Портрет вильгельма уде, пабло пикассо, 1910 - JEKATERINBURG.RU

Портрет вильгельма уде, пабло пикассо, 1910

Портрет вильгельма уде, пабло пикассо, 1910

Пабло Пикассо. Танец, 1907

Жорж Брак. Дома в Эстаке. 1908.

Пабло Пикассо. Сидящая женщина. 1909.

Пабло Пикассо. Портрет Вильгельма Уде, 1910

Жорж Брак. Бутылка, стакан и трубка, 1913

Фернан Леже. Обнаженная в лесу, 1909-1910

Пабло Пикассо. Обнаженная. 1910.

Пабло Пикассо. Аккордеонист, 1911

Жорж Брак. Столик, 1912

Жан Метценже. Танец, 1912

Робер Делоне. Окно №2. 1912.

Марсель Дюшан. Обнаженная, спускающаяся по лестнице, 1912

Робер Делоне. Циклические формы. Солнце, №1. 1912.

Леже. Женщина в синем, 1912.

Леже. Ступени, 1913

Робер Делоне. В честь Блерио. 1914.

Пабло Пикассо. Студент с газетой, 1913

Хуан Грис. Курильщик, 1913

Василий Кандинский. Стрела, 1923

Джорджо де Кирико. Беспокойные музы, 1916

Пит Мондриан. Композиция №2 из красного, синего и желтого. 1929.


Дэвид Смит. Собор

Питер Блюм. Скала. 1949.

Заголовки газет, посвященных «скандалу в Венеции» (XXXII Биеннале).

Генри Мур. Голова, 1950

Гонзалес. Женщина, расчесывающая волосы

Джексон Поллок в мастерской.

Энди Уорол. 100 консервных банок. 1962.

Роберт Раушенберг. Монограмма. Предметная компиляция

Джаспер Джонс. Лампочка

Джеймс Розенквист. Белая сигарета, 1962.
Рой Лихтенштейн. Текс, 1962.
Джон Чемберлен. Скульптура из обломков автомобиля, 1962.
Том Вессельман. Коллаж, 1962

Роберт Раушенберг. Комбинированная живопись.


Джеймс Розенквист. Серебряное небо, 1962

Вазарели. Картины, рельефы и скульптура.

Пабло Пикассо. Человек изменивший искусство

Родился Пабло Пикассо 25 октября 1881 г. в Испании в г. Малага в семье художника Хосе Руиса Бласко. Талант будущий художник начал демонстрировать рано. Уже с 7 лет мальчик дописывал некоторые детали на картинах отца (первой такой работой были лапки голубей). В 8 лет была написана первая серьезная картина маслом под названием «Пикадор».

В 13 лет Пабло Пикассо стал студентом Академии художеств в Барселоне — на вступительных экзаменах Пабло настолько хорошо себя показал, что комиссия приняла его в академию не смотря на юный возраст.

В 1897 г. Пикассо уехал в Мадрид для поступления в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо. Но проучился там Пабло не больше года — слишком скучно и тесно было юному таланту в академии с ее классическими традициями. В Мадриде юношу больше увлекала бурная жизнь мегаполиса. Так же много времени Пабло посвящал изучению работ таких художников, как Диего Виласкес, Франциско Гойя и Эль Греко, которые произвели на художника большое впечатление.

В те годы художник впервые посетил Париж, считавшейся тогда столицей искусств. Он месяцами жил в этом городе, посещая различные музеи, с целью изучения работ мастеров живописи: Ван Гога, Гогена, Делакруа и многих других. Пикассо будет часто посещать Париж в дальнейшем, а позже этот город увлечет его настолько, что Пикассо решит окончательно переехать туда (1904г.).

Наиболее известные работы Пабло Пикассо, написанные им в ранний период (до 1900)

«Портрет матери» 1896

«Знание и милосердие» 1897

«Первое причастие» 1896

«Матадор Луис Мигель Доминген» 1897

«Испанская пара перед гостиницей» 1900

«Босоногая девочка. Фрагмент» 1895

«Человек на берегу пруда» 1897

«Человек в шапке» 1895

«Бульвар Клиши» 1901

«Портрет отца художника» 1895

Следующий период в творчестве Пабло Пикассо называют «голубым». В 1901 — 1904 гг. в палитре Пикассо преобладали холодные цвета — в основном голубой и его оттенки. В это время Пикассо поднимал темы старости, бедности, нищеты, характерным настроением картин этого периода были меланхолия и печаль. Художник отображал человеческие страдания, рисуя слепых, нищих, алкоголиков и проституток и т.п. — именно они были главными персонажами «голубого» периода.

Работы «голубого» периода (1901-1904)

«Завтрак слепого» 1903

«Мать и дитя» 1903

«Любительница абсента» 1901

«Нищий старик с мальчиком» 1903

«Две сестры (Свидание)» 1902

«Голубая комната (Ванна)» 1901

«Сидящая женщина в капюшоне» 1902

В «розовом» периоде (1904 — 1906) главной темой в творчестве художника был цирк и его персонажи — акробаты и комедианты. Преобладали яркие жизнерадостные цвета. Любимым персонажем этого периода можно назвать арлекина, который наиболее часто встречался в работах Пикассо. Помимо цирка вдохновляла его еще и модель Фернанда Оливье, с которой познакомился в 1904 г., в самом начале «розового» периода. Её же была музой художника на протяжении всего периода.

Работы «розового» периода (1904 — 1906)

«Акрабат и арлекин» 1905

«Девочка с козлом» 1906

«Мальчик, ведущий лошадь» 1906

«Семейство комедиантов» 1905

«Обнаженная женщина с кувшином» 1906

«Женщина с хлебом» 1905

«Два акрабата с собакой» 1905

Одну из известнейших картин П. Пикассо «Девочка на шаре» (1905), которая сейчас находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, некоторые специалисты называют переходной от «голубого» периода к «розовому».

«Девочка на шаре» 1905

Переломным моментом в творчестве Пикассо стал портрет Гертруды Штейн, написанный им в 1906 году.

Работа над портретом была тяжелой — художник около 80 раз переписывал портрет и в итоге Пикассо отдалился от портрета как жанра изобразительного искусства в своем классическом понимании. Все дальнейшее творчество Пикассо можно охарактеризовать всего лишь одной его фразой «Надо писать не то, что вижу, а то что знаю». Именно этой установки П. Пикассо и старался придерживаться до конца своей жизни.

Кубизм

Этот большой период в творчестве Пабло Пикассо делиться на несколько этапов. Это время полного отказа от детализации персонажей: предмет и фон почти сливаются воедино, нет четко очерченных границ. Пикассо был убежден, что художник может больше, чем просто показывать то, что видит глаз.

Первый этап «сезанновский» он же «африканский» период. Этот этап отличается построением изображений с помощью простых- геометрических форм и преобладанием мутных размытых зеленых, охристых и коричневых тонов.

В 1907-1909 гг внимание художника было устремленно на африканское искусство, с которым он впервые познакомился в 1907 году на этнографической выставке в музее Трокадеро. Отныне в творчестве Пикассо стали преобладать простые, даже примитивные формы изображаемых предметов. В технике художник стал употреблять грубую штриховку. Первой картиной выполненной в «африканском» стиле считается «Авиньонские девицы» 1907 г.

Эта картина писалось автором на протяжении года. Ни с одной своей картиной Пикассо не работал так долго. В итоге эта работа так отличалась от предыдущих его картин, что была неоднозначно воспринята общественностью. Но нащупав новый, интересный для него стиль, Пикассо не собирался отступать и на протяжении 2 лет художник всячески развивал его.

Портрет вильгельма уде, пабло пикассо, 1910

Катерине и Женевьеве Лапорт за ценную помощь

Сейчас, когда XX столетие завершилось и подводятся его итоги, ясно вырисовывается, сколь серьезное воздействие на искусство, на художественную культуру, на весь духовный климат уходящей эпохи оказал Пабло Пикассо.

Вряд ли можно отыскать мастера, вклад которого в становление и развитие искусства Новейшего времени столь же весом и непреходящ. Мало кто из живописцев начала XX века так решительно отказывался следовать заветам предшественников, смело искал, находил и утверждал в своем творчестве новые качества. Трудно найти другого мастера, способного на головокружительные метаморфозы не только в молодые годы, но и на протяжении всей своей долгой жизни. Кому удалось столь же полно запечатлеть противоречивый и неспокойный дух XX столетия, колоссальные сдвиги в истории и в человеческом сознании? Много ли найдется художников, так устремленных в своем искусстве в будущее, как Пикассо?

Читайте также  Виллем кальф, биография и картины

Ровно сто лет тому назад были созданы «Авиньонские девицы» — одно из наиболее известных произведений Пикассо, ставшее манифестом новой живописи. Это полотно, знаменующее переход от «розового» периода к эстетике кубизма, не сразу было понято и оценено современниками, и лишь с годами стало ясно, что в нем выражена та концепция отношения искусства к реальности, которая сделается ключевой для пластических поисков мастеров европейского авангарда.

Прошло уже более тридцати лет со дня смерти Пикассо. Его творения предстают ныне неотъемлемой частью мирового культурного наследия. В Малаге, где родился художник, а также в Барселоне, Париже, Антибе, где он жил и работал, существуют солидные музеи Пикассо, куда ежедневно Устремляются тысячи туристов. Но и для ценителей-специалистов, и для широкой публики Пикассо не стал музейным мэтром, которому можно лишь благоговейно внимать. Его образы продолжают будоражить, задевают за живое, заставляют спорить. Перед произведениями Пикассо зрители редко остаются равнодушными. В широком спектре откликов можно найти все — от безоговорочного восхищения и преклонения до искреннего недоумения и возмущения.

Литература, посвященная искусству великого испанца, поистине безбрежна. О нем написаны тысячи статей и сотни книг на всех языках мира. О нем высказывались искусствоведы, философы, религиозные мыслители, поэты, журналисты, художники, фотографы, наконец, его близкие и родственники. Желание понять Пикассо, расшифровать его искусство заставляет пристально вглядываться в его произведения, в перипетии его жизни.

Одна из заметных книг о Пикассо, вышедших в последнее время, принадлежит перу известного французского писателя, биографа, драматурга Анри Жиделя. Автор целого ряда работ по театру и культуре Франции — «Драматургия Фейдо» (1978), «Театр Фейдо» (1979), «Водевиль» (1986), «Весь театр Фейдо» (1988–1989, в четырех томах), «Театр Лабиша» (1991–1992, в трех томах), «Фейдо» (1991), «Кокто» (1997), «Два Гитри» (1998), «Коко Шанель» (2000)[1], «Сара Бернар» (2006) — в этой книге впервые обращается к творчеству мастера, работавшего в сфере пластических искусств. А. Жидель ставит своей целью написание биографии Пикассо и сознательно противопоставляет себя искусствоведам, которые обычно сосредоточиваются на анализе произведений и их пластических особенностей, на описании стилистической эволюции мастера.

В Пикассо Жиделя в первую очередь интересует человек, личность со всеми присущими ей достоинствами и недостатками, сильными и слабыми сторонами, которые раскрываются не столько в его искусстве, сколько в его жизни. Быт Пикассо, его многочисленные любовные и дружеские связи, сложные, нередко скандальные, взаимоотношения с близкими и родными; особенности его темперамента — вот то, что стремится понять и донести до читателя Жидель. С особым тщанием описываются взаимоотношения художника с его подругами и женами. Биограф старательно выискивает факты, проливающие свет на интимную жизнь Пикассо, а там, где фактов не хватает, смело домысливает скрытые причины тех или иных поступков художника, руководствуясь нехитрой логикой, предложенной в свое время Зигмундом Фрейдом.

Столь же решительно и просто автор представляет порой общественную и политическую позицию Пикассо, приписывая ему мотивы, которыми художник якобы руководствовался в своих отношениях с политическими или общественными деятелями, например с французскими коммунистами. Здесь биограф нередко тенденциозен и неубедителен.

Возникает принципиальный вопрос: насколько верной может быть биография художника, если его основное жизненное дело — творчество — предстает скорее фоном, дополнением к его жизненным коллизиям? Не стоит ли прислушаться к самому Пикассо, как-то сказавшему: «Живопись сильнее меня. Мне приходится делать то, что она хочет»[2]. Вспомним также лаконичную, чеканную формулировку младшего современника и почитателя Пикассо Владимира Маяковского «Я — поэт. Этим и интересен». Разумеется, и Маяковский, и Пикассо интересны нам и другим. Но на чем же стоит делать акцент?

Однако биограф имеет право на свой подход к жизнеописанию художника, тем более что попыток последовательно рассмотреть творчество Пикассо неизмеримо больше, чем попыток описать его жизнь.

Впрочем, никто не мешает вдумчивому читателю яркой и увлекательной биографии Пикассо, созданной Анри Жиделем, мысленно обращаться к картинам, рисункам, скульптурам Пикассо. Чтобы облегчить эту задачу, напомним некоторые вехи и особенности творческого пути великого мастера.

Пикассо принадлежал к числу художников, приобщившихся к занятиям искусством еще в детстве. Внешние условия благоприятствовали тому, чтобы его рано обнаружившееся желание запечатлевать на бумаге видимое и воображаемое могло реализоваться. Отец Пабло дон Хосе Руис Бласко преподавал рисунок и живопись, он не только поощрял стремление мальчика рисовать и писать красками, но и стал его первым наставником. Несомненная одаренность и огромная работоспособность будущего мастера вкупе с этими обстоятельствами объясняют его чрезвычайно быстрое и раннее художественное развитие.

Уже самые первые работы Пикассо не похожи на привычные образцы детского творчества. Художник вспоминал: «Любопытно, что я никогда не делал детских рисунков. Даже когда был совсем маленьким. Я помню один из своих первых рисунков. Мне было тогда лет шесть или еще меньше. У нас в коридоре стояла статуя Геркулеса с палицей. Я расположился в коридоре и нарисовал Геркулеса, но это не было детским рисунком, а было настоящим рисунком, изображавшим Геркулеса с его палицей»[3]. Подобная работа сохранилась, правда, ее автору было уже восемь или девять лет. Полотна десяти-двенадцатилетнего Пабло показывают необычное для такого возраста умение верно изображать видимый мир. А картины четырнадцатилетнего мальчика по праву считаются вполне профессиональными произведениями.

Весной 1895 года Пикассо впервые попадает в Мадрид и посещает музей Прадо, а осенью его семья переезжает в Барселону, где в течение двух лет юноша занимается в Школе изящных искусств. В своих самостоятельных работах, выполненных в Барселоне, — таких, как «Церковный служка», «Первое причастие» (1896) и особенно в большом полотне «Наука и Милосердие» (1897) — художник наиболее близок к академическому направлению. Недаром последняя из названных картин получила высокую оценку в академических кругах, о чем свидетельствует присуждение ей почетного диплома Национальной художественной выставки в Мадриде в 1897 году, а затем и золотой медали на выставке в Малаге.

Раннее и успешное овладение Пикассо уроками академического мастерства и его тяга к самостоятельности привели к тому, что, поступив осенью 1897 года в Королевскую академию Сан-Фернандо в Мадриде, юный живописец вскоре понял, что ему там нечего делать. В смысле ремесленных навыков академическое образование уже не давало ему чего-то существенного, что же до творческих установок академического направления, то они начинают все больше расходиться с его устремлениями. Эти обстоятельства и послужили основной причиной того, что спустя несколько месяцев Пикассо покидает стены академии.

Страсть и противоречие: 15 картин Пабло Пикассо

Сегодня, 25 октября, в испанской Малаге родился Пабло Пикассо, один из самых ярких, влиятельных и «дорогих» художников XX века. За свою долгую жизнь, прервавшуюся на 92-м году, он создал около 20 тысяч работ, не говоря о десятках тысяч подражателей, чьими полотнами и сегодня наводнен арт – рынок. По случаю дня рождения великого мастера редакторы Fancy Journal подготовили подборку из 15 его наиболее известных полотен.

Читайте также  Биография и картины леонардо да винчи

«Любительница абсента», 1901

«Девочка на шаре», 1905

В 1897-м году Пабло, сын учителя рисования, приобщившего мальчика к живописи, поступил в Королевскую академию изящных искусств в Мадриде. Вскоре юноше стало скучно, и он отправился в самое сердце художественной жизни Европы – в Париж. Здесь он оседает в богемном Монмартре, меняет незвучную отцовскую фамилию Руис на запоминающуюся материнскую Пикассо и начинает активно писать. Этот период творчества художника принято называть «кубическим». Суть этого художественного метода сводилась к отрицанию традиции натурализма. Пикассо уделял особое внимание трансформации привычных форм в разновеликие геометрические блоки.

«Гертруда Стайн», 1906

«Женщина в сорочке, сидящая в кресле», 1913

«Портрет Вильгельма Уде», 1910

В 1916-м Пикассо привлекают к работе над художественным оформлением балета «Парад» для «Русского балета» Дягилева. Пабло не на шутку увлекся, погрузившись в работу не только над костюмами и декорациями, но над сценарием и сценографией. Результат, казалось, превзошел все ожидания (хотя многие критики восприняли неоднозначно новаторские идеи создателей), и следующие месяцы художник вместе с труппой Дягилева провел на гастролях в Риме. Там же он познакомился с балериной Ольгой Хохловой, ставшей спустя год его супругой.

Ольга Хохлова и Пабло Пикассо, 1919

Период 1920-х – конец 30-х принято называть «сюрреалистическим» этапом творческой жизни художника. В эти годы он создает абстрактные произведения, зачастую доведенные до абсурда. В 1937-м была закончена «Герника», масштабная картина, ставшая отражением отношения Пикассо к бомбардировками одноименного городка в Стране Басков. Тревожное предвкушение войны станет лейтмотивом следующих семи лет.

«Герника», 1937

С окончание Второй мировой обрел спокойствие и сам художник. В первые послевоенные годы он перебирается из Парижа на юг Франции, где погружается в расслабленную атмосферу европейского средиземноморья, пишет идиллические плотна и занимается керамикой. Скончался Пикассо в 1973-м на своей вилле Нотр-Дам-де-Ви на Лазурном берегу.

«Голубая обнаженная», 1902

«Старый гитарист», 1904

«Арлекин с бокалом», 1905

«Мальчик с трубкой», 1905

«Мальчик, ведущий лошадь», 1906

«Авиньонские девицы», 1907

«Хлеб и ваза с фруктами на столе», 1909

«Три музыканта», 1921

«Женщины, бегущие по берегу», 1922

«Девушка перед зеркалом», 1932

«Сон», 1932

«Обнаженная, зеленые листья и бюст», 1932

«Портрет Марии — Терезы», 1937

«Дора Маар с кошкой», 1941

«Менины. По Веласкесу», 1957

Портрет вильгельма уде, пабло пикассо, 1910

В «серии коллекционеров и маршанов» 1909–1910 годов («Портрет Кловиса Саго», «Портрет Амбруаза Воллара», «Портрет Даниеля-Анри Канвейлера», «Портрет Вильгельма Уде»[144]) художник интерпретирует образы тех, кто поддерживал его искусство, приобретал его картины и продавал их. И тут видно, что «Портрет Кловиса Саго» во многом восходит к портретам Поля Сезанна, который также изображал людей, которые являлись пропагандистами его творчества («Портрет Амбруаза Воллара», «Портрет Гюстава Жеффруа»[145]). Притом, что к 1909 году, когда создавался портрет этого торговца картинами, Пикассо виртуозно владел всей стилистической палитрой кубизма, он не использовал новых приемов; лицо модели очерчено четко, а на заднем плане видны подрамники и свернутые в рулоны холсты. Такой преднамеренный сезаннизм Пикассо вводит в трех последующих портретах. В них создается впечатление, что лик Канвейлера уходит вглубь от зрителя словно в некие осколки зеркала (тем самым нарушая метафору «портрет как зеркало»), а лицо Воллара из аналогичных осколков «выходит» на зрителя. «Портрет Вильгельма Уде» по своей манере находится между этими двумя произведениями.

В свое время «Портрет Амбруаза Воллара», попавший в коллекцию И. А. Морозова в Москве, вызвал много суждений, причем о границах портретного жанра в целом[146]. Для зрителя становилось понятно, что художник экспериментирует «у границ жанра портрета».

Портреты коллекционеров имеют определенную жанровую природу, и проблема сходства – основная для портретов – тут, несмотря на все кубистические причудливости, сохраняется. Сложнее другие случаи, которые и показывают «борьбу Пикассо с портретом и борьбу портрета с Пикассо». Характерным примером здесь может служить картина «Женщина с веером» (1908, ГЭ[147]), в которой первоначально, как показывает рентгенограмма[148], было намечено лицо Фернанды Оливье.

Облик Фернанды привлекал многих художников, включая и Кес ван Донгена («Портрет Фернанды», 1906), был он дорог и для Пикассо. Известны ее многочисленные скульптурные портреты, исполненные художником. Помимо этого имеется и кубистический живописный «Портрет Фернанды» (1909–1910, Кембридж, музей Фитцуильям) – предельно схематичный.

Необычно трактованным оказался небольшой этюд «В честь Гертруды». Здесь образ известной писательницы, поддерживающей Пикассо, представлен аллегорической фигурой с трубой, а ей соответствует другая, возможно, фигура ее подруги Алисы.

Чрезвычайно показательна история с образом мадмуазель Леони[149]. Если Фернанде в «Женщине с веером» не удалось выбраться из плена пластических граней, которые «закрыли» ее образ, то метаморфозы Леони оказались сложнее. Она «растворялась» в кубистических шифрах, и в конце концов «от нее не осталось и следа». Ее живописному портрету (1910, частное собрание), в котором ее образ зашифрован кубизированным способом, предшествует ряд рисунков. Известна также гравюра, имеющая шесть состояний (август-сентябрь 1909 года), причем одно из них было использовано в качестве фронтисписа в издании «Сен-Маторель» Макса Жакоба.

Гравюрой Пикассо было снабжено и издание «Алкоголей» Гийома Аполлинера (1913). Гравюра представляла кубизированный портрет поэта.

Об образе Евы Гуэль, подруги художника, напоминает лишь надпись «Ma jolie» на картине со сложным кубистическим построением. Так Пикассо переходит на вербальный язык, который с 1912 года начинает активно использоваться художниками-кубистами. И самим Пикассо и Браком, а также и их последователями.

Отдельно от многих произведений Пикассо находится картина «Королева Изабо»[150]. Причем выделяется она не стилистикой, так как по манере к ней близка исполненная тогда же «Дама с веером»[151], но названием. Эти картины, несомненно, представляют модели (возможно, одну и ту же модель) костюмированными. У «Дамы с веером» в руках не только веер, но и зонтик. Довольно причудлив ее головной убор. Много преднамеренного и в «Королеве Изабо» (причем первоначально, судя по рентгенограммам[152], орнамент на платье был более активен, чем при завершении). Это произведение близко к задуманной композиции «Карнавал в бистро» (не исполнено[153]). Там же есть набросок натюрморта, который был создан зимой 1908 года («Хлеб и компотница на столе»[154]), который намечен и в композиции «Карнавал». С «Королевой Изабо» его сближает не только колорит, но и такой мотив: салфетка, накинутая на край компотницы, напоминает своеобразный головной убор на голове модели.

«Портрет Кловиса Саго» (1909, Кунстхалле, Гамбург); «Портрет Амбруаза Воллара» (1909–1910, ГМИИ им. А. С. Пушкина); «Портрет Канвейлера» (1910); «Портрет Вильгельма Уде» (1910). Характерно, что художник не писал портрета С. И. Щукина, несмотря на то, что тот щедро платил за его произведения (ограничился только карикатурой 1905 года).

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: