Вид коллиура, анри матисс - описание картины - JEKATERINBURG.RU

Вид коллиура, анри матисс — описание картины

Работы Анри Матисса 1905-1906 годов

Матисс – одна из самых значимых фигур ХХ века. Будучи универсальным мастером, он смог реализовать себя не только в живописи, но также в скульптуре, керамике, гравюре и многом другом.

Помимо всего прочего, он оставил после себя богатое литературное наследие. Сам он рассказывает, что был «сыном торговца зерном и должен был впоследствии возглавить дело отца». На решение Матисса стать художником повлияла его мать, подарив коробку красок в тот период, когда он восстанавливался после болезни. Его талант проявился не сразу, как, к примеру, у чудо-ребенка Пабло Пикассо. Напротив, его творчество развивалось постепенно и вырастало из его беспримерной преданности цвету, свету, пространству и созданию гармонии. Но, прежде чем найти себя, собственный подчерк, свою манеру, он повторил путь развития искусства в целом. Как и многие европейские художники, начал он с копирования работ в музеях, далее увлекся импрессионизмом, но ненадолго. В начале творчества испытывал влияние Сезанна и искусства Востока. К 1905 году он приходит к фовизму.

Фовизм стал одним из первых и ярчайших художественных течений ХХ века. Несколько молодых живописцев в октябре 1905 года показали свои работы на выставке Осеннего салона в Париже. В обзоре выставки в журнале «Жиль Блаз» критик Л. Воксель назвал этих художников «дикими» (от фр. Les fauves – дикие звери). Это неожиданное определение оказалось настолько метким, что уже через несколько дней потеряло авторство и начало самостоятельную жизнь.

Без Матисса не было бы фовизма. И несмотря на то, что он не признавал себя главой течения, именно его метод определял стилистику. Для Матисса период «диких» был лишь одним из эпизодов его творческой биографии. Тем не менее, в работах разных лет фовистское видение оставалось формообразующими. В различные периоды своего творчества — от ранних до поздних — Матисс использовал те принципы, которые составляли основу художественного метода фовистов.

Фовистские приемы использовались многими художниками, но именно Матисс создал новый стандарт изображения — декоративного полотна, где ключевая роль отведена не линии, а цветовому пятну. Благодаря Матиссу и в результате широкого использования нового художественного метода в живописи, цветовая плоскость стала главным художественным инструментом в искусстве XX столетия.

Матисс А. «Натюрморт. Ваза, бутылка, фрукты». Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Холст, масло. 73х92 см. 1906

Другие названия картины – «Синяя ткань» и «Натюрморт с синей тканью». Этот натюрморт — один из самых необычных по живописи произведений Матисса – написан поверх какой-то другой картины или её части. Темную основу прежней живописи Матисс полуприкрыл быстрыми и неплотными белильными мазками, которые в сочетании с яркими пятнами красок создают впечатление почти пастельное. Рентген показал, что «Ваза, бутылка и фрукты» написана поверх другого натюрморта с чашкой и фруктами, возможно, апельсинами. Чашка подобной формы фигурирует в «Натюрморте против света» (1899). Датировка картины представляет собой значительные трудности. По свидетельству дочери Матисса Маргарет Дютюн, картина находилась в квартире её отца уже в 1903, поэтому натюрморт нередко относили к 1902. А.Барр датировал картину 1907, но с вопросом. Скатертью в этой композиции служит жуйская ткань, появляющаяся также в «Голубом натюрморте» (фонд Барнса, Мерион, США), который относят всегда к 1907, а затем в эрмитажной «Красной комнате» и других картинах. Чайник в правой части эрмитажного натюрморта так же воспроизведен в картине из фонда Барнса и в более ранних произведениях не встречается. С «Голубым натюрмортом» картина «Ваза, бутылка и фрукты» имеет известное композиционное сходство. Живописные качества картины таковы, что среди произведений 1902-1903 гг. она оказывается одинокой, что нельзя сказать, когда сопоставляешь её с полотнами фовистской эпохи.

Наиболее вероятной датой исполнения представляется 1906 г. В марте 1906 картина показана на выставке в галерее Дрюэ. Очевидно, тогда же была написана приближенная к ней по манере картина «Пьер Матисс с лошадкой» (частное собрание США), выставленная на выставке Матисса в нью-йоркской галерее Аквавела в конце 1973 г. Воспроизведен столик, накрытый той же скатертью. Датировки 1906 придерживается П.Шнейдер (каталог выставки Матисса в Цюрихе в 1982)

Происхождение: поступила в 1934 из ГМНЗИ. Ранее: галерея Дрюэ в Париже, собрание С.И.Щукина, с 1918 – МНЗЖ-I; с 1923 – ГМНЗИ.

Матисс А. «Вид Коллиура». Государственный музей нового западного искусства. Холст, масло. 59,5х73 см. 1905

Картина известна также под названием «Крыши Коллиура». Работа в Коллиуре является залогом важных перемен в творчестве Матисса. Именно там происходило в полной мере раскрепощение цвета, утверждающегося во всей его интенсивности. В Коллиуре, городке на берегу Средиземного моря у испанской границы, Матисс работал летом 1905, а затем весной и летом 1906. «Вид Коллиура» — одно из наиболее значительных произведений фовистского периода – датируется то тем, то другим. На подрамнике картины имеется квадратная надпись. 1906, сделанная, возможно, в галерее Берихейма (последняя цифра в дате неправильна – в начале было 1905). Картина проходила через эту галерею не раньше, чем в самом конце 1907, что не исключает возможности ошибки. Если основываться на стилистических данных, 1905 гораздо предпочтительнее. Картина хорошо вписывается в группу таких коллиурских произведений 1905, как «Марина» (Художественный музей, Сан-Франциско), «Улица в Коллиуре» (частное собрание) и «Красный пляж» (собрание Модингтона, Санта-Барбара), особенно близкий эрмитажному пейзажу. Дерен, также работавший в Коллиуре в 1905, пришел к очень близкому стилю, например, в картине «Лодки в Коллиурском порту» (собрание Джиджи, Берн).

Именно в 1905 Матисс переосмысливает язык дивизионизма. Наряду с раздельными мазками он вводит крупные плоскости чистого цвета, а сами раздельный мазки употребляются им не для оптического смещения тонов, а для того, чтобы создать ощущение сверкающей на солнце черепицы или морских волн.

Снимок картины в инфракрасных лучах показывает очень четкую линеарную структуру всей композиции, так что впечатление спонтанного красочного этюда-«нашлепка», производимое картиной, обманчиво. Матисс приступил к живописи лишь после прочной рисуночной подготовки, которая, однако, должна была стушеваться на следующем этапе работы для создания ощущения сверкающего южного полдня.

В картине «Вид Коллиура» Матисс изобразил одну из местных достопримечательностей – капеллу Сен-Венсан с круглой колокольней, определившей в данном случае центр композиции. В том же 1905 Матисс написал эту же колокольню в небольшой картине «Коллиур» (галерея Бриджстоун, Токио), а также на полотне «Вид Коллиура с церковью» (музей современного искусства, Нью-Йорк). Оба холста писались из окна мастерской Матисса в Коллиуре: «Коллиурская гавань» и «Сушка сетей. Коллиур» (частные собрания), а также «Гавань в Коллиуре» (Художественный музей, Балтимор). В каждом из них фигурирует капелла Сен-Венсан.

В 1906 Матисс написал «Пейзаж в Коллиуре» (собрание Салля, Париж), в котором та же местность рассмотрена с более далекой точки зрения, а приёмы дивизионизма не применяются. По-видимому, под влиянием картины Матисса был написан «Коллиур» Дерена, изображающий тот же вид в аналогичной полудивизионистской технике. Жена Дерена Алиса относила его к 1905 году (проходил на аукционе Кристи 29.06.1979).

Происхождение: поступила в 1948 из ГМНЗИ. Ранее: галерея Бернхейм –Жён в Париже; собрание С.И.Щукина; с 1918 – МНЗЖ-I; с 1923 – ГМНЗИ.

Матисс А. «Дама на террасе». Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Холст, масло. 65х80,5 см. 1906

Картина известна также под ошибочным названием «Венеция. Вид с террасы», с которым она попала к С.И.Щукину из галереи Дрюэ. Изображена жена Матисса Амели на фоне коллиурского пейзажа. Картина написана, всего вероятнее, летом 1907, то есть после поездки художника в Италию. 1906, предлагаемый иногда в литературе, представляется слишком ранней датой, поскольку в этом фовистском произведении намечается переход к более конструктивному стилю. Хотя Матисс пользуется наиболее яркими красками, и ещё усиливает их звучность, введением цветных контуров, сами эти контуры образуют своего рода каркас, линеарную основу, что более характерно для живописи 1907, в частности для центральной картины этого периода «Роскошь» (Государственный художественный музей, Копенгаген), где на фоне также появляются горы Коллиура. В стиле, ещё более близком к эрмитажной картине, написан так же, в Коллиуре, холст «Три купальщицы» (1907, собрание Макмиллана). Балюстрада набережной с горами на дальнем плане фигурирует в левой части «Интерьера в Коллиуре» (частное собрание Анкона), выполненного раньше, около 1905.

Происхождение: поступила в 1948 из ГМНЗИ. Ранее: галерея Дрюэ в Париже; собрание С.И.Щукина; с 1918 – МНЗЖ-I; с 1923 – ГМНЗИ.

Матисс А. «Посуда и фрукты на красно-черном платке». Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Холст, масло. 61х75 см. 1906

Работа создана в Коллиуре летом 1906 и осенью того же года выставлялась в Осеннем Салоне под названием «Красный ковер». Весной 1906 Матисс совершил поездку в Северную Африку, в Бискру, откуда отправился в Коллиур. Из Бискры Матисс привез восточные ткани и керамику, которую охотно стал включать в свои натюрморты. Красно-черный ковер, раньше неправильно именовавшийся платком, — это небольшой алжирский коврик, фигурирующий также в двух других коллиурских натюрмортах 1906 — «Красный ковер» (Музей живописи и скульптуры, Гренобль) и «Натюрморт с гипсовой статуэткой» (Художественная галерея Йельского университета, Нью-Хейвен).

О Коллиуре как месте написания данного натюрморта свидетельствует и включение в левую часть поррона (или пурро) – особого испанского сосуда для вина, который легко было найти в пограничном с Испанией Коллиуре.

Происхождение: с 1948 из ГМНЗИ. Ранее: галерея Дрюэ в Париже; собрание С.И.Щукина; с 1918 – МНЗЖ-I; с 1923 – ГМНЗИ.

Искусствовед Манеева Анна

этоинтересно, интересныефакты, картина, Манеева Анна, пикассо, биография, история, натюрморт, матисс, анриматисс, фовизм, дама, терраса.

Картины Матисса, их названия и описание

Знаменитый художник Анри Матисс (1869-1954) увлекался различными течениями в живописи, возникшими в конце XIX и начале XX столетий. Ища свой стиль, свое выражение видения мира, он обращался к различным техническим приемам. Наибольшего успеха в поисках оригинального, своеобразного отражения действительности мастер достиг в период между 1910 и 1917 годами. Картины Матисса этого времени характеризуются яркими локальными цветами и передают праздничное восприятие жизни.

Творческая лаборатория живописца

В самом начале XX века А. Матисс просто копировал классические произведения и даже обычные открытки. Но реалистический подход к живописи его быстро перестал вдохновлять. В Париже молодой художник окунается в бурлящий новыми веяниями мир искусства. Он знакомится с работами Ван Гога, А. Дерена, М. Вламинка. Вместе с ними он создает стиль, именуемый фовизм («дикий»).

В рамках этого течения написаны картины Матисса «Разговор», «Буфет или красная комната», «Танец», «Музыка», «Фрукты и бронза», «Корзина с апельсинами», «Натюрморт с голубой скатертью». Мы дадим краткую характеристику последнему произведению.

«Натюрморт»

В это время картины Матисса отличаются ярким колоритом, контрастностью, чистотой и резкостью цветов, плоскостностью и отсутствием теней. На скатерти лазурного цвета с яркими синими узорами стоят белая ваза с яркими фруктами, большой коричневый кофейник и темно-зеленый графин.

Художник с любовью относится к изображению предметов. Он отобразил их фигурную красоту, яркие отблески света на них. Мастер призывает взглянуть зрителя на нелегкую жизнь, как на красочную и радостную игру.

Какие произведения Матисса находятся в России

Многие картины Матисса (37 произведений) находится в коллекциях Эрмитажа и ГМИИ на Волхонке. Это отчасти собрание Щукина, отчасти дар секретаря и менеджера художника Лидии Деректорской.

Читайте также  Орфей у гробницы эвридики, гюстав моро - описание картины

Многие из них являются подлинными вершинами, на которые поднялся Матисс. Картины с названиями «Синий горшок и лимон», «Посуда на столе», «Вид Коллиура», «Игра в шары», «Семейный портрет», «Музыка» находятся в экспозиции Эрмитажа.

«Танец»: картина Матисса

Этот знаменитый огромный холст размером 2,6 х 3,9 м Сергей Щукин заказал художнику для своей парадной лестницы в 1906 году. Когда работа была создана (1910 г.), то С. Щукин поразился смелости художника и не решился выкупить панно. Но потом устыдился своей слабости и послал Матиссу телеграмму, что его работу он приобретает.

Вдохновили художника на это панно картина «Золотой век» Лукаса Кранаха, греческая вазовая живопись, «Русские сезоны» Дягилева и, конечно, фарандола. Напевая ее, Матисс рисовал пять розовых женских фигур в вакхическом хороводе. Фоном им служат синее небо и зеленая трава. Больше ничего нет. Ни одной лишней детали. Все внимание приковано к пластике движений, к изгибам женских фигур, которые подчинены энергичным, буйным звукам музыки.

Тела женщин не прорисованы, у них нет даже лиц. Зато с предельной выразительностью передан экстаз, захвативший танцующих. Позднее эта тема повторится в «Танце с настурциями».

Алжир и творчество художника

Знакомство в 1906 году с искусством исламского Востока навсегда запало в душу мастера. Всего две недели он провел в оазисе Бискра и практически не мог рисовать из-за стоящей жары. Зато он вывез из страны коллекцию керамики и тканей, которые затем служили ему фоном для работы.

Яркий свет натуры, яркая декоративная роспись, арабески повлияли на дальнейшее развитие его творчества. Сразу после поездки художник написал «Голубую обнаженную». «Гармония в красном» или «Красная комната» (1908 г.), «Одалиска в шароварах» – примеры воздействия мусульманской темы на живописца.

Анри Матисс картины пишет, подчиняясь цветам и ритмам арабесок. Всмотримся в еще одно его произведение, написанное для столовой С. Щукина.

«Красная комната», Эрмитаж

Плоское пространство комнаты заливает алый цвет. Очертания стола с трудом угадываются. Он является продолжением ковра на стене. Если бы не стоящая на нем посуда и сидящая на стуле женщина, черно-белая одежда которой контрастно выделяется, то было бы трудно найти в комнате стол. Помогает определиться в пространстве также окно. За ним находятся изумрудно-зеленые деревья, покрытые белыми цветами.

Работы Матисса узнаваемы. Их не перепутаешь с произведениями других авторов, настолько они необычны, полны жизненной силы и декоративны. Его яркие работы оставили глубокий след во французской и мировой живописи.

Картины Анри Матисса, которые знает весь мир

Картины французского художника Анри Матисса невозможно забыть. Они полны дикой энергии и бунтарства. После длительных творческих поисков Матисс нашёл свой собственный стиль, который не оставил равнодушными и критиков, и его поклонников.

Самые популярные картины Анри Матисса:

Читающая женщина (1895)

Одна из первых работ художника, выполненная в привычном для зрителя виде — «Читающая женщина».

Эта картина рассказывает о начальном пути становления Матисса как художника. В правой части картины изображена женщина, читающая книгу. Она сидит на стуле, спиной к зрителю. Композицию уравновешивает тумба в углу комнаты и зелёная лампа, свисающая с потолка. Картина наполнена спокойствием и уютом.

Роскошь, покой и наслаждение (1904)

Эта картина является яркой иллюстрацией того, как художник искал своё «я» в мире живописи. Пуантилизм, зачатки фовизма, новые технические приёмы позволили Матиссу создать очень трогательное и нежное полотно, изображающее берег моря и купальщиц.

Картина выполнена точками, но это не пуантилизм. Контрастные точки расположены далеко друг от друга и нанесены на яркую красочную основу. Публика встретила полотно дружелюбно, к тому же оно сразу было куплено коллекционером Синьяком.

Женщина в шляпе (1905)

На 1905–1906 года пришёлся пик творчества Матисса в стиле фовизма. Смелое сочетание ярких цветов в те времена воспринимались как уродство и что-то несуразное. Особенно негативную реакцию вызвало у публики полотно «Женщина в шляпе». Его назвали «дикостью», по-французски fauve, от чего и произошло название течения — фовизм.

Если вспомнить, как публика принимала первых импрессионистов, то реакция на фовизм была ожидаемой. Публика негодовала, а художники нашли в этом направлении новую свежую струю.

«Женщина в шляпе» — неординарный, по мнению редакции most-beautyt.ru, женский портрет. На зелёном фоне зелёное асимметричное женское лицо смотрит на зрителей вполоборота — абсолютно не человеческий облик. Но художник видел образ по-своему и изобразил его без соблюдения правил и канонов.

Зелёная полоса (1905)

В том же стиле Матисс изобразил свою жену. Полотно под названием «Зелёная полоса» произвело не меньший фурор, как и «Женщина в шляпе». Публика негодовала, что более уродливого портрета она ещё не видела. Неряшливость, безумные цвета и зелёная полоса, разделяющая лицо на две части, возмущали зрителей.

В то же время, критик Жак Ривьер сказал о портрете, что он необычайно правдив. Жена художника обладала стойким и жёстким характером, который Матисс передал при помощи цвета блистательно. Особенно поражает выражение глаз мадам Матисс. Этот непроницаемый взгляд полон загадок и глубины.

Открытое окно в Коллиуре (1905)

В этой картине художник использует свой любимый приём — изображение пейзажа при помощи открытой двери или окна. Этот «выход» в мир чудесен. Яркие цвета без полутонов показывают красоту побережья Средиземного моря. Зелень морской воды, чистота песка вызывают желание пройтись босиком по берегу.

Тёмные пятна привязанных рыбацких лодок зрительно разбивают пространство картины на две части: холодную светлую (море и небо) и более тёмную и тёплую (берег и подоконник). Зелёные ставни обрамляют пейзаж, словно декоративная рама.

Радость жизни (1906)

Яркая и эмоциональная картина Матисса «Радость жизни» относится к постимпрессионистскому течению — фовизму. У дверей выставочного зала, где художник демонстрировал это полотно, собиралась возбуждённая толпа, и бурно обсуждало необычное и доселе невиданное безобразие. Улюлюканье, свист, выкрики осуждения — это первые отзывы о картине. Она была взрывом даже среди уже привычного импрессионизма.

На самом деле, картина полна радостных и ярких эмоций, чистых цветовых пятен, на фоне которых расположились обнажённые фигуры женщин и мужчин. В центре картины — хоровод танцующих женщин. Этот сюжет художник использует несколько раз, и впоследствии он станет визитной карточкой Матисса. Сам Матисс считал свою картину идеальным воплощением гармонии природы и человека.

Красная комната (1908)

Глядя на эту картину, можно подумать, что это яркий восточный ковёр с декоративными узорами, нашитыми на основу. Она передаёт настроение художника через упрощённые формы и яркий цвет. Это настоящее декоративное панно.

В левой части картины красное пространство разбивает проём окна с яркой зеленью улицы. Справа за столом сидит женщина. Она оживляет диковинную картину и делает её интригующей. Что делает она, какие мысли её занимают?

Красная студия (1911)

Эмоции — вот что главное в изображении художественной студии. Глубокий красный цвет моментально выделяет это полотно и заставляет сосредоточиться на его рассмотрении. Стены, пол и потолок сливаются воедино, и лишь тонкие жёлтые линии подсказывают, где происходит переход от горизонтали к вертикали. В студии мебель и незначимые вещи также нарисованы схематично.

Это интерьер студии художника. Его можно разглядывать долго и это увлекает. В левой части полотна расположен стол, на котором стоит бокал, ваза с цветами, коробка пастели и тарелка. На стенах висят узнаваемые работы художника. Они яркие и являются картинами в картине. Простота и схематичность делают интерьер интересным и динамичным.

Красные рыбки (1911)

Это самая красивая и необычная картина, созданная Матиссом в 1911 году. На розовом фоне изображён цилиндрический аквариум, в котором плавают красные рыбки. Они отражаются в верхнем слое воды. В контраст к ним добавлена яркая зелень экзотических растений. Картина наполнена только положительными эмоциями художника.

Кстати, о самых красивых аквариумных рыбках на most-beauty.ru есть очень интересная статья.

Голубая обнажённая I и Голубая обнажённая II (1952)

В конце жизни Матисс увлекался различными техниками. Его привлекал коллаж, аппликация и декупаж. Он брал листы бумаги, окрашивал их гуашью различных цветов, а потом вырезал фигуры для своих работ.

Серия картин «Голубая обнажённая» была создана в 1952 году. Вырезанная из синей бумаги лаконичная женская фигура с запрокинутыми руками и скрещенными ногами имеет несколько вариаций.

Фигура, наклеенная на белом фоне, смотрится очень гармонично. Это скорее не рисунок, а двухмерное изображение изысканной скульптуры. Чтобы изобразить эту удивительную гармонию, Матисс проделал титанический труд. На поиски формы и цвета ушло немало времени, пока было найдено их идеальное сочетание.

Грусть короля (1952)

В 1952 году Матисс увлёкся изготовлением коллажей из окрашенной бумаги. Цветные части, вырезанные из картона, наклеивались на бумажную основу и закреплялись на холсте. Коллаж «Печали короля» — это последний автопортрет художника.

Улитка (1953)

Похожая на детскую аппликацию, «Улитка» может показаться несведущему зрителю чем угодно. Название, данное художником, подсказывает, в каком направлении следует мыслить. На самом деле, нет никакой улитки. Это абстрактное изображение призвано для того, чтобы передать сущность предмета, а не его точное изображение.

Вырезанные из цветной окрашенной бумаги прямоугольные фигурки наклеены на базовый фон таким образом, что создаётся впечатление движения по спирали. Это полотно завораживает, его можно рассматривать часами с разных сторон. Самое главное — оно заставляет человека думать и не скрывать свои эмоции.

Послесловие

Основатель фовизма, Анри Матисс нашёл признание не сразу. Но получив его при жизни, он создал ещё множество шедевров. Те, кто вовремя оценили талант художника, только выиграли, приобретя его полотна. Так случилось с русским коллекционером Щукиным. Сначала он отклонил сделку по покупке знаменитого полотна «Танец», но по пути в Россию, телеграфировал художнику, принёс ему свои извинения и попросил срочно отправить полотно в Россию. И он не прогадал. Эта картина стала ценным украшением коллекции Государственного Эрмитажа.

Эволюция цвета Анри
Матисса. Часть 1

«Я нашел в живописи неограниченное поле деятельности, где я смог дать свободу моему беспокойному творчеству»
© Анри Матисс, 25 мая 1852 года

Французский художник Анри Матисс (Henri Matisse) вошел в историю как признанный гений мировой живописи, во многом определивший развитие искусства XX века. В поисках своего художественного «я» он успел попробовать силы сразу в нескольких стилях и направлениях, перерос каждое из них и основал собственную школу живописи, получившую название «Фовизм» (франц. fauve — «дикий»).

Однако в отличие от коллег по цеху, сам Матисс не обнаруживал никакой «дикости», а был человеком скромным и умиротворенным. И если другие авангардисты в буквальном смысле слова вершили революцию, стремясь отразить на своих полотнах мятежный дух времени, Матисс искал «покоя и наслаждения», постоянно экспериментируя с красками и переосмысливая значение цвета.

«Я мечтаю об уравновешенном искусстве, полном чистоты и спокойствия, искусстве без суетных и беспокойных сюжетов,… которое могло быть дать отдых уму,… как удобное кресло дает отдых усталому человеку», — говорил Матисс.

Многие до сих пор удивляются, как человеку с таким безмятежным творческим кредо удалось стать одной из ключевых фигур в искусстве XX века. Как ни странно, подобные вопросы начали волновать Матисса далеко не сразу, ведь история великого художника начиналась далеко не с мира живописи.

Читайте также  Картина «гумно», венецианов — описание

Юному Анри — сыну преуспевающего торговца зерном — пророчили карьеру юриста, и, будучи послушным сыном, Матисс принялся изучать право в одной из престижных школ Парижа. Окончив учебу, он вернулся в родной город, где вскоре устроился на службу клерком у присяжного поверенного. Казалось, будущее юноши было уже решено, но тут в жизнь его вмешалась судьба, кардинально изменив все планы.

Матисс оказался на операционном столе. Приступ острого аппендицита надолго приковал молодого человека к постели, оставив его без каких-либо развлечений. Желая хоть как-то скрасить «больничные» будни сына, любящая мать подарила ему принадлежности для рисования, открыв перед юным Матиссом новый и неизведанный мир. Занятия живописью настолько увлекли юношу, что, вопреки воле отца, он решил навсегда оставить юриспруденцию и вернулся в столицу, чтобы стать художником.

Первый учитель Матисса, французский художник Гюстав Моро (Gustave Moreau) — символист до мозга костей и признанный мастер игры цвета — любил отправлять учеников в Лувр — копировать работы заслуженных мастеров, оттачивая приемы и техники классической живописи. «О цвете нужно мечтать», — повторял он своим подопечным, и Матисс, как никто другой, проникся этим высказыванием, превратив свою жизнь в поиски идеального способа передачи эмоций посредством цвета.

Уже позже Матисс писал:

«Я воспринимаю экспрессивную сторону цвета чисто интуитивно. Передавая осенний пейзаж, я не стану припоминать, какие оттенки цвета подходят к этому времени года, меня будут вдохновлять только ощущения осени… Я выбираю цвета не по какой-нибудь научной теории, но по чувству, наблюдению и опыту»

Интерес к цвету заметен уже в ранних работах Матисса. Как правило, это попытки молодого художника писать в духе признанных мастеров живописи. Одна из таких работ — натюрморт под названием «Бутылка схидама» (Nature Morte à la Bouteille de Schiedam): классическая композиция, темные и неоднородные оттенки, особое внимание к полутонам выдают сходство с полотнами Шардена. Между тем, богатство черного и серебристого цветов и широта мазков говорят о знакомстве Матисса с творчеством Мане.

За годы учебы Матисс последовательно прошел все этапы эволюции классического искусства, попробовал свои силы в каждом из них. Тем не менее, при всей значимости традиций прошлых эпох в формировании стиля художника, Матисс чувствовал, что все это не для него. Лувр казался ему огромной библиотекой, полной старых книг, что наводят на усталого студента сон и тоску. Матисс же жаждал чего-то нового, необычного, непохожего на то, что было создано до него.

«Мне казалось, что, вступив в Лувр, я потерял ощущение своей эпохи, и что картины, которые я писал под прямым влиянием старых мастеров, не выражают того, что я чувствую», — вспоминал художник.

Одним из важнейших этапов становления Матисса как художника стало его знакомство с работами импрессионистов, в частности с малоизвестным в то время творчеством Винсента ван Гога. Этим Матисс был обязан австралийскому художнику Джону Расселу (John Russell) — своему другу и наставнику, который впервые после Моро заставил Матисса всерьез задуматься о смысле и значении цвета в живописи.

«Расселл был моим учителем, он разъяснил мне теорию цвета», — признавался Матисс.

Импрессионизм и собственные эксперименты с цветовыми контрастами сильно повлияли на первые «самостоятельные» произведения художника. Таковы, к примеру, натюрморты «Посуда и фрукты» (Vaisselle et Fruits), «Фрукты и кофейник» (Fruits et Cafetière). Сюда также относятся и первые пейзажи Матисса — «Булонский лес» (Bois du Boulogne) и «Люксембургский сад» (Jardin du Luxembourg).

Через несколько лет Матисс оставил увлечение импрессионизмом и погрузился в исследования работ его последователей. В этот период у художника появилась семья, но, несмотря на стесненное финансовое положение, он продолжил поиски собственного стиля. Его картины практически не продавались, тем не менее, Матисс не прекращал экспериментов с цветом, анализируя значимость различных оттенков и их сочетаний.

«Очарование, легкость, свежесть — это все мимолетные ощущения… У художников-импрессионистов… тонкие ощущения были близкими друг другу, поэтому их полотна похожи одно на другое. Я предпочитаю, рискуя лишить пейзаж очарования, подчеркнуть в нем характерное и добиться большего постоянства», — писал Матисс спустя много лет.

Свою будущую жену Амели Парейр Матисс встретил на свадьбе друга. Амели была подружкой невесты, и их с Матиссом случайно посадили рядом. Девушка без памяти влюбилась в высокого бородача, бережно засушивая каждый букет фиалок, что он дарил ей при встречах. В тот период Матисса терзали сомнения и он никак не мог решить, стоит ли окончательно посвящать свою жизнь искусству. Амели же стала тем человеком, который поверил в художника, поверил по-настоящему, на долгое время став его верным другом и первой музой. И все же, несмотря на чувства Матисса к девушке, он уже тогда понимал, что никто и ничто не сможет пленить его сердце больше, чем живопись. Набравшись смелости, он признался:

«Мадемуазель, я нежно люблю Вас, но живопись я всегда буду любить больше»

Первая персональная выставка художника прошла без особого успеха, не вызвав должного отклика у критиков. Тогда Матисс решил уехать из столицы на юг Франции в компании пуантилиста Поля Синьяка (Paul Signac). Под впечатлением от его полотен Матисс начал работать в схожей технике точечных мазков, и, спустя некоторое время, из-под кисти вышел первый шедевр под названием «Роскошь, покой и наслаждение» (Luxe, Calme at Volupté).

Картина была противоречива и по-своему не укладывалась в заданные пуантилистами рамки. В отличие от своих коллег, отказавшихся от физического смешения красок в пользу раздельных мазков, Матисс снова сконцентрировался на цвете. Намеренно выбрав яркую гамму — красный, фиолетовый, оранжевый — художник отошел от реалистичной трактовки сюжета. Насыщенные оттенки казались неестественными, создавая напряженность и нарушая привычный «покой» классических элементов. Однако именно за счет этой противоречивости — сочетания классических и новаторских форм — Матиссу впервые по-настоящему удалось показать зрителю собственное видение реальности.

Картина имела успех и была положительно встречена критиками. Тем не менее, очень скоро Матисс оставил и пуантилизм, поняв, что этот путь тоже не для него.

1905 год стал переломным в творчестве Матисса. После долгих поисков и экспериментов с цветом, художнику удалось максимально воплотить в жизнь свое «чувство природы». Вместе с группой единомышленников он принял участие в Осеннем салоне, представив на выставке две новых работы — «Открытое окно» (La Fenêtre Ouverte) и «Женщина в шляпе» (La Femme au Chapeau).

Картины, написанные с полным пренебрежением ко всем правилам, вызвали много шума, возмутив даже привычных к экзотике парижан. Критики окрестили их «горшком краски, брошенным в лицо общественности», а авторов и вовсе прозвали «фовистами» или «дикарями».

Несмотря на резкую критику и возмущение публики, «Женщина в шляпе» была приобретена известной писательницей и ценительницей искусства Гертрудой Стайн (Gertruda Stein). По рассказам одного из очевидцев, «посетители фыркали, глядя на картину, и даже пытались ее сорвать». Гертруда Стайн не могла понять, почему ей картина кажется совершенно естественной.

Так в живописи появилось новое направление, вошедшее в историю искусства под названием «фовизм». Матисс был признан лидером фовистов, в числе которых были и бывшие однокашники из класса Моро. Отказавшись от традиционных методов изображения предметов и построения картины, эти художники стали писать чистым открытым цветом, упрощая и схематизируя форму. Яркий, порой агрессивный колорит и высокая контрастность легли в основу построения композиции и стали главным приемом «выражения чувств» художников.

«Раздробление цвета привело к раздроблению формы, контура. Результат: вибрирующая поверхность… Я стал писать красочными плоскостями, стараясь достичь гармонии соотношением всех цветовых плоскостей», — вспоминал Матисс полвека спустя.

10 самых известных картин Анри Матисса

Анри Матисс (1869-1954) был рисовальщиком, скульптором, но больше всего известен как художник. В работах его интересовал цвет – акцентируясь на нем, он передавал через него эмоции. Анри Матисс пришел к искусству поздно: сперва он получил профессию юриста, а после возращения из Парижа устроился работать в одну адвокатскую контору. Однако долго он там не проработал: в 20 лет у Матисса обострился аппендицит, из-за чего он был изолирован от мира на 2 месяца (лежал в больнице). Чтобы как-то оживить сына, мать принесла ему бумагу и краски, с этого момента Анри Матисс и начал тяготеть к рисованию, и вскоре он поступил в художественную школу.

Работы Анри Матисса, наряду с работами Марселя Дюшана (1887-1968) и Пабло Пикассо (1881-1973), послужили основой для возникновения современного искусства. Заинтересованных в творчестве Матисса предлагаем познакомиться с его 10 самыми известными и выдающимися картинами.

10. Вид Коллиура (1905)

Полотно «Вид Коллиура» принято относить к 1905 году, когда Матисс работал на побережье Средиземного моря. В картине очень хорошо передается колорит южной природы, что художник умело демонстрирует красками. В работе не понадобились цветные тени – эффект солнечного света возникает за счет оранжевых, красных, малиновых и лилово-розовых пятен.

Эти цвета мы видим повсюду: на церкви, «пропеченной» солнцем земле, стенах домов. Когда картина Матисса была выставлена в 1905 году в Осеннем салоне, зрители были потрясены от увиденного. Ранее они не видели такой дерзости открытого цвета, импульсивности, с которой работал художник, упрощенности приемов.

Интересный факт: критик Воксель назвал работы Матисса «фовистами», что в переводе означает «дикие». Так, название «фовизм» закрепилось за одним из направлений в искусстве XX века. Направление просуществовало недолго – с 1905 по 1907 год.

9. Радость жизни (1905-1906)

«Радость жизни» в свое время была встречена зрителями очень бурно, шумно. Небезразличных к ней не было: одни отводили глаза, другие довольствовались буйством красок. Чересчур смелая и ярка картина Матисса стала новым событием в мире изобразительного искусства. Художник начал работать над ней во Франции, где организовал уютную мастерскую в одном монастыре.

В сюжете картины – обнаженные фигуры, нежащиеся на природе. Все они распределены на холсте равномерно, стоит сделать от него несколько шагов назад, как приходит понимание, насколько гармонично составлена картина, хотя Матисс не приветствовал законы перспективы. Сам художник с любовью назвал картину «Моя Аркадия», подразумевая свой взгляд на идею-утопию абсолютной гармонии человека с природой.

8. Посуда и фрукты на красно-черном платке (1906)

Работа была создана в 1906 году в Коллиуре, о чем свидетельствует пурро – испанский винный сосуд, который мы видим на полотне художника. Автор работал над картиной летом. Весной 1906 Матисс путешествовал по Северной Африке, откуда кроме впечатлений, привез еще и керамику, и восточные ткани. Эти элементы стали неоднократно появляться в полотнах художника.

Красно-черный ковер, который ранее по ошибке назывался платком, фигурировал также и в других произведениях Матисса: «Красный ковер» и «Натюрморт с гипсовой статуэткой». Яркий коврик занимает почти все полотно, являясь украшением для посуды и фруктов. Только стеклянный сосуд показывает свою независимость.

7. Мастерская художника (1911)

Благодаря заказам и покупкам Сергея Ивановича Щукина (1854-1936) Анри Матисс уже в 1909 году смог стать полноправным владельцем дома в Исси-ле-Мулино над Парижем, где и было создано произведение «Мастерская художника». Историк, изучая работы Матисса, назвал картину «симфоническим интерьером».

Читайте также  Картина "снегурочка", михаил врубель, 1890

Помимо «Мастерской художника» (или по-другому «Розовая мастерская») в сюиту Анри Матисса вошли работы «Семейный портрет», «Интерьер с баклажанами», «Красная мастерская». Все работы схожи культурой Востока и кричащей декоративностью. Ведущая роль в полотне Матисса отводится розовому цвету – он занимает почти все пространство интерьера.

6. Роскошь, покой и наслаждение (1904)

Удивительно бережно относился Матисс к будущим зрителям. Его полотно «Роскошь, покой и наслаждение» будто бы призывает зрителя остановиться, расслабиться и получить наслаждение от увиденного. Картина относится к тому периоду, когда Матисс еще искал себя, тем не менее уже хотел дарить утешение через свои полотна. Однако в жизни характер художника сложно было назвать милым, особенно если работа шла не так, как планировалось. Но целью искусства он видел радовать зрителей. Полотно написано в духе пуантилизма, и его приобрел Поль Синьяк (1863-1935), который и стал основоположником направления. На картине изображены популярные в художественных кругах того времени купальщицы.

Интересный факт: картина нарисована методом нанесения разноцветных точек. Из-за используемой техники кажется, что картина вибрирует, словно перед нами пустынный мираж, что услаждает глаза зрителя.

5. Лежащая обнаженная на фиолетовом фоне (1936)

Анри Матисс нередко рисовал обнаженных женщин на том или ином фоне. В данном полотне художник использовал 3 цвета: зеленый, лиловый и черный, за исключением цветов, «поцарапанных» на черной стене. Несмотря на маленькие размеры картины, женская фигура выглядит очень объемной.

Однажды Анри Матисс высказался: «Нужно уметь даже в небольшой картине передать впечатление большего, поскольку наш зрачок видит натуральную величину». «Лежащая обнаженная на фиолетовом фоне» была написана в Париже в 1936 году. Сейчас это картина находится во владении московского музея.

4. Грусть короля (1952)

В российских источниках картина носит немного другое название «Грустный король», но от этого она не меняется. Для создания полотна «Грусть короля» Матисс вырезал кусочки бумаги, а его ассистенты придали им более благородный вид, покрасив гуашью. Затем он придал этим кусочкам необходимые формы, которые послужили сюжетом для картины.

Анри Матисс всегда говорил о необходимости эмоций за счет простых средств. Одним из таких средств для художника стал цвет, а другим – форма. Картина Матисса напоминает детскую простоту, с которой дети рисуют фигуры. Матиссу, для того, чтобы его картина оказалась лучшей из лучших, не понадобилась даже кисточка.

3. Танец (1910)

Матисс считал, что для понимания живописи не требуется специальное образование или соответствующий кругозор. В его картинах делается упор на простые формы. По его мнению, глядя на картину, зритель должен испытывать покой и расслабление. Картина «Танец» была написана от впечатлений художника от национальных танцев.

Однажды воскресным днем художник отправился в Мулен де ла Галлет. «Я просто смотрел, как танцуют. Особенно мне понравилась фарандола (хоровод). К слову говоря, художник часто изображал на своих полотнах хороводы. Вернувшись домой, Матисс повторил увиденный танец на картине 4-метровой длины.

2. Красные рыбки (1912)

Сокращая пространство до пределов, Анри Матисс изображает на холсте круглый стол с рыбками в аквариуме. Кажется, что рыбки двигаются, плывут одна за другой. Растения тоже выглядят оживленными. Фоном для картины служит сад, а центральная роль достается столу и рыбкам. Отражение рыбок в воде было несложно изобразить расплывчатыми пятнами. Стол изображен на картине так, будто бы художник рисует его сверху, но ножка, пририсованная к нему, в то же время создает ощущение, что рисование происходило сбоку. В картине преобладает круглая фигура, что задает полотну определенный ритм и вызывает умиротворение.

1. Женщина в шляпе (1905)

С этой картины имя Анри Матисса стало узнаваемым. «Женщина в шляпе» – его первая работа, относящаяся к фовизму. Картина была выставлена в 1905 году в Осеннем салоне, и возмутила президента Салона Френсиса Журдена (1876-1958), который высказался: «Я человек, конечно, прогрессивный, но меру знать надо».

Он настаивал на том, чтобы картину отклонили, тем не менее она вошла в экспозицию музея. Журден считал, что Матисс «слишком современный», говоря проще – опережает свое время. Публика поначалу не смогла понять Матисса – он нарисовал даму в диких красках с асимметричными чертами лица, что не выдавало в ней реального человека.

Вид коллиура, анри матисс — описание картины

Как Матисс стал «диким зверем» европейского искусства

Классическая школа в образовании французских художников тогда доминировала, и начинающему художнику было необходимо разбираться в искусстве античности и Ренессанса. Но помимо классиков, Матисс очень полюбил картины прогрессивного Эдуарда Мане и японские гравюры: именно оттуда в работы раннего Матисса перекочевали простые линии, глубокие контрасты и использование нескольких базовых цветов. Любознательный и деятельный Матисс знакомился с другими художниками без всякого стеснения, когда был ещё малоизвестным студентом. Раньше многих ровесников он познакомился с Писсарро и по его совету изучил живопись британца Тёрнера и своих соотечественников Гогена и Сезанна — в тот момент оба уже считались революционерами в живописи.

Примкнуть к уже существующему направлению или основать собственное — таким был выбор художника той эпохи в поисках славы и признания. И Матисс выступил за «дикость», став основоположником движения фовистов — французских художников, предпочитавших использовать в пейзажах, натюрмортах и портретах дерзкие цвета и резкие линии.

«Женщина в шляпе», 1905

«Открытое окно, Коллиур», 1905

«Японка около воды», 1905

В ранних произведениях Анри Матисса рубежа XIX-XX веков легко рассмотреть зарождение его «фирменного» стиля. Художник не боялся ни крупных мазков, ни ярких теней, ни густых насыщенных цветов, постоянно экспериментировал с перспективой, придавая объём предметам или, наоборот, уплощая их. Искажённые силуэты столов и стульев, плоские фигуры в пространстве, которым Матисс намеренно не давал третьего измерения, особенное внимание к поверхностям, будь то апельсиновая кожура или узор кухонной скатерти — со значительными изменениями эти находки раннего Матисса стали частью манеры его фовистского периода.

Фовизм просуществовал недолго (к 1908 году группа распалась), но успел обескуражить публику холстами с зелёными лицами, розовыми горами и свободными силуэтами и очертаниями — такое не могли себе позволить художники из академии. Правда, признание соратников было никак не связано с материальным успехом. Как у большинства художников-модернистов, у Матисса были проблемы с регулярным заработком, поэтому интерес и покровительство коллекционеров (в том числе русских — Сергея Щукина и Ивана Морозова) поправило положение художника и позволило ему жить несколько благополучнее, чем некоторые его современники. Формальный распад фовистов на Матисса почти не повлиял. В это время он искал вдохновение не в Париже, а в новых местах, куда не доезжали его менее открытые к новому опыту современники.

«Зеленая полоса», 1905

«Портрет Л. Н. Делекторской», 1947

Тарелка «Женское лицо (Портрет Л.Н.Делекторской)»

Как Матисс путешествовал и вдохновлялся экзотикой

Место жительства нередко диктовало художникам палитру и сюжеты. Привыкший писать в Голландии хмурых «Едоков картофеля» Ван Гог переродился как живописец, попав на юг Франции. Гоген пережил творческий подъем на Таити. Для Матисса таким поворотом стала поездка в Северную Африку — во французские колонии. Оказавшись в Алжире, а несколько лет спустя и в Марокко, Матисс открыл для себя не только африканские пейзажи, но и локальный образ жизни, никак не вписывавшийся в категории парижского буржуазного стиля. Вместо монохромных домов на парижских улицах — пестрые ковры и цветные стены марокканских городов, вместо широких улиц — узкие проходы-лабиринты, вместо сдержанных интерьеров — полихромная мозаика, так напоминавшая о керамике, которой была увлечена мать мастера. Архитектура и одежда максимально отличались от принятых в европейском обществе. Ослепительное солнце, не свойственное Парижу, создавало в холмистых североафриканских городах уникальное освещение — цвета казались ярче, контрастность — выше.

«Зора на террасе», 1912–1913

«Марроканский триптих. Вид из окна. Танжер»,1912–1913

«Вход в Касбу», 1912–1913

Как известно, в мусульманских странах, где запрещены изображения человека, орнаментам, текстурам и прикладному искусству уделяется больше всего внимания. Вдохновившись интерьерами и костюмами Северной Африки, куда Матисс впервые попал в 1906 году, ее необычной для европейца архитектурой и минималистичной обстановкой частных домов, он вернулся во Францию новым художником. Излюбленный прием Матисса – построение пространства как сочетания декоративных плоскостей — наиболее выразителен в серии его «комнат»: интерьеров с человеческими фигурами, которые художник писал на протяжении нескольких десятилетий. Орнаментальная интерпретация обоев и ковров, уплощенность человеческих фигур и предметов, расставленных в пространстве против правил перспективы, будто бы вырезанные из бумаги виды за окном – эти черты картин Матисса стали источником вдохновения для дизайнеров одежды и фотографов, экспериментировавших с глубиной резкости.

Как для Матисса меньше значило больше

В середине нулевых годов XX века Матисс начинает двигаться в сторону упрощения. Реализованный им принцип less is more — ещё не минимализм, но уже и не живопись импрессионизма и постимпрессионизма. Больше всего Матисса в тот момент занимает плавность движения и связь человека с окружающей средой. Эту связь он пытается передать простыми способами: люди становятся предметами или фоном, или они могут сливаться в движении. Обманчиво простые «Танец» и «Музыка» — это соседство ярких цветов: насыщенных синего, зелёного, красного. Любопытно, что те же цвета были основными в наборах карандашей, которыми Матисс рисовал лёжа после операции. Художника до почтенного возраста преследовали обвинения в инфантилизме и упрощении, а критики хоронили его живопись стенаниями об упадке художественного мастерства. Современные историки искусства говорят обратное: для воспитанного академией художника невероятно сложно отбросить всё, чему его научили, и вернуться к чистому цвету, примитивным формам и интуитивному восприятию пространства.

Сейчас мы можем констатировать, что искусство конца XIX — начала XX века — это постоянное развитие, work in progress. Процесс, в котором нет главного и второстепенного, а каждая незначительная работа может привести к инновациям и следующим открытиям. Именно с систематических экспериментов начался поздний период в карьере Матисса, когда художник стал мировой звездой, но после тяжелейшей операции в 1941 году оказался прикован к инвалидному креслу — больше он не мог работать стоя. Матисс не бросал искусство из-за болезни: на помощь пришли ножницы и бумага (её художник часто раскрашивал гуашью). Так на свет появились знаменитые декупажи Матисса — минималистичные, наполненные цветом аппликации контуров людей, животных, цветов и узоров. На контрасте с общей депрессивностью искусства военного и послевоенного времени, жизнерадостные декупажи Матисса, как и «Голубка» Пикассо, стали символами надежды западного мира на обновление.

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: