Охота на тигра, эжен делакруа, 1854 - JEKATERINBURG.RU

Охота на тигра, эжен делакруа, 1854

Охота на тигра, эжен делакруа, 1854

100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ

«Искусство любит многообразие, как с исторической, так и национальной точки зрения, – отмечал художник Мартирос Сарьян. – Динамика истории человечества заключена в ее многогранности. Этим определяется и содержание мира и лицо всемирного искусства. Один художник работает в России, другой – в Италии, третий – во Франции, четвертый – в Бельгии. В работах каждого живет национальный стиль, национальный характер, они дышат своим временем, они передают думы, мысли и чаяния народа.

Художник живет атмосферой своей страны, живет в окружении своих соотечественников, в своей родной природе. Каждый народ представляется мне могучим деревом. Корни этого дерева уходят в родную почву, а усыпанные цветами и плодами ветви принадлежат миру».

Го Си, Рублёв, Веронезе, Гойя, ван Гог, Дюрер, Кандинский, Матисс, Рембрандт – это художники разных времен и разного стиля… Но их всех, как истинных мастеров, объединяет вечное горение, вечное вдохновение, вечно одержимая любовь к искусству.

Художник не может творить, если его душа мертва, а сердце холодно. Он не будет живописцем, если его чувства не воспринимают красок жизни, гармонии природы, если его не трогают судьбы людей. Искусство не самоцель. Оно создается для того, чтобы закрепить в материале произведения жизненно ценное, выразить то, что волнует современников, что сам пережил в моменты наивысшего подъема своего духа, разума.

Леонардо да Винчи назвал живопись «немой поэзией». Картина безмолвна. Звуки и слова лишь предполагаются зрителем. Картина неподвижна. Люди, события, предметы предстают в определенном, раз и навсегда данном состоянии и виде. Не в силах художника показать, что было до запечатленного момента и что случится после него.

«Живопись – не болтливое искусство, – писал французский художник девятнадцатого столетия Делакруа, – и в этом, по-моему, ее немалое достоинство… Живопись вызывает совершенно особые эмоции, которые не может вызвать никакое другое искусство. Эти впечатления создаются определенным расположением цвета, игрой света и тени – словом, тем, что можно было бы назвать музыкой картины».

Настоящий художник никогда не копирует действительность, а по-своему воспроизводит ее и толкует. Для этого он прибегает к различным приемам, условным по своей сути. Язык живописи – цвет! Замысел художника, тема, которую он избрал, и идея, которую он хотел донести до зрителя, получают жизнь благодаря живописной форме. Цвет в живописи – средство эмоциональной выразительности, всю гамму чувств и настроений можно выявить им. Цветом дается характеристика образов. Цвет действует на зрителя, именно цвет в первую очередь вызывает у него определенное отношение к изображенному.

Но в основе настоящего произведения искусства лежит идея, мысль. Идея диктует выбор композиции и колорита, рисунка и пропорции. Рождение настоящего произведения искусства невозможно без таланта.

«Счастлив ты, – писал Гете, – родившийся со зрением, зорко улавливающим пропорции, которые ты обостряешь, воспроизводя всевозможные образы. И когда вокруг тебя мало-помалу пробудится радость жизни и ты познаешь ликующее человеческое счастье после трудов, надежд и страха, когда поймешь счастливый возглас виноградаря, которому щедрая осень наполнила вином его сосуды, поймешь оживленную песню жнеца, высоко на стене повесившего свой праздный серп, когда позднее уже с более мужественной силой забьется в твоей песне могучий нерв страстей и страданий, когда ты довольно стремился и страдал, довольно наслаждался земной красотой и теперь стал достоин отдыха в объятиях богини, достоин изведать на ее груди то, что возродило богоравного Геракла, – тогда прими его, небесная красота, ты, посредница между богами и людьми, но и он – не лучше ль Прометея? – сведет с небес блаженство бессмертных».

Эти слова в полной мере можно отнести к Рафаэлю, Кустодиеву, Малевичу, ван Дейку, Дега, Пуссену, Тёрнеру и другим живописцам, представленным в данном издании. Среди них нет двух одинаковых мастеров – это художники разные по манере письма, творческому подходу, колору и темпераменту, наконец. Но всех их объединяет благодарность и любовь настоящих поклонников живописи. Благодаря им и живо искусство мастеров прошлого и настоящего. Им собственно и предназначена эта книга.

Наивысшего расцвета китайская средневековая культура достигла в VII–XIII веках во времена образования двух крупных государств – Тан (618–907) и Сун (960–1279). А высшим достижением искусства стала живопись, охватившая многообразный круг жизненных явлений, отразившая преклонение людей перед красотой природы.

Наиболее известными танскими пейзажистами были Ли Сысюнь (651–716), Ли Чжаодао (670–730) и Ван Вэй (699–759).

«Их творчество показывает, насколько разнообразными были пути пейзажной живописи, – пишет Н.А. Виноградова. – Пейзажи Ли Сысюня и Ли Чжаодао ярки и насыщены по цвету. Синие и малахитово-зеленые горы обведены золотой каймой, которая делает картину похожей на драгоценность. Пейзажи Ван Вэя, написанные черной тушью по золотистому шелку, мягче и воздушнее. Дали в них едва прорисованы, они как бы тают в далеком тумане, а вся природа кажется спокойной и тихой. Его картины были так поэтичны, что современники говорили: «Его стихи – картина, его картины – стих»».

Манеру Ван Вэя восприняли как основную сунские живописцы, которые главным образом стремились к передаче лирической красоты и гармонии природы.

Разработанные еще в танское время своеобразные законы перспективы, построения пространства и колорита достигают высокого совершенства в пейзажах Го Си, вошедшего в историю искусства завершителем традиции монументального пейзажа X–XI веков.

Художник продолжал творчески развивать черты, присущие пейзажам Цзин Хао и Дун Юаня, Ли Чэна и Сюй Даонина. Го Си подчеркивал вред слепого копирования: «Великие люди и ученые не ограничиваются одной школой, а непременно совмещают, сравнивают, широко обсуждают, тщательно изучают (все существующее), чтобы создать свою собственную школу, и только тогда достигают нужного».

О жизни Го Си известно немного. По всей вероятности, он родился между 1020–1025 годами и умер до 1100 года. Вот что сообщает современник художника Го Жо-сгой, закончивший свои «Записки о живописи» в 1082 году:

«Го Си родом из уезда Вэпь в Хэяне. Ныне занимает должность наставника в искусстве в Императорском ведомстве Шу-юань. Пишет пейзажи зимнего леса. Картины его искусны и разнообразны, композиции – пространственно глубоки. Хотя он изучал и восхищался Ин-цю, но смог выразить свои собственные чувства. Огромные ширмы и высокие стены (с его росписями) намного сильнее (чем у предшественников). В нынешнем поколении он – единственный».

Другие источники мало что добавляют: все сходятся на том, что Го Си учился у Ли Чэна, превзошел его, «создал свой стиль», что кисть его была «свободной».

Известно, что между 1078 и 1085 годами Го Си расписывал двенадцать больших ширм для даосского храма и что, несмотря на преклонный возраст, сила его кисти не ослабла. В старости он особенно любил делать стенные росписи. Дэн Чунь, автор «Записок о живописи» XII века, рассказывает, что однажды Го Си увидел выполненные на рельефе росписи одного мастера VIII века, в которых были использованы неровности стены. Го Си самому захотелось написать «рельефный» пейзаж. Он попросил не заглаживать штукатурку на стене строящегося здания и по непросохшей поверхности руками наметил план будущей росписи, используя выпуклости и впадины. Когда стена высохла, он расписал ее тушью и красками, и пейзаж выглядел будто «созданный самой природой».

Читайте также  Топ-10 самых кассовых фильмов всех времен

О творческом методе художника рассказал его сын Го Сы: «В те дни, когда мой отец брался за кисть, он непременно садился у светлого окна, за чистый стол, зажигал благовония, брал тонкую кисть и превосходную тушь, мыл руки, чистил тушечницу. Словно встречал большого гостя. Дух его был спокойный, мысли сосредоточенными. Потом начинал работать».

Музей д’Орсе Париж (fb2)

Александр Кабанель (1823–1889) Смерть Франчески да Римини и Паоло Малатеста 1870. Холст, масло. 184×255

В данном полотне художник обратился к великой поэме Данте Алигьери «Божественная комедия». Александр Кабанель выбрал достаточно популярный сюжет из V песни «Ада» о смерти двух несчастных любовников, заколотых ревнивым мужем Франчески, которому Паоло приходился родным братом. «Любовь сжигает нежные сердца», — говорил Данте. Иногда она дается слишком высокой ценой. Трагедия произошла во время первого робкого поцелуя, который Паоло сорвал с губ красавицы, когда они вместе читали рыцарский роман.

Многие художники давали свое истолкование этого сюжета. Кабанель обратился к его развязке, когда поцелуй замер на устах, глаза навсегда закрылись, а из бессильно повисших рук героини выпал роман о любви рыцаря Ланселота и королевы Джиневьеры, так и не дочитанный ими. Бледные лица хорошо освещены, они привлекают внимание зрителя к безвременно погибшей красоте и молодости. Фигура ревнивца, заколовшего брата и жену, наполовину скрыта тяжелой драпировкой, лицо живописец оставляет в полутени, тем самым давая почувствовать черноту мыслей героя. Он, уродливый от рождения, нелюбимый женой, пристально смотрит на своих жертв, навечно оставшихся прекрасными и соединившими души для скитаний в аду. Его напряженный взгляд, следивший за зарождавшейся любовью, словно не оставляет их и после смерти.

Эжен Делакруа (1798–1863) Охота на тигра 1854. Холст, масло. 73,5×92,5

Эжен Делакруа по праву считается главой французского романтизма. Долго не признававшийся официальными художественными кругами, свято чтившими традиции академической школы, он творил новое искусство, став кумиром для молодых живописцев.

Яркие краски Делакруа черпал из впечатлений от путешествий по Северной Африке, где наблюдал поражавшие воображение сцены охоты на диких зверей. Художнику замечательно удавались сложные ракурсы, он мастерски компоновал фигуры на плоскости, выбирая наиболее экспрессивные и динамичные схемы.

Отчаянная борьба животного и хладнокровно-жестокие, четко выверенные действия охотников, ужас обезумевшей, вставшей на дыбы лошади, готовой сбросить своего седока, его опасное положение, требующее огромных усилий — усидеть на коне и поразить разъяренного тигра, — этот чисто романтический накал страстей, характерный для искусства Делакруа, будоражит чувства зрителей.

Гюстав Доре (1832–1883) Энигма 1871. Холст, масло. 130×195,5

Гюстав Доре — замечательный живописец французского романтизма и гениальный иллюстратор, создавший непревзойденные циклы произведений ко многим творениям мировой литературы. Величайший художник, не получивший профессионального образования, начал рисовать в раннем детстве и покорил Париж в пятнадцать лет.

Мистический сюжет полотна «Энигма», само название которого погружает зрителя в зыбкую тайну, навеян событиями Франко-прусской войны (1870–1871). Потерянные жизни, разрушенные судьбы тысяч людей… Эти трагические последствия политических споров двух держав, провоцировавшие депрессивно-эсхатологические (связанные с представлениями о конце света, искуплении, загробной жизни и судьбе Вселенной) настроения в обществе, нашли свое выражение в творчестве Доре. Действие картины происходит на холме — недавнем поле боя, хранящем свои трофеи — убитые тела. Над ними на фоне клубящегося дыма поднимаются фигуры Сфинкса и крылатой женщины, охватившей рукой его голову. Кто она и какую связь имеет с горящим разоренным городом? Какую тайну охраняет Сфинкс? Загадал ли он свою загадку или, напротив, женщина ждет его ответа на некий важный вопрос — зрителю остается лишь догадываться. Смысл разговора персонажей художник оставляет неясным.

Камиль Коро (1796–1875) Утро. Танец нимф 1860. Холст, масло. 48,1×77,2

Камиль Коро был близок с пейзажистами барбизонской школы, писавшими родную французскую природу. В нее был влюблен и Коро. В его творчестве переплелись реалистические искания и чувственное восприятие действительности. Имея, по собственному выражению, «живую страсть к природе и расположение следовать ей с такой настойчивостью, которую ничто не может ослабить», он старался правдиво воспроизводить ландшафты. При этом всегда прислушивался к ощущению, которое вызывало в душе увиденное, и переносил его на холсты, наделенные особым лирическим настроением. «Прекрасное в искусстве — это истина, слитая с впечатлением, которое вы получили при созерцании природы», — писал Коро.

Работая над изображением того или иного мотива, художник сначала старался его прочувствовать и только после этого приступал к краскам. Главным в живописи он считал соотношение форм и сочетание тонов. На полотне «Утро.

Эжен Делакруа, картины наполненные романтизмом

Ладья Данте (1822, Лувр, Париж)

Эжен Делакруа (Шарантон-Сент-Морис, 1798 — Париж, 1863) был главой французской романтической школы; его картины написаны с фантастической свободой и наполнены мощной экспрессией, характеризующейся насыщенным и открытым цветом, что окажет потом существенное влияние на становление техники у импрессионистов.

В 1822 г. он представил на Салоне картину Ладья Данте, имевшую огромный успех, произведения. Затем последовали Резня на Хиосе (1822) и Смерть Сарда (1827), тоже вызвавшие интерес публики, однако возмутившие сторонников классицизма.

Июльская революция 1830 г., в результате которой на троне оказался Луи Филипп Орлеанский, покровительствовавший Делакруа, открыла самый успешный период его карьеры: Свобода, ведущая народ (другое название Свобода на баррикадах, 1830, Лувр, Париж), выставленная на Салоне 1831 г., была приобретена государством.

Свобода, ведущая народ (другое название Свобода на баррикадах, 1830, Лувр, Париж)

Путешествие, совершенное Делакруа в 1832 г. в Марокко (его целью были дипломатические переговоры), а также в Алжир и по южной Испании, дало художнику массу ярких впечатлений и новое видение цвета (Алжирские женщины, 1834; Марокканец, седлающий коня, 1837). С 1833 г. он приступил к крупным проектам оформления интерьеров: Королевская гостиная и библиотека Бурбонского декоративной дворца (1833—1847), библиотека Люксембургского дворца (1840—1847), плафон галереи Аполлона в Лувре (1850-1851), плафон в Гостиной мира (Salon de la Paix) парижской ратуши (1852-1854, разрушен в 1871).

Велико графическое наследие Делакруа: рисунки, акварели, литографии. Его живопись, интеллектуально насыщенная, богатая особым чувством истории и большой культурой, глубоко связанная с политикой, литературой, музыкой, философией и научной мыслью того времени, стала выражением образа видения, чувствования и мышления всего романтизма.

Именно в его полотнах с наибольшей силой проявилась бунтарская сущность французского романтизма. Эжен Делакруа оказал огромное влияние на развитие не только французской, но и мировой живописи.

Картины Эжена Делакруа

Алжирские женщины (1834, Лувр, Париж )

Вступление крестоносцев в Константинополь (1840, Лувр, Париж)

Греция на руинах Миссолонги (1826, Художественный музей Бордо)

Лошадь, испуганная молнией (1824, Музей изобразительных искусств, Будапешт)

Эжен Делакруа — Марокканец, седлающий коня (1837, Нант)

Резня на Хиосе (1822, Лувр, Париж)

Сирота на кладбище (1823 — 1824, Лувр, Париж)

Охота на тигра, эжен делакруа, 1854

В превращении вокзала в художественный музей были учтены архитектурные особенности творения Виктора Лалу. Оформление интерьеров велось под руководством Гае Ауленти.

Читайте также  Саломея, танцующая перед иродом, гюстав моро

Музей торжественно открыл президент Франсуа Миттеран 1 декабря 1986. Перед зрителями были представлены не только произведения живописи, графики, скульптуры и декоративного искусства, но и фотографии, до этого времени не выставлявшиеся ни в одном французском музее, а также архитектурные проекты, отразившие развитие парижской архитектуры второй половины XIX столетия.

Осенью 2011 музей д’Орсе вновь открылся после очередной реконструкции. Она обошлась в сумму более 20 миллионов евро, причем государство выделило лишь треть. Собственно, с самого начала было ясно, что денег явно недостаточно.

И тогда директор музея Ги Кожеваль предложил остроумную идею: пусть деньги для д’Орсе заработают те, кто в нем выставляется. Из 200 шедевров были сформированы две передвижные выставки, посвященные импрессионизму и постимпрессионизму, которые отправились в путешествие по странам и континентам и собрали почти 13 миллионов евро, после чего благополучно вернулись в свои родные стены — обновленное здание бывшего вокзала д’Орсе.

Интерьер музея

От академизма до импрессионизма

Жан Огюст Доминик Энгр, Александр Десгоф. Венера на Пафосе. Около 1852

Александр Кабанель (1823–1889) Рождение Венеры 1863. Холст, масло. 130×225

Александр Кабанель, яркий и чрезвычайно популярный в свое время представитель академической живописи, являлся любимым художником Наполеона III. Полотно «Рождение Венеры» впервые было представлено на обозрение публики на парижском Салоне 1863.

Прекрасная Венера (в греческой мифологии — Афродита), согласно легенде, была рождена из морской пены. Она предстает очарованному зрителю раскинувшейся на волнах, мягко качающих ее тело, нежащееся в ласковых лучах солнца. При бесподобной роскоши форм оно кажется невесомым, ведь богиня покоится на морской воде, нисколько не погружаясь в нее, а словно скользя по поверхности. Ее можно принять за мираж, возникший перед изумленным взором морехода. Томная, чувственная поза, влекущий взгляд, мраморная белизна нежнейшей кожи — такова богиня любви в представлении людей середины XIX столетия. Любовь и красота, которые олицетворяет собой эта в прямом и переносном смысле божественная женщина, окрашены сексуальной страстностью.

Мифологическая канва стала допустимым моралью времени поводом для изображения влекущего обнаженного тела. Художник хорошо знал интересы публики. Манящая женщина, виртуозно написанная почти во всю ширину двухметрового холста, никого не могла оставить равнодушным. «Рождение Венеры» имело огромный успех и стало украшением выставки, картину тут же приобрел император, а «божественная» природа героини так и осталась оправданием любованию этой бесстыдной красотой.

Александр Кабанель (1823–1889) Смерть Франчески да Римини и Паоло Малатеста 1870. Холст, масло. 184×255

В данном полотне художник обратился к великой поэме Данте Алигьери «Божественная комедия». Александр Кабанель выбрал достаточно популярный сюжет из V песни «Ада» о смерти двух несчастных любовников, заколотых ревнивым мужем Франчески, которому Паоло приходился родным братом. «Любовь сжигает нежные сердца», — говорил Данте. Иногда она дается слишком высокой ценой. Трагедия произошла во время первого робкого поцелуя, который Паоло сорвал с губ красавицы, когда они вместе читали рыцарский роман.

Многие художники давали свое истолкование этого сюжета. Кабанель обратился к его развязке, когда поцелуй замер на устах, глаза навсегда закрылись, а из бессильно повисших рук героини выпал роман о любви рыцаря Ланселота и королевы Джиневьеры, так и не дочитанный ими. Бледные лица хорошо освещены, они привлекают внимание зрителя к безвременно погибшей красоте и молодости. Фигура ревнивца, заколовшего брата и жену, наполовину скрыта тяжелой драпировкой, лицо живописец оставляет в полутени, тем самым давая почувствовать черноту мыслей героя. Он, уродливый от рождения, нелюбимый женой, пристально смотрит на своих жертв, навечно оставшихся прекрасными и соединившими души для скитаний в аду. Его напряженный взгляд, следивший за зарождавшейся любовью, словно не оставляет их и после смерти.

Эжен Делакруа (1798–1863) Охота на тигра 1854. Холст, масло. 73,5×92,5

Эжен Делакруа по праву считается главой французского романтизма. Долго не признававшийся официальными художественными кругами, свято чтившими традиции академической школы, он творил новое искусство, став кумиром для молодых живописцев.

Яркие краски Делакруа черпал из впечатлений от путешествий по Северной Африке, где наблюдал поражавшие воображение сцены охоты на диких зверей. Художнику замечательно удавались сложные ракурсы, он мастерски компоновал фигуры на плоскости, выбирая наиболее экспрессивные и динамичные схемы.

Отчаянная борьба животного и хладнокровно-жестокие, четко выверенные действия охотников, ужас обезумевшей, вставшей на дыбы лошади, готовой сбросить своего седока, его опасное положение, требующее огромных усилий — усидеть на коне и поразить разъяренного тигра, — этот чисто романтический накал страстей, характерный для искусства Делакруа, будоражит чувства зрителей.

Гюстав Доре (1832–1883) Энигма 1871. Холст, масло. 130×195,5

Гюстав Доре — замечательный живописец французского романтизма и гениальный иллюстратор, создавший непревзойденные циклы произведений ко многим творениям мировой литературы. Величайший художник, не получивший профессионального образования, начал рисовать в раннем детстве и покорил Париж в пятнадцать лет.

LiveInternetLiveInternet

  • Регистрация
  • Вход

Музыка

Цитатник

Яркий натюрморт с книгой Яркий натюрморт с книгой Я обожаю натюрморты. Сюжеты, виды и цвета, .

Петербургский художник — Иван Славинский(Ivan Slavinsky) Петербургский художник — Иван Славинс.

Mettmann 03. 05. 2019 (мои фото) Mettmann 03. 05. 2019 (мои фото) Меттман ( Mettmann).

Лучшие еврейские анекдоты Сын еврея-юриста закончил университет, тоже стал юристом и.

«Маевки» Петра I и оргии Достоевского в парке Екатерингоф Наступили долгожданные народные майс.

Метки

Ссылки

Поиск по дневнику

Подписка по e-mail

Друзья

Статистика

Эжен Делакруа. Картины и фрески

Эжен Делакруа. Картины и фрески

26 апреля 1798 г. родился великий французский художник Эжен Делакруа. Его самая знаменитая картина прославляла свободу, добытую в бою на баррикадах и стала олицетворением духа революционного Парижа.
Сама судьба с самого момента рождения тесно связала художника с политикой. Дело в том, что его официальным отцом считался Шарль Делакруа, политический деятель, бывший министр иностранных дел, но молва утверждала, что в действительности Эжен был незаконнорождённым сыном всесильного министра Наполеона — Шарля Талейрана, а то и самого Наполеона.

Свои художественные наклонности Эжен мог унаследовать от своей матери, Виктории, происходившей из семьи знаменитых краснодеревщиков.
Делакруа рано пришлось задуматься о своей дальнейшей судьбе. Его родители умерли, когда он был совсем юным. В 1815 году юноша оказался предоставлен сам себе; он сделал выбор, поступив в мастерскую известного классициста Пьера Нарсиса Герена (1774—1833). В Лувре он очаровался работами старых мастеров. Больше всего начинающего художника привлекали великие колористы — Рубенс, Веронезе и Тициан.


«Свобода на баррикадах» или «Свобода, ведущая народ» 1830, Лувр

Делакруа писал:«Я выбрал современный сюжет, сцену на баррикадах. .. Если я и не сражался за свободу отечества, то, по крайней мере, должен прославить эту свободу». Дело в том, что сам он не принимал участие в революции 1830 г. наблюдая за происходящим из окон своей мастерской, но после падения монархии Бурбонов решил увековечить образ Революции.

Читайте также  Самые вкусные блюда мира, национальная еда разных стран

В своем шедевре Делакруа соединил протокольный реализм репортажа с поэтической аллегорией. Небольшому эпизоду уличных боев он придал вневременное, эпическое звучание. Центральный персонаж полотна — Свобода.
Свобода по Огюсту Барбье: «Это сильная женщина с могучей грудью, с хриплым голосом, с огнем в глазах, быстрая, с широким шагом» и с чертами Афродиты Милосской — такой увидел её Делакруа.

Картина вызвала немало критики, её не раз прятали в запасниках Лувра- так опасен казался пафос картины, но всегда выставляли вновь.
Уже в 21 веке картина подверглась нападению вандала. 7 февраля 2013 года посетительница музея Лувр—Ланс, где выставляется «Свобода», исписала нижнюю часть полотна маркером, после чего была задержана. На следующий день реставраторы убрали повреждения, потратив на это меньше двух часов.


«Ладья Данте» (1822)

«Ладья Данте»(известна также под названием «Данте и Вергилий в аду») была первой картиной Делакруа, выставленная им в Салоне.
Сюжет картины основан на восьмой песни Ада Данте: поэт и его проводник по Аду древнеримский поэт Вергилий пересекают реку Стикс на фоне пылающего Города мёртвых, из вод которой вздымаются души грешников.


Резня на Хиосе. 1824
«Резня на Хиосе» — картина Эжена Делакруа, вторая крупная работа художника. На полотне, высотой более 4 метров, изображены трагические события, произошедшие на Хиосе во время греческой войны за независимость от Османской империи 1821—1830 годов. Нападение на остров вооружённых сил Османской империи 11 апреля 1822 года и последующая оккупация привели к гибели более 20000 мирных жителей, а большую часть выживших обратили в рабство и депортировали.
Александр Дюма писал: «Нет такой картины с группой людей. из-за которой у художников не разгорелся бы жаркий спор».
В настоящее время картина находится в Лувре


Смерть Сарданапала 1827

Сюжет картины картины из драмы Джорджа Гордона Байрона «Сарданапал». На художника также повлияло длительное пребывание в Испании и Марокко.
Легенда об ассирийском царе такова: он был известным распутником, своим равнодушием к делам страны доведшим её до восстания. После неудачной попытки подавить мятеж, Сарданапал решает покончить жизнь самоубийством. На картине изображён тот момент, когда царь приказывает также убить своего любимого коня, собак и женщин, уничтожить все свои сокровища. Сам Делакруа писал, что образ Сарданапала — суровое предупреждение для тех, кто не стремится в своей жизни к добродетели.


Арабы, играющие в шахматы. 1847—1848

Во время написания этой картины делакруа уже был признанным мастером, кавалером Ордена Почётного легиона.
Делакруа посетил Северную Африку в 1832 году, но поездка имела длительное влияние на его работу. В изображении непривычных для европейского взгляда поз арабов искусствоведы видят влияние персидской и индийской миниатюры, которую Делакруа копировал в Национальной библиотеке Франции.
Интересно, что некоторые картины Делакруа (в их числе и «Арабы, играющие в шахматы») вызывают ассоциации с классическими «пасторалями» и напоминают о жанровых сценах Мурильо, Рубенса, Адриана ван Остаде.
Искусствоведы отмечают также композиционное сходство картины с работами Рафаэля, которое заключается во включении зрителя в круг изображаемых персонажей.


«Охота на львов в Марокко». 1854

Охота на львов в Марокко» написана в 1854 году по мотивам поездки художника в Алжир и Марокко в 1832 году.

Вскоре картину приобрел граф Н. А. Кушелёв-Безбородко; после его смерти в 1862 году картина, как и все произведения из его собрания, по завещанию была передана в Музей Академии художеств и вошла там в состав особой Кушелёвской галереи, в галерейном каталоге 1868 года числилась под названием «Львиная охота»; в 1922 году была передана в Государственный Эрмитаж.


«Охота на льва»


«Охота на тигра»


«Марокканец, седлающий коня». 1855
Почти сразу после написания картину приобрёл граф Н. А. Кушелёв-Безбородко. В 1922 году картина была передана в Государственный Эрмитаж.
Доктор искусствоведения А. Г. Костеневич в своём очерке французского искусства XIX — начала XX века отмечал, описывая картину:
Какая-то необузданная грация ощущается в картине «Марокканец, седлающий коня». Как будто малозначительный и чисто бытовой момент — седлание коня — преисполняется редкой значительности и поднимается до высоты торжественного акта. Между арабом и лошадью, чуткой, легко воспламеняющейся, — этим истинно романтическим созданием — словно идёт диалог.


«Лошади, выходящие из моря»,


«Христос на Галилейском море»


«Кораблекрушение у побережья»


«Одалистка»


«Похищение Ревекки»


«Несение Христа к могиле»

Первой монументальной работой стали росписи, выполненные в Бурбонском дворце (1833—1847). После этого Делакруа работал над украшением Люксембургского дворца (1840—1847) и росписью потолков в Лувре (1850—1851). Двенадцать лет он посвятил созданию фресок для церкви Сен-Сюльпис (1849—1861).

К работе над фресками художник относился с огромным энтузиазмом. «Мое сердце, — писал он, — всегда начинает учащенно биться, когда я остаюсь лицом к лицу с огромной стеной, ожидающей прикосновения моей кисти».

Роспись купола библиотеки Люксембургского дворца

Росписи Бурбонского Дворца.

Фрески Делакруа Церковь Сен-Сюльпис

Делакруа не чурался общественной жизни, постоянно посещая различные собрания, приёмы и знаменитые салоны Парижа. Его появления ждали — художник неизменно блистал острым умом и отличался элегантностью костюма и манер. При этом его частная жизнь оставалась скрытой от посторонних глаз. Долгие годы продолжалась связь с баронессой Жозефиной де Форже, но их роман не увенчался свадьбой.

В 1850-е годы его признание художника было неоспоримым. В 1851 году Делакруа избрали в городской совет Парижа, в 1855 году наградили орденом Почётного легиона.
Эжен Делакруа скончался от рецидива болезни горла в своём парижском доме 13 августа 1863 года в возрасте 65 лет и похоронен на парижском кладбище Пер-Лашез.

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: