и убирая урожай. Рассуждая об этом, художник говорит: «На распаханных местах вы видите копающие и роющие фигуры. Они время от времени расправляют поясницу и вытирают обратной стороной ладони свой лоб. Разве эта работа радостна, весела?. Здесь, однако, находится для меня истинная человечность, великая поэзия». В этом для мастера проявляется ветхозаветный наказ человеку «есть свой хлеб в поте лица своего».

Читайте также  Самые полезные продукты для беременных, в чем польза их при беременности

На полотне изображены три крестьянки, собирающие оставшиеся после жатвы колоски (это право предоставлялось беднякам).В 1857 году, когда картина была показана в Салоне, крестьяне рассматривались как потенциально опасная, революционная сила. К 1914 году шедевр Милле стали воспринимать уже иначе — как символ французского патриотизма. Его даже воспроизвели на плакате, призывающем вступать в ряды национальной армии. Сегодня многие критики, признавая непреходящую ценность картины, находят ее слишком сентиментальной. Склоненные фигуры крестьянок напоминают классическую фреску. Очертания фигур перекликаются со скирдами хлеба на заднем плане, чем подчеркивается ничтожность того, что досталось на долю этих бедных женщин.Ван Гог написал однажды: «Я полагаю, что именно Милле, а не Мане, является подлинно современным художником, открывшим для многих из нас новые горизонты». Ван Гог не раз копировал работы Милле. К таким опытам относится и картина «Полуденный отдых» (1889-90). Вслед за Милле многие художники открыли для себя крестьянскую тему, и простые крестьяне стали излюбленным образом французской живописи второй половины XIX века. Образы Милле вдохновили немало художников, шедших вслед за ним. Подобно Писсарро, Ван Гогу и Гогену, Милле искал в крестьянском быту идеал патриархального мира, еще не зараженного тлетворным дыханием цивилизации. Все они помышляли о бегстве из города в гармонию сельской жизни. В 1850-х годах подобные пристрастия не слишком приветствовались — во-первых, крестьянская масса рассматривалась как источник революционной опасности, а во-вторых, многим не нравилось то, что образы невежественных крестьян возвышались до уровня национальных героев и библейских персонажей. При этом сельская тема была достаточно распространена в тогдашней живописи, но крестьяне в существовавшей традиции изображались или пасторально, или, напротив, иронично.Ситуация изменилась с приходом импрессионистов и постимпрессионистов. В частности, Писсарро постоянно интересовался реалиями повседневного крестьянского труда, а у Ван Гога крестьянин неизменно воплощал утраченную современным обществом простоту и духовную возвышенность.

Жан-Франсуа Милле «Сборщицы колосьев» (1857)
Холст, масло. 83,5 × 111 см
Музей Орсе, Париж

Небо, ввысь стремящееся от земной жизни, представлено в серо-голубых тонах. Кучевые облака, от тяжести страдающие по природному своему происхождению, не позволяют утренним лучам предносить свет свой на поверхность земли.

Летняя пахотная земля не страдает от застоялости: она лишь отдых себе разрешает от изнурительной работы косцов, которые, ранее потом обливаясь с головы до ног, стоят теперь позади пейзажа картины, являясь персонажами крайне не достойными внимания художника. На первый план же выдвигаются женщины, собирающие лишь остатки колосков. Труд их может показаться малозначимым, совсем ничтожным, но не таков он есть. Три женские фигуры, согнутые в бессилии перед нуждой денежной, склоняются с поникшей головою за мимолетно проявляющимися злаками, олицетворяют собою тяжесть работы сей. Руки их грязны, черны, и знают только юдоли тяжбу. Одежда на них бедная, поблекшая от извечных стирок в реке, виднеющейся за горизонтом.

Вдалеке виднеются колоссальные по размеру стога сена, повозка, несколько десятком снопов, золотом которые являются не только в цвету своем, но и по действию — пищей беднякам и богачам представляется сжатый урожай пшена.

Жан Франсуа Милле. Крестьянская доля

Ему было чуждо все, что было в школе изящных искусств. Чуждо было в мастерской очень модного салонного живописца Поля Делароша.
А однокашники его очень опасались, ведь Жан Франсуа был богатырского телосложения, кувалды кулачищи и косая сажень в плечах. И они очень боялись, что он однажды пустит эти кулаки в ход, но он этого не делал.

За глаза они его называли лесным человеком, а мэтр Деларош именовал его нормандским дикарем.
Но когда этот нормандский дикарь надумал уйти из мастерской, маэстро сделал все, чтобы остановить юношу, потому что он прекрасно понимал, какого уровня дарование у его ученика.
Но, так и не смог. Впрочем, ни у кого не нашлось крепкой узды, чтобы можно было удержать этого Данте деревенщины, этого Микеланджело мужичья, художника-пахаря Жана Франсуа Милле.Пожалуй, как никто другой живописец понимал, что труд на земле не просто работа, то судьба.

И у него есть совершенно необычный диптих, две картины – «На работу» и «Возвращение с работы». Две границы обычного крестьянского дня, где важно не то, что написано, а то, что между ними. То, чему Милле и посвятил свою кисть.Когда в 1849 году в Париже началась эпидемия холеры, Милле вместе со своим другом художником-графиком Шарлем Жаке решили покинуть на время столицу.
А к этому времени они уже были наслышаны о том, что есть замечательное местечко в районе леса Фонтенбло. Приехали на дилижансе, вышли посреди дороги и остались одни. Перед ними не было никакой деревушки, ни маленькой, ни большой, только лесной массив. После долгих блужданий по лесу художникам наконец удалось выйти на дровосека, который указал им дорогу на Барбизон.
Так Милле открыл свою Землю Обетованную. Именно сюда он привезет свою семью. Здесь родятся девять его детей. Здесь он напишет свои лучшие творения и однажды обретет вечный покой.

И кредо его было естественным, как для землепашца смена времен года. «Меня никто не заставит кланяться», — говорил Жан Франсуа, — «Не заставит писать в угоду парижским гостиным. Крестьянином я родился, крестьянином и умру. Всегда буду стоять на родной земле и не отступлю ни на шаг».
Утром он возделывал землю, как простой пахарь. Вечерами писал картины.

Жан Франсуа Милле родился 4 октября 1814 года в маленькой деревушке Грюши на берегу пролива Ла-Манш близ Шербура в семье сельской интеллигенции.
Отец был органистом в местной церкви. Один из его братьев врачом, другой священником. И все Милле без исключения веками возделывали землю.

Так что Жан Франсуа, как и все крестьянские дети, повзрослел быстро. Помогал на ферме, пас скот, учился в церковной школе. Любил латынь, интересовался учениями французских мыслителей Монтеня и Паскаля, зачитывался Гюго и Шекспиром. Обладал феноменальной памятью. С легкостью цитировал целые страницы из Гомера и Вергилия. Книгой книг полагал Библию.

А когда родители обнаружили у сына тягу к рисованию, то приняли его талант не как отрыв от корней, а как дар свыше.
Отправили в Шербур, в мастерскую портретиста Машеля. Но мальчик по-прежнему приезжал домой в период горячей страды.
В 1835 начал постигать мастерство под патронажем метра Ланглуа. Через два года педагог выхлопотал у шербурского муниципалитета стипендию для его обучения в Париже.
Когда же срок действия пенсиона подошел к концу, молодой художник с ужасом обнаружил, что ни одна его работа так и не нашла покупателя, и взялся за жанр, который всегда давал кусок хлеба живописцам – портрет.

В 1841 Жан Франсуа повел под венец свою избранницу, дочь шербурского портного Полин Виржини Оно. Их чувствам было уже четыре года, а семейному счастью отмерено всего три.
В апреле 1844 года Полин убьет туберкулёз. До конца своих дней Милле будет нести этот крест вины перед Полин. Казнить себя, что не смог справиться с нуждой, которая подтолкнула недуг.
Вернется в Шербур. В сентябре 1845 вновь парижская сутолока. Знакомство с будущими барбизонцами, что предпочитали писать пейзаж непосредственно с натуры. Но в отличии от импрессионистов на пленэре делали лишь этюды. Милле работал только в ателье.

Тогда же судьба тридцатиоднолетнего художника переплетется с судьбой дочери простого рабочего Катрин Лемер.
Отныне у них будет много общих тягот и одно общее счастье – их дети.

Милле находил в обыденном возвышенное, а в сложном простое. Не терпел пустой суеты и даже отказался вступить в федерацию художников, во главе которой встал Курбе в период пребывания у власти парижских коммунаров.

Но, глядя на картины Милле, одни так и продолжали нервно вздрагивать при виде его корявого мужичья, предчувствуя пожары, бунты и плаху.
Другие, уже в XX веке накануне Первой Мировой войны, репродуцировали «Сборщиц колосьев» Милле на плакате рядом с призывом вступать в ряды национальной гвардии.

Милле оказался глыбой, рухнувшей в водоем живописи XIX века, круги от удара которой достигли и XX века.
Так Сальвадор Дали был настолько впечатлен «Ангелом Господним», что создал несколько сюрреалистических версий вечерней молитвы Милле.

Скромный Жан Франсуа даже не мог представить, что спустя столетия его технологии буду изучать крупные специалисты в области искусства и живописцы.

Перспективная точка его взгляда чаще на уровне персонажей, реже сверху. Писал подобно венецианцам эпохи ренессанса сразу на холсте, но делал огромное количество набросков и эскизов.
Был выдающимся рисовальщиком. Работал пастелью, черным мелком, углем. Последним выполнял подкладной рисунок, иногда черным карандашом, затем выводил контуры и растушевывал тени.
Пользовался услугами натурщиков, но и реальную модель подвергал шлифовке фантазией.

Композиционные технологии сродни Пуссену и Тинторетто.
Лепил глиняные и восковые фигурки. Перемещал их на плоскости, выискивая баланс света, тени, ракурсов.
Часто повторял свои старые работы с малыми поправками, уточнял, улучшал их.

Был тонким колористом. Умело использовал резкие контрасты света и тени. Пользовался сильным ослепляющим светом и густым пастозным мазком.
Порой тонко клал красочный слой, позволяя рассмотреть под ним светлую грунтовую основу. Виртуозно владел техникой лессировки.
Нередко покрывал нижний слой краски еще одним, с применением техники сухой кисти. Возникала фактура, словно по краске прошли скребком.
Задний план обычно писал мягко. Холст, состоящий из много фактурных частей – характерная черта манеры художника.
Гладким штрихом отрабатывал портреты. Пожалуй, лучший его портрет – изображение его родной сестры Эмилии.
Грунтовал холсты тонко. В поздний период цветными грунтами.
Предпочитал фактуру узловатых, грубых холстов.

Читайте также  Христос и грешница (кто без греха?), в. д. поленов, 1888

«Я хочу», — писал Милле, — «чтобы в том, что я создаю, не было ничего случайного».

Одна из последних картин Милле «Разорители гнезд» 1874 года. То память детства и сцена словно из апокалиптического кошмара – крестьяне забивают птиц. Краска будто стекает с поверхности холста. А сама история столь трагична, что некоторые усмотрели в ней предчувствие своего близкого конца самим художником.

В конце 1873 года Милле начнет чувствовать себя очень плохо. В мае 1874 получит правительственный заказ для пантеона на цикл из жития святой Женевьевы, небесной покровительнице Парижа.
Успеет сделать лишь несколько предварительных набросков.
Третьего января 1875 срочно закажет в Барбизоне церковный обряд бракосочетания с Катрин. Их союз более 20 лет был зафиксирован гражданским документом, но для Милле клятвы, данные у алтаря, были святы.
Через 16 дней Милле не стало. Художнику было всего 60 лет.

Жан Франсуа Милле. Картина «Сборщицы колосьев»

Когда собирательницы колосьев Милле появились в лощёной атмосфере Парижского салона в 1857 году, зрители буквально впали в ступор. Тут же обозвали сборщиц настоящими страшилищами в лохмотьях, а газетная критика зашлась воплями мрачных предсказаний.

«Вот проходят сборщицы господина Милле. Позади них на мрачном горизонте вырисовываются лики народных восстаний и окровавленные эшафоты», — писала газета Le Figaro.

Но откуда такая реакция? Ведь Милле не был первым в крестьянской теме. Во французской живописи эта традиция восходит еще к средневековым манускриптам. В XVII веке ей посвятили свои работы братья Ленен. Но, наверное, самые знаменитые сцены народного быта принадлежат великому нидерландцу, эталону Милле, Питеру Брейгелю, даже прозванному мужицким.
В XIX столетии мода на крестьянскую тему, казалось, сохранилась. Но теперь крестьян изображали только в двух ипостасях – либо умиление до слез, либо десантированная ирония.
Милле же посмел возвысить образы невежественных детей земли до национальных героев и уровня библейских персонажей.
Так его собирательницы — почти церковная фреска, хотя сбор оставшихся колосьев был в ту эпоху уделом уже полной нищеты.
Не случайно в глубине композиции художник поместил верхового. То надсмотрщик, поставленный следить, чтобы ни один злак не был взят из стогов. Разрешалось поднимать только те крохи, что все еще валялись на земле.
На первом плане три женские фигуры. Две уже согнуты в три погибели. Одна устало тянет руку к земле, пытаясь как бы подцепить пальцами тоненькую соломинку, на которой возможно еще сохранились зерна. А линия горизонта будто наваливается на их изломанные спины всей своей тяжестью.
Лиц почти не видно. Под ними поле, за ними поле. Но художник ничего не драматизировал. Он просто констатировал факт. Земля, труд, человек – такова извечная крестьянская доля. Такова была доля и самого Милле.

Не «Анжелюсом» единым: 5 знаменитых шедевров Жана-Франсуа Милле

Илья Маршак

Детство будущего живописца прошло в маленькой деревушке Грюши на берегу пролива Ла-Манш. Художественные способности Милле проявились ещё в детстве, чему несказанно обрадовалась его семья. В возрасте 22 лет он отправился в Париж, где поступил на обучение к живописцу Полю Деларашоа. В 1940 году его работы уже выставлялись в Салоне.

Главной темой художника стала жизнь простых работящих людей. «Я крестьянин и ничего больше, как крестьянин», — говорил он о себе. В 1948 он написал картину «Веяльщик», а год спустя поселился в Барбизоне, став одним из родоначальников так называемой барбизонской школы. «Сеятель» (1850) пользовался большим успехом, однако по настоящему художник заявил о себе лишь в 1857 году, закончив работу над «Сборщицами колосьев». Следующая картина, «Анжелюс» (1859), показала способность Милле передавать тонкие эмоциональные переживания. В этом же году он представил на суд публики мрачную картину «Смерть и дровосек», в которой ощущалось сильное влияние Босха и Брейгеля.

В конце жизни художник под влиянием увлёкся пейзажем — последней его работой стала «Весна» (1873), полная жизни и любви к природе. 20 января 1875 года художник скончался.

Милле никогда не писал с натуры, предпочитая гулять в лесу и делать маленькие зарисовки, после по памяти воспроизводя понравившийся мотив. Подбирая цвета для картин, художник стремился не только достоверно воспроизвести пейзаж, но и достичь гармонии колорита. Живописное мастерство Милле поставило его в один ряд с художниками реалистического направления, работавшими во второй половине XIX века.

«Вечерняя Москва» предлагает вашему вниманию подборку знаменитых картин мастера.

«Сеятель» (1850), Бостонский музей изящных искусств

Среди ярых поклонников Милле был знаменитый испанский сюрреалист Сальвадор Дали / Фото: wikipedia.org

Лицо широко шагающего человека в красной рубахе наполовину скрыто, его черты грубы из-за постоянного физического напряжения. Справа от него еле видна управляемая другим крестьянином упряжка из двух волов, выглядящая почти монолитом — Милле сделал всё для того, чтобы взгляд фокусировался на главной фигуре, олицетворяющей собой сам труд. «Сеятель» был отмечен в Салоне, но приобрели картину не французы, а американцы. В 1881 году Винсент Ван Гог сделал карандашный рисунок «Сеятель подражание Милле)», ныне хранящийся в Государственном музее Нидерландов.

«Сборщицы колосьев» (1857), Лувр

Три женщины склонились на поле в низком поклоне — только так им удастся собрать оставшиеся после жатвы колосья. Солнечная, наполненная воздухом картина, наглядно изображала тяжёлые будни крестьян — нищих, но смиренных. Композиция картины строго продумана и ясна, цвет не яркий, но чистый, колорит строится на гармонии светло-голубых, палевых, розовых оттенков, золотистый свет объединяет пространственные планы. Работа вызвала разные оценки публики и критики, что заставило мастера временно обратиться к более поэтичным сторонам крестьянского быта.

«Анжелюс» (1857-1859), Лувр

Ни одно произведение французского художника не было столько раз тиражировано, как эта сентиментальная работа. Простота и пафос благочестия настолько заворажили зрителей, что вскоре репродукция картины появилась почти в каждом французском доме. В сюжете отражена одна из патриархальных традиций французов – дважды в день по сигналу церковных колоколов крестьяне прекращали работу и замирали в благостной позе, произнося про себя слова старинной молитвы «Анжелюс», предполагающей поминовение умерших. Исследование картины рентгеновскими лучами показало закрашенный прямоугольник между двумя фигурами — гробик с телом их умершего ребёнка.

Заказчиком «Анжелюса» стал американский художник Томас Эпплтон, очарованный «Сборщицами колосьев». По неизвестным причинам он отказался от покупки, и она в течение десяти лет переходила из рук в руки, время от времени появляясь на выставках. В 1889 году, когда картину вновь предложили к продаже, за нее яростно боролись Лувр и консорциум американских торговых агентов. Американцы победили, отдав за полотно рекордную по тем временам сумму (580 000 франков). В 1909 году она была перекуплена неким богатым французом и подарена Лувру.

Среди ярых поклонников картины был знаменитый сюрреалист Сальвадор Дали, учившийся в школе, стену которой украшала репродукция «Анжелюса». Фигуры картины вдохновили его на собственные копии и интерпретации образов полотна, коих насчитывается по меньшей мере пять: «Архитектонический Анжелюс Милле» (1933), «Гала и Анжелюс Милле перед скорым прибытием конической анаморфозы» (1933), «Атавизм сумерек» (1934), «Архелогическая реминисценция Анжелюса Милле» (1935) и «Портрет Галы» (1935). В своем эссе «Трагический миф Анжелюса Милле» (1938) Дали писал, что эта работа казалась ему «самой поразительной, загадочной и многозначной картиной, самой богатой подсознательными идеями из всех, что были когда-либо написаны».

«Смерть и дровосек» (1859), Глиптотека Новый Карлсберг, Копенгаген

Сюжет картины заимствован из басни Жана де Лафонтена. Старый дровосек, уставший от непосильной работы, просит Смерть избавить его от страданий. Однако, когда костлявая является ему, мужчина ужасается и начинает судорожно цепляться за жизнь. В левой руке Смерть держит изогнутые песочные часы, символизирующие быстротечность времени. На её плече коса, которой она срезает жизнь человека подобно жнецу, срезающему созревший колос. Дровосек в ужасе отворачивает голову, но Смерть уже крепко сжимает его горло своей ледяной рукой.

«Весна» (1868-1873), Лувр

Солнце пробивается сквозь относимые прочь грозовые облака, заставляя молодую листву играть всеми оттенками изумрудного цвета. Живое освещение, простота и непринужденность композиции создают волнующую атмосферу свежести, присущую всякой весенней поре. Цветущие фруктовые деревья блестят на солнце и словно перекликаются с деревьями Ван Гога, которые будут написаны им в 1888 году. Живой фон картины будто движется и меняется каждую секунду.

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: