Портрет данте, боттичелли, 1495 - JEKATERINBURG.RU

Портрет данте, боттичелли, 1495

Этот непостижимый Данте – как он выглядел?

Данте Алигьери, самого знаменитого поэта средневековья, чаще всего изображали художники. Как персонаж своей Божественной Комедии он присутствует на всех миниатюрах — иллюстрациях поэмы. И не только…

Его портретные изображения — знаменитые и не очень мы встречаем у художников разных эпох.

Самый известный портрет Данте Алигьери создал художник Ботичелли, который был знатоком литературы XIV века и поклонником творчества Данте и Бокаччио.

Работа Ботичелли стала образцом для последующих изображений знаменитого поэта, но это не самый старый его портрет.

Сандро Ботичелли, Портрет Данте Алигьери, 1495 год, частная коллекция, Женева

Первое изображение Данте оставил нам Джотто (и его боттега) в капелле Марии Магдалены Дворца Барджелло. После пожара 1332 года и наводнения 1333 реставрируют капеллу. Надпись датирует фреску Страшный Суд летом 1337 года, когда Джотто уже умер. Но недавняя реставрация позволила установить более раннюю дату – на фреске обнаружили герб Подесты Фидезимо да Варано. Это доказывает, что Джотто позвали украсить стены Капеллы Подесты — главы города в 1334 году. Мастерская закончила работу после смерти маэстро, и использовала его рисунки для изображения персонажей на фреске. Джотто видел Данте , и лицо на фреске — самое достоверное изображение поэта.

Джотто, Данте в Палаццо Барджело, 1334 – 37гг, Флоренция

В песнях Чистилища Данте писал о Джотто: «Кисть Чимабуе славилась одна, А ныне Джотто чествуют без лести, И живопись того затемнена». В той же песне поэт говорит о том, что пришло время и в поэзии превзойти двух хваленых поэтов Гвидо (Кавальканти и Гвинизелли) «За Гвидо новый Гвидо высшей чести Достигнул в слове; может быть рожден И тот, кто из гнезда спугнет их вместе» (сам Данте Альгьери? – теперь мы знаем положительный ответ — ДА)

Джорджио Вазари, Шесть поэтов Тосканы, 1544 год, Институт Искусства, Миннеаполис, США

На фреске Джотто Данте единственный изображен в мантии насыщенного красного цвета (к которой мы привыкли и в последующих изображениях). Этот цвет не очень понятен ученым, некоторые считают его символом Цеха Медиков и аптекарей- специале (к которому принадлежал Данте), но тогда не хватает золотистого изображения Мадонны на мантии. (Об аптекарях Вероны читайте в статье) Некоторые просто решили, что красный цвет – символ благородства. А может быть, Джотто выделил его из всех за то, что он уже для современников стал великим?

Синьорелли, Данте, 1499 – 1504, домский собор Орвиетто, фреска

Также книга в руках Данте стала символичной — знания, его творчество, в частности Божественная Комедия. В 33 Песни Рая Данте божественный свет сравнивает с книгой.

Я видел – в этой глуби сокровенной
Любовь как в книгу некую сплела
То, что разлистано по всей вселенной…

Аньоло Бронзино, Аллегорический портретДанте, 1530 год

Некоторые критики видят изображение Данте и в Капелле Скровеньи (1303-05) – рядом с Джотто изображен поэт с позолоченным лавровым венком. Не очень похож на нашего привычного Данте?

Джотто, Капелла Скровеньи, Падуя – Поэт в лавровом венке за Джотто (слева)

Бокаччио, поклонник Данте, описывал внешность поэта следующим образом: « роста невысокого, в старости согбенная спина, всегда опрятная одежда. Лицо удлиненное, нос — орлиный клюв, челюсти массивные с выступающим подбородком. Волосы и борода густые, черные и вьющиеся, лицо обычно задумчиво и печально».

Андреа дель Кастанья, Данте в цикле Портреты знаменитостей, Уффици, Флоренция

Изображение книги в руках Данте мы видим на работах Андреа дель Кастаньо (1448 – 1451) в цикле Портреты Знаменитостей, Джусто ди Ганд в 1473-75гг (в Лувре), на фреске Луки Синьорелли в Домском Соборе Орвьето 1499 — 1504гг, на аллегорическом портрете Аньоло Бронзино 1530 года. Среди изображений Данте знаменитая фреска Доменико ди Микелино 1465 года в Дуомо Флоренции Данте и три царства.

Данте и три царства, Доменико ди Микелино, 1465 год, Домский Собор, Флоренция

Поэт перед городскими крепостными стенами в окружении потустороннего мира — Царство Бога (над ним Рай, за плечами Чистилище), Царство Дьявола (справа Ад), Царство Людей слева. Мы понимаем двойственность и напряжение поэта в жизни — он всегда последовательно прославляет справедливось Божьего Суда и в то же время — он житель Флоренции — политик и гражданин. Во Флоренции есть не слишком знаменитая фреска с изображением Данте Алигьери — в капелле Строцци в Санта Марии Дель Фиоре. Художник Нардо ди Чионе изобразил его в 1350 году в необычном нам белом одеянии.

Нардо ди Чионе, 1350 год, Капелла Строцци, Санта Мария Новелла, Флоренция

Изображение в Кастелло Фосдиново (Масса Каррара) свидетельствует о коротком периоде в скитаниях Данте во время изгнания. В 1306 году поэт был советником Франческино, Мороелло и Коррадино Маласпина и сыграл важную роль в заключении мира Кастельнуово (1306) с епископом Луни.

Данте в 1306 году на подписании мира Кастельнуово, Фреска, Кастелло Фосдиново

Во время изгнания самый длинный период пребывания Данте подтвержден в Вероне, при дворе разных синьоров Скалиджеров – минимум 16 лет в общей сложности. Читайте в статье о недавних открытиях Данте в Вероне – письмо императору. В трех веронских церквях недавно обнаружили изображения прославленного поэта. Подробнее в статье открытия – портреты Данте в Вероне.

Данте на фреске в церкви Св. Анастасии, Верона

Два изображения Данте принадлежат кисти Рафаэля — на фресках 1509-11 гг в Апостольском Дворце Ватикана. На фреске Парнас Данте рядом с Гомером, на фреске Диспуты — за Папой Сикстом 4.

Рафаэль, Данте на фреске Диспуты, 159 – 11 гг, Дворцы Ватикана, Рим

После забвения длиной в лет триста к персонажу Данте обращаются художники 19 века. Француз Делакруа изображает его на лодке, спускающейся в Ад, рядом с Виргилием.

Эжен Делакруа, Лодка Данте, 1822 год, Лувр

Андреа Пьерини (1850 год) представил Данте во время чтения Божественной Комедии при дворе Гвидо Новелло да Полента.

Андреа Пьерини, Данте читает Божественную комедию при дворе Гвидо Новелло, 1850, Палаццо Питти, Флоренция

Илья Ефимович Репин увидел Данте своим современником.

Данте Алигьери, И.Е.Репин, Галерея Уффици, Флоренция

Фигура Данте Алигьери привлекала внимание во все времена. В 50-60 годы ХХ века Сальватор Дали создал серию ксилографий под влиянием необыкновенного мира Данте.

Сальватор Дали, Данте Алигьери

Джусто ди Ганд, Портрет Данте Алигьери, 1473 – 75, Лувр

Биография Сандро Боттичелли

Жена — нет
Дети — нет

Сандро Боттичелли (1445-1510) – знаменитый живописец Италии, творивший в эпоху Возрождения, является одним из основных представителей флорентийской художественной школы.

Рождение и семья

Сандро появился на свет 1 марта 1445 года в итальянском городе Флоренции. Его полное настоящее имя – Алессандро ди Мариано ди Ванни Филипепи.

Его отец, Мариано ди Джованни Филипепи, занимался кожевенным ремеслом. Вблизи моста Санта Тринита ин Ольтрарно Мариано держал свою мастерскую. Денег он с неё имел совсем немного, поэтому мужчина грезил об одном – чтобы быстрее выросли и устроились в жизни его дети. Глава семьи очень хотел отдохнуть от своего трудоёмкого ремесла.

Мама, Змеральда, занималась воспитанием сыновей, которых в семье родилось четверо, Сандро был самым младшим среди них.

Семья проживала в приходе церкви «Всех Святых» («Оньисанти»). Приход был расположен во флорентийском квартале Санта Мария Новелла на виа Нуова. Здесь семейство арендовало небольшую квартиру в домостроении, принадлежавшем господину Ручеллаи.

Первое упоминание о Сандро Боттичелли можно найти в кадастре итальянской Республики. Ещё в 1427 году в Республике был издан указ о том, что глава каждого флорентийского семейства должен вносить в кадастр заявление, где отображались доходы (это нужно было для налогообложения). В 1458 году в своём кадастровом заявлении Мариано Филипепи написал, что у него четверо сыновей – Джованни, Антонио, Симоне и Сандро, которому тринадцать лет. В этой исторической записи было добавлено, что мальчик рос очень болезненным, поэтому в столь позднем возрасте только начал обучаться чтению.

Происхождение фамилии «Боттичелли»

Нет достоверных данных, откуда произошло прозвище будущего художника – Боттичелли. Существует только несколько версий. Его старший брат Джованни был толстяком и получил кличку «боттичелли» что означало «бочонок». По старшинству Джованни пытался во всём помогать отцу, в особенности на его плечи легло воспитание младшего брата Сандро. Возможно, прозвище просто перешло от старшего брата к маленькому.

По второй версии, у отца семейства был кум – некий «Боттичелло», он занимался ювелирным мастерством. К тому времени старшие сыновья уже хорошо устроились в жизни и помогали родителям (Джованни и Симоне занялись торговлей, Антонио был ювелиром). Глава семьи Мариано Филипепи хотел, чтобы и младший Сандро пошёл по стопам Антонио. Он мечтал, что два брата откроют (пусть и небольшое, но надёжное) семейное предприятие по производству ювелирных изделий. Видя, что младший сын весьма одарённый и способный, но не нашедший до сих пор истинного призвания в жизни, отец решил направить его в ювелирное русло, отдав на обучение к куму Боттичелло.

Так в двенадцатилетнем возрасте Сандро начал изучать ювелирное искусство, которое в дальнейшем сыграло немалую роль в его живописи.

Третья версия связана с братом Антонио, который занимался ювелирным делом. Сандро помогал старшему брату в мастерской, и тот дал ему прозвище Боттичелли, что с флорентийского переводится как «серебряных дел мастер» (правда, в слегка искажённом варианте).

Обучение живописи

В те времена между ювелирами и художниками была настолько тесная связь, что из юношей, увлекающихся рисованием, получались отличные золотых дел мастера. И, наоборот, из ювелирных мастерских выходили талантливые живописцы.

Так получилось и с Сандро. Отучившись у ювелира, в 1462 году Боттичелли стал обучаться живописи у флорентийского художника, чьё творчество относится к раннему периоду Возрождения, Фра Филиппо Липпи. Этот живописец был монахом-кармелитом из обители Кармине, его произведения отличались естественностью и жизнерадостностью. Мастерская Липпи находилась в городе Прато, где художник трудился над росписью собора фресками.

Боттичелли провёл в мастерской Липпи пять лет, пока учитель не уехал в итальянскую провинцию Перуджа, в город Сполето, где в скором времени умер. В Прато у Филиппо Липпи были романтические отношения с монахиней из монастыря. Эта женщина Лукреция Бути родила потом сына Филиппино Липпи, который впоследствии был учеником Боттичелли.

После смерти Липпи Сандро стал обучаться у ещё одного знаменитого итальянского скульптора и живописца Андреа дель Верроккьо, который был учителем самого Леонардо да Винчи. Верроккьо владел мастерской, самой сильной на тот момент во Флоренции. У него Сандро научился анатомически точно передавать человеческую фигуру в сильном движении.

У обоих своих педагогов Сандро обучился живописи периода Раннего Ренессанса. Первые произведения Боттичелли немного похожи на работы Липпи, в них можно заметить такое же богатство деталей и обилие портретов. Тем не менее современники признали в Сандро сильного мастера и отметили своеобразие его картин.

На своих первых самостоятельных полотнах Боттичелли изображал Мадонн:

  • «Мадонна с Младенцем, двумя ангелами и юным Иоанном Крестителем»;
  • «Мадонна с Младенцем и двумя ангелами»;
  • «Мадонна в розовом саду»;
  • «Мадонна Евхаристии».

Уже эти ранние работы художника отличались поэтически овеянными образами и еле уловимой атмосферой духовности.

Творчество

С 1469 года Боттичелли начал работать самостоятельно. Первое время он писал картины дома, позднее арендовал мастерскую, которая находилась неподалёку от церкви «Всех Святых».

Читайте также  Картина «лаокоон», эль греко — описание

Уже в следующих картинах Сандро не осталось и тени подражания своим учителям, всюду прослеживался его собственный стиль:

  • «Аллегория силы»;
  • «Возвращение Юдифи»;
  • «Нахождение тела Олоферна»;
  • «Святой Себастьян».

В 1472 году Боттичелли стал членом гильдии Святого Луки. Здесь объединялись художники, благодаря членству в гильдии они получали право вести независимую живописную деятельность, открывать собственные мастерские и иметь помощников.

В 1470-х годах состоятельный горожанин, придворный Медичи и член гильдии искусств и ремёсел Флоренции, Гаспаре дель Лама заказал Боттичелли написать картину «Поклонение волхвов». Художник закончил её в 1475 году, на полотне он изобразил семейство Медичи в образах восточных мудрецов и их свиты, а в правом нижнем углу нарисовал себя.

В «Поклонении волхвам» Сандро довёл рисунок, а также композиционные и колоритные сочетания до такого уровня совершенства, что полотно названо великим чудом, которое до сих пор приводит в изумление каждого художника.

Эта картина принесла Боттичелли известность, у него стало очень много заказов, особенно часто его просили писать портреты. Наибольшую популярность приобрели:

  • «Портрет неизвестного с медалью Козимо Медичи»;
  • «Портрет Джулиано Медичи»;
  • «Портрет молодой женщины»;
  • «Портрет Данте»;
  • портреты флорентийских дам.

Слава художника вышла за пределы Флоренции, и в 1481 году Боттичелли вызвали в Рим для росписи капеллы при дворце папы Сикста IV. Сандро трудился в Ватикане над росписью капеллы фресками вместе с другими ведущими итальянскими художниками того времени ‒ Росселли, Гирландайо, Перуджино. Это было зарождением знаменитой Сикстинской капеллы, роспись которой в начале ХVI века закончил Микеланджело (он оформил алтарную стену и потолок), после чего капелла приобрела мировую славу.

В Сикстинской капелле кисти Боттичелли принадлежат одиннадцать папских портретов и три фрески:

  • «Искушение Христа»;
  • «Наказание Корея, Дафна и Авирона»;
  • «Призвание Моисея».

В 1482 году Сандро вернулся из Рима во Флоренцию, где продолжил писать картины по заказу семейства Медичи и других знатных флорентийских особ. В основном это были полотна со светскими и религиозными сюжетами:

  • «Паллада и Кентавр»;
  • «Венера и Марс»;
  • «Мадонна делла Мелаграна»;
  • «Благовещение»;
  • «Оплакивание Христа».

Самой знаменитой и загадочной картиной художника Сандро Боттичелли считается «Весна». До сих пор искусствоведы не смогли до конца раскрыть сюжетный замысел живописца. Известно лишь, что на создание этого шедевра его вдохновила поэма Лукреция «О природе вещей».

В конце ХV века вошли в моду круглые по форме картины или барельефы, которые назывались тондо. Самые знаменитые работы Боттичелли в этом стиле:

  • «Мадонна Магнификат»;
  • «Мадонна с Младенцем, шестью ангелами и Иоанном Крестителем»;
  • «Мадонна с книгой»;
  • «Мадонна с Младенцем и пятью ангелами»;
  • «Мадонна с гранатом».

Последние годы жизни

В конце ХV века во Флоренцию приехал монах и реформатор Джироламо Савонарола. В своих проповедях он призывал людей отказаться от грешной жизни и покаяться. Боттичелли в буквальном смысле слова был заворожён речами Савонаролы. В феврале 1497 года на городской площади Флоренции организовали костёр тщеславия. Согласно проповедям монаха у граждан конфисковали и сожгли светские книги, богатые и великолепные зеркала и наряды, музыкальные инструменты, продукты парфюмерии, игральные кости и карты. Находясь под впечатлением проповедей, Сандро Боттичелли лично отправил в костёр несколько своих полотен на мифологические темы.

С тех пор резко поменялся художественный стиль Сандро. Его картины стали более аскетичными, в них преобладала сдержанная гамма красок тёмных тонов. В его полотнах больше нельзя было увидеть изящности и праздничной нарядности. Даже портреты он перестал писать на каком-нибудь интерьерном или пейзажном фоне, вместо этого на заднем плане были изображены глухие каменные стены. Особенно заметными стали эти изменения в картине «Юдифь, покидающая палатку Олоферна».

В 1498 году Савонаролу схватили, ему предъявили обвинение в ереси и приговорили к смертной казни. Это событие произвело на Боттичелли ещё большее впечатление, чем проповеди еретика. Художник стал писать намного меньше и реже, из последних его произведений наибольшую известность получили:

  • «Мистическое Рождество»;
  • «Покинутая»;
  • серия работ на тему жизни Святого Зиновия;
  • сценки из истории римлянок Лукреции и Виргинии.

Последний раз он проявил себя в качестве известного художника в 1504 году, когда участвовал в работе комиссии по выбору места для установки мраморной статуи Микеланджело «Давид».

После этого он вовсе перестал работать, сильно состарился и настолько обеднел, что если бы о нём не вспоминали друзья и почитатели его таланта, то мог бы умереть с голода. Его душа, так тонко чувствовавшая красоту мира, но боявшаяся при этом греховности, не выдержала терзаний и сомнений.

Сандро ушёл из жизни 17 мая 1510 года. Его похоронили во Флоренции на кладбище церкви Оньисанти. За прошедшие после его смерти пять веков никто не смог даже сравниться с тем богатством поэтической фантазии, которое присутствует на полотнах Боттичелли.

Личная жизнь

Боттичелли считают одновременно счастливым и несчастным человеком. Он был как будто не от мира сего, пуглив и в то же время мечтателен, отличался фантастичными рассуждениями и алогичными поступками. Его абсолютно не заботило материальное благополучие и богатство. Сандро не выстроил свой дом, у него не было жены и детей.

Но он был безумно счастлив от того, что имел возможность в своих произведениях остановить и запечатлеть красоту. Окружающую жизнь он переделывал в искусство. А искусство в свою очередь стало его подлинной жизнью.

У каждого творца эпохи Возрождения был свой источник вдохновения. Для Боттичелли им стала Симонетта Виспуччи (за неописуемую красоту во Флоренции её называли Бесподобной, Несравненной, Прекрасной Симонеттой). Из платонической любви художника к этой женщине родились шедевры мировой живописи. Причём сама Симонетта не обращала внимания на скромного живописца и даже не догадывалась о том, что стала для него Божеством и идеалом красоты.

Она умерла в 23 года, так и не узнав никогда, что её образ Боттичелли сохранил навеки. Многие искусствоведы утверждают, что после смерти Симонетты Виспуччи на всех картинах Боттичелли изображал только её – в образе Венеры, Мадонн, на самых знаменитых своих полотнах «Рождение Венеры» и «Весна». После смерти первой красавицы флорентийского ренессанса Сандро писал её образ на протяжении 15 лет.

Сандро Боттичелли

Са́ндро Боттиче́лли (итал. Sandro Botticelli , настоящее имя Алесса́ндро ди Мариа́но ди Ва́нни Филипе́пи (итал. Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi ); 1445 — 17 мая 1510) — итальянский живописец, один из значимых мастеров эпохи Возрождения, представитель флорентийской школы живописи. Автор картин «Весна», «Венера и Марс», а также «Рождение Венеры», которая принесла художнику мировую известность.

Содержание

  • 1 Биография и творчество
    • 1.1 Обучение мастерству (1460—1468)
    • 1.2 Ранние работы (1470—1480)
    • 1.3 Пребывание в Риме (1481—1482)
    • 1.4 Светские произведения 1480-х годов
    • 1.5 Религиозные картины 1480-х годов
    • 1.6 Поздние работы (1490—1497)
    • 1.7 Последние работы (1498—1510)
  • 2 Галерея
  • 3 Память
  • 4 Фильмы
  • 5 Примечания
  • 6 Литература
  • 7 Ссылки

Биография и творчество [ | ]

Боттичелли родился в семье кожевника Мариано ди Джованни Филипепи и его жены Смеральды в квартале Санта-Мария-Новелла во Флоренции. Прозвище «Боттичелли» (бочонок) перешло к нему от старшего брата Джованни, который был толстяком.

Обучение мастерству (1460—1468) [ | ]

Боттичелли пришёл к живописи не сразу: сначала он два года был учеником у золотых дел мастера Антонио (существует версия, что свою фамилию юноша получил от него [8] ). В 1462 году (по некоторым источникам — около 1464 [9] ) начал учиться живописи у Фра Филиппо Липпи, в мастерской которого пробыл пять лет.

Молодой художник испытал «влияние творческой манеры учителя, сочетавшей трёхмерность передачи объёмов на плоскости с позднеготической декоративностью линейных ритмов», а также братьев Поллайоло — Антонио и Пьеро. Совместно с Пьеро дель Поллайоло работал над аллегориями Добродетелей для зала Торгового суда во Флоренции («Аллегория Силы», 1470) [9] .

В связи с отъездом Липпи в Сполето Боттичелли перешёл в мастерскую Андреа Верроккьо, куда чуть раньше поступил подмастерьем юный Леонардо да Винчи.

Первые самостоятельные произведения Боттичелли — несколько изображений мадонны — по манере исполнения демонстрируют близость к работам Липпи и Мазаччо, наиболее известны: «Мадонна с Младенцем, двумя ангелами и юным Иоанном Крестителем» (1465—1470), «Мадонна с Младенцем и двумя ангелами» (1468—1470), «Мадонна в розовом саду» (около 1470), «Мадонна Евхаристии» (около 1470).

Ранние работы (1470—1480) [ | ]

С 1470 года Боттичелли имел собственную мастерскую (одним из его учеников был сын Фра Филиппо Липпи — Филиппино) [9] неподалеку от Церкви Всех Святых. Картина «Аллегория Силы» (Fortitude), написанная в 1470 году, знаменует обретение художником собственного стиля. В 1470—1472 годах он пишет диптих об истории Юдифи: «Возвращение Юдифи» и «Нахождение тела Олоферна».

В 1472 году Боттичелли вступил в Гильдию Св. Луки — его имя впервые упоминается в «Красной книге» гильдии. Там же указывается, что у него работает ученик Филиппино Липпи.

Картина Сандро Боттичелли «Святой Себастьян» на празднике в честь святого 20 января 1474 года с большой торжественностью была размещена на одном из столбов во флорентийской церкви Санта-Мария-Маджоре [en] , чем объясняется вытянутый формат произведения.

Около 1475 года живописец написал для состоятельного горожанина Гаспаре дель Ламы прославленную картину «Поклонение волхвов», на которой помимо представителей семейства Медичи изобразил и самого себя. Вазари писал: «Поистине произведение это — величайшее чудо, и оно доведено до такого совершенства в колорите, рисунке и композиции, что каждый художник и поныне ему изумляется» [10] .

В это время Боттичелли становится известным и как портретист. Наиболее значительны «Портрет неизвестного с медалью Козимо Медичи Старшего» (1474—1475), а также портреты Джулиано Медичи и флорентийских дам.

В 1476 году умирает Симонетта Веспуччи — по версии ряда исследователей, тайная любовь и модель целого ряда картин Боттичелли, который никогда не был женат.

Пребывание в Риме (1481—1482) [ | ]

Быстро распространявшаяся слава Боттичелли вышла за пределы Флоренции. С конца 1470-х годов художник получает многочисленные заказы. «И тогда он завоевал себе… во Флоренции и за её пределами такую славу, что папа Сикст IV, построивший капеллу в своём римском дворце и пожелавший расписать её, распорядился поставить его во главе работы» [10] .

В 1481 году папа Сикст IV призвал Боттичелли в Рим. Вместе с Гирландайо, Росселли и Перуджино Боттичелли украсил фресками стены папской капеллы в Ватикане, которая известна как Сикстинская капелла. После того как в 1508—1512 годах потолок и алтарную стену при Юлии II распишет Микеланджело, она обретёт всемирную славу.

Боттичелли создал для Сикстинской капеллы три фрески: «Наказание Корея, Дафана и Авирона», «Искушение Христа» и «Призвание Моисея», — а также 11 папских портретов.

Светские произведения 1480-х годов [ | ]

Боттичелли посещал Платоновскую академию Лоренцо Великолепного (представителя семейства Медичи), где встречался с Фичино, Пико и Полициано, тем самым подпав под влияние неоплатонизма, что нашло отражение в его картинах светской тематики.

Самое известное и самое загадочное произведение Боттичелли — «Весна» (Primavera) (1482). Картина вместе с «Палладой и кентавром» (1482—1483) Боттичелли и «Мадонной с Младенцем» неизвестного автора предназначалась для украшения флорентийского дворца Лоренцо ди Пьерфранческо де Медичи, или Лоренцо Пополано, кузена Лоренцо Великолепного. На создание полотна живописца вдохновил, в частности, фрагмент из поэмы Лукреция «О природе вещей»:

Вот и Весна, и Венера идёт, и Венеры крылатый
Вестник грядёт впереди, и, Зефиру вослед, перед ними
Шествует Флора-мать и, цветы на путь рассыпая,
Красками всё наполняет и запахом сладким…
Ветры, богиня, бегут пред тобою; с твоим приближеньем
Тучи уходят с небес, земля-искусница пышный
Стелет цветочный ковёр, улыбаются волны морские,
И небосвода лазурь сияет разлившимся светом.

Читайте также  Хуан де хуанес (масип) — биография, картины

Аллегоричность «Весны» вызывает многочисленные дискуссии относительно интерпретации картины.

В 1483 году флорентийский купец Антонио Пуччи заказал Боттичелли четыре картины вытянутого формата со сценами любовной истории из «Декамерона» Боккаччо о Настаджо дельи Онести.

Теме любви посвящена картина «Венера и Марс» (около 1485).

Также около 1485 года Боттичелли создаёт прославленное полотно «Рождение Венеры». «…Что отличает творчество Сандро Боттичелли от манеры его современников — мастеров кватроченто, да, впрочем, и живописцев всех времён и народов? Это особая певучесть линии в каждой из его картин, необычайное чувство ритма, выраженное в тончайших нюансах и в прекрасной гармонии его „Весны“ и „Рождения Венеры“. Колорит Боттичелли музыкален, в нём всегда ясен лейтмотив произведения. Мало у кого в мировой живописи так звучит пластика линии, движения и взволнованного, глубоко лирического, далекого от мифологического или иных схем сюжета. Художник сам режиссёр и композитор своих творений. Он не пользуется ходульными канонами, потому его картины так волнуют современного зрителя своей поэзией и первичностью мировидения» [12] .

В 1480—1490 годах Боттичелли выполняет серию иллюстраций пером к «Божественной комедии» Данте. «Рисовал Сандро исключительно хорошо и так много, что ещё долго после его смерти каждый художник старался заполучить его рисунки» [10] .

Религиозные картины 1480-х годов [ | ]

«Поклонение волхвов» (1478—1482), «Мадонна с Младенцем на троне» (алтарь Барди) (1484), «Благовещение» (1485) — религиозные работы Боттичелли этого времени являются высшими творческими достижениями живописца.

В начале 1480-х годов Боттичелли создал «Мадонну Магнификат» (1481—1485), картину, прославленную уже при жизни художника, о чём свидетельствуют многочисленные копии. Она является одним из тондо Боттичелли. Подобные картины в форме круга были очень популярны во Флоренции XV века. Фоном картины является пейзаж, как и в «Мадонне с книгой» (1480—1481), «Мадонне с Младенцем, шестью ангелами и Иоанном Крестителем» (около 1485), «Мадонне с Младенцем и пятью ангелами» (1485—1490).

В 1483 году вместе с Перуджино, Гирландайо и Филиппино Липпи он работает над фресками на вилле Лоренцо Великолепного близ Вольтерры.

Около 1487 года Боттичелли пишет «Мадонну с гранатом». Гранат, который держит в руке мадонна, представляет собой христианский символ (у «Мадонны Конестабиле» Рафаэля в правой руке также первоначально вместо книги был гранат).

Поздние работы (1490—1497) [ | ]

В 1490 году во Флоренции появляется доминиканский монах Джироламо Савонарола, в проповедях которого звучал призыв к покаянию и отказу от грешной жизни. Савонарола считал, что художник должен трудиться во славу Бога. Боттичелли был вынужден отказаться от своего прежнего стиля и писать в основном на религиозные мотивы. С этих пор стиль Боттичелли резко изменяется, он становится аскетичным, гамма красок теперь сдержанная, с преобладанием тёмных тонов.

Новый подход художника к созданию произведений хорошо виден в «Короновании Марии» (1488—1490), «Оплакивании Христа» (1490) и ряде изображений мадонны с младенцем. Портреты, созданные художником в это время, например портрет Данте (около 1495), лишены пейзажных или интерьерных фонов.

Особенно заметны изменения стиля при сравнении «Юдифи, покидающей палатку Олоферна» (1485—1490) с созданной приблизительно за 25 лет до того картиной на тот же сюжет.

В 1491 году Боттичелли участвует в работе комиссии по рассмотрению проектов фасада собора Санта-Мария-дель-Фьоре.

Единственной поздней картиной на светскую тему явилась «Клевета Апеллеса» (около 1495).

Последние работы (1498—1510) [ | ]

В 1498 году Савонарола был схвачен, обвинён в ереси и приговорён к смерти. Эти события глубоко потрясли Боттичелли.

В 1500 году он создаёт «Мистическое Рождество» — единственное подписанное и датированное им произведение, где имеется сделанная по-гречески надпись: «Эту картину я, Алессандро, написал в конце 1500 года в неурядицах Италии в половине времени после времени, когда исполнится [сказанное в главе] одиннадцатой Иоанна, о втором горе Апокалипсиса, в то время, когда дьявол на три с половиной года был выпущен. Затем он был закован в кандалы в соответствии с двенадцатой, и мы увидим его [попранным на земле], как на этой картине».

Среди последних немногочисленных работ художника этого периода — сцены из историй римлянок Виргинии и Лукреции, а также сцены из жизни Св. Зиновия.

В 1504 году живописец участвует в работе комиссии художников, которая должна была выбрать место для установки «Давида» Микеланджело.

Боттичелли «отошёл от работы и в конце концов постарел и обеднел настолько, что если бы о нём не вспомнил, когда ещё был жив, Лоренцо деи Медичи, для которого он, не говоря о многих других вещах, много работал в малой больнице в Вольтерре, а за ним и друзья его, и многие состоятельные люди, поклонники его таланта, он мог бы умереть с голоду» [10] . 17 мая 1510 года, на 66-м году жизни, Сандро Боттичелли скончался. Живописец был похоронен на кладбище церкви Всех Святых во Флоренции.

«Сандро не идёт в свите других, но, соединив в себе весьма многое, что было разбросано, он с удивительной полнотой отражает идеалы своего времени. Не только нам нравится он, но большим успехом пользовался он и у своих современников. Его чисто личное искусство отразило лицо века. В нём, как в фокусе, соединилось всё, что предшествовало тому моменту культуры, и всё, что тогда составляло „настоящее“» [13] .

«Божественная комедия» в искусстве: литературный шедевр глазами Боттичелли, Блейка, Дали и других великих мастеров прошлого

Первопроходцы

К самым ранним иллюстрированным манускриптам поэмы Данте относится известный под названием «Божественная комедия» Йейтса Томпсона (по имени издателя). Он хранится в Британской библиотеке. Долгое время имя автора рисунков, созданных в Сиене в середине 15-го века, было неизвестно. Лишь в 1964 году искусствовед Миллард Мисс предположил, что их было двое: Джованни ди Паоло и Приамо делла Кверча.

В 1977 году итальянка Джульетта Келацци выдвинула достаточно убедительную гипотезу, что на самом деле автор иллюстраций – Никола ди Улиссе, проведя множественные параллели между подписанными работами Николы и изображениямии «Ада» и «Чистилища» из «Божественной комедии» Йейтса Томпсона . Однако большинство исследователей предпочли придерживаться прежней точки зрения.

Сандро Боттичелли

Даты создания итальянцем иллюстраций для «Божественной комедии» доподлинно неизвестны, но исследователи считают, что художник работал над ними несколько лет: предположительно в период между 1480 и 1495 годами. По одной из версий, он выполнял заказ для Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи, покровителя Боттичелли, а по другой — рисовал иллюстрации для собственного удовольствия. Учитывая, что они так и не были окончены, эта версия имеет право на жизнь.

Живописец настолько основательно подошел к задаче, что создавал по одному рисунку на каждую из ста песней «Комедии». Поскольку место действия в течение нескольких песней не менялось, то и на иллюстрациях Боттичелли иногда изменял лишь позу персонажей или добавлял некоторые новые детали. Он оставил неоконченными лишь рисунки к нескольким песням из «Рая».

Большинство из 92 сохранившихся иллюстраций выполнены на листах пергамента размером 32,5×47,5 см в технике «серебряная игла», популярной у ренессансных художников. Изображение, нанесенное серебряным или металлическим штифтом на особо подготовленную поверхность бумаги, пергамента или холста, выходило очень изящным и воздушным. Многие иллюстрации доработаны чернилами, а полностью в цвете завершены всего четыре из них. Причем некоторые исследователи склонны считать, что темперой их окрашивал кто-то другой, поскольку в результате изящные линии, характерные для Боттичелли, оказались сглажены, и рисунки лишились узнаваемого почерка живописца.

В библиотеке Ватикана хранятся несколько иллюстраций Боттичелли к «Божественной комедии», а также относящаяся к ней картина «Карта ада», выполненная на пергаменте из козьей кожи (с иллюстрацией к первой песне «Комедии» на обратной стороне). Немецкий режиссер Ральф Луп был настолько впечатлен картиной, увидев ее на выставке, что в 2016 году снял 96-минутный документальный фильм «Боттичелли. Инферно», посвященный исследованию одной только «Карты ада».

Уильям Блейк

Английский поэт и художник занялся иллюстрациями к поэме Данте приблизительно за год до своей кончины. Он тоже достаточно основательно подошел к вопросу, и, по слухам, даже начал изучать итальянский язык, чтобы читать «Божественную комедию» в оригинале. Он успел создать 102 иллюстрации: в основном акварели плюс несколько рисунков карандашом. Блейк старался следовать как можно ближе к тексту, но его авторский почерк безошибочно узнается с первого взгляда. 69 иллюстраций посвящены песням «Ада», 20 — «Чистилища», 10 — «Рая» и 3 — без указания песни.

В 2014 году, к 750-летнему юбилею со дня рождения Данте Алигьери, немецкое издательство Taschen выпустило каталог со всеми иллюстрациями Блейка. В настоящие время оригинальные рисунки хранятся в семи различных собраниях, и почитатели таланта художника могут увидеть их у себя дома, заказав юбилейное издание на сайте Taschen за 100 фунтов стерлингов.

Поль Гюстав Доре

Наиболее известными и прошедшими через множество переизданий стали иллюстрации французского художника и графика, которого называют «величайшим иллюстратором XIX века». К моменту начала работы над «Божественной комедией» Доре уже достиг определенных высот на этом поприще: в его портфолио были успешные кейсы по созданию иллюстраций для произведений Франсуа Рабле, Джорджа Байрона, а также Библии.

Доре было всего 23 года, когда он затеял амбициозный проект по созданию гравюр для бессмертной поэмы Данте. Несмотря на репутацию самого высокооплачиваемого иллюстратора Франции, ему все же не удалось убедить своего издателя выделить финансирование для этого замысла. Тогда художник решил выпустить первый том за собственные средства. Когда в 1861 году «Ад» с с его иллюстрациями увидел свет, то весь тираж мгновенно исчез с полок магазинов. Вопрос о финансировании других томов уже не стоял, и к 1868 году вышли остальные части «Божественной комедии» с рисунками Доре, ставшей мгновенной классикой. В общей сложности он создал около полутора сотен гравюр к произведению Данте.

Фирменный стиль Доре как нельзя лучше совпал со звучанием поэмы. Филигранность в проработке образов, впечатляющая анатомическая достоверность, безграничная фантазия в создании потусторонних ландшафтов наделили его работы магнетизмом, надолго приковывающим взгляд. Французский писатель Теофиль Готье, приятель Доре, считал: «Нет другого такого художника, который лучше, чем Доре, смог бы проиллюстрировать Данте. Он обладает тем визионерским взглядом, который присущ Поэту. Художник создает атмосферу ада: подземные горы и пропасти, хмурое небо, где никогда нет солнца. Этот неземной климат он передает с потрясающей убедительностью».

Другие же считали, что секрет ошеломляющего эффекта от гравюр Доре кроется в явлениях несколько иного порядка: «Мы склонны полагать, что концепция и интерпретация происходят из одного и того же источника, — писал один из критиков после выхода первого тиража издания. — Что Данте и Гюстав Доре передают оккультными и торжественными беседами тайну этого ада, вспаханного их душами, пройденного, исследованного ими во всех смыслах». Как бы то ни было, художнику удалось создать настолько реалистичные и убедительные видения потусторонних миров, что волей-неволей начинаешь верить в его провидческий дар.

Сальвадор Дали

В 1950-х годах правительство Италии заказало испанскому художнику серию иллюстраций для юбилейного издания «Божественной комедии», выход которого был запланирован в 1965 году к 700-летней годовщине со дня рождения Данте Алигьери. Дали с энтузиазмом принялся за дело, но когда итальянская общественность узнала, что эта почетная миссия возложена на плечи испанца, то разразился скандал и заказ на иллюстрации отменили.

Художник не хотел бросать начатое, и при поддержке французского издателя Жозефа Форе решил все-таки окончить работу над циклом. В 1965 году французское издательство Les Heures Claires выпустило ограниченный тираж иллюстраций Дали в виде премиального набора из ста ксилографий в изысканном переплете. Работа по их печати велась в течение пяти лет: мастера вырезали в общей сложности три с половиной тысячи деревянных блоков для оттисков. Чтобы в точности передать все цветовые нюансы акварельных иллюстраций авторства Дали при печати, пришлось вырезать от 20 до 37 досок для каждого отдельного рисунка.

Читайте также  Автопортрет в красном плаще, а. о. орловский, 1809

Часто подлинность отпечатков, созданных по рисункам Дали, подвергается сомнению из-за того, что для быстрого заработка он ставил подпись под десятками тысяч пустых страниц, которые впоследствии могли использоваться для фальсификации. Но в случае с иллюстрациями для «Божественной комедии» издательство тщательно контролировало весь процесс печати гравюр, а после его завершения все доски для оттисков уничтожили.

Акварели Дали радикально отличаются от работ предшественников, когда-либо бравшихся за художественное оформление поэмы Данте. Впрочем, это было довольно ожидаемо: вряд ли бы кто-то удивился, увидев на них знакомые образы и приемы. Дали не таков! Да и с текстом итальянской классики рисунки гения сюрреализма связаны, скажем так, довольно опосредовано. Как обычно, художник предпочел метафорическое и символическое переосмысление средневекового текста, выуживая вдохновение из недр своего подсознания.

Вокруг и около «Божественной комедии»

Естественно, такое мощное литературное высказывание не могло не оставить след в изобразительном искусстве в целом, помимо непосредственно самих иллюстраций. Особенно широкий интерес к поэме возник среди романтиков в 19 веке, тогда и были написаны многие известные картины, связанные с персонажами и образами «Божественной комедии» Данте.

В частности, наибольшее вдохновение у художников того времени вызвала трагическая история любви Паоло и Франчески, описанная в 5 песне «Ада». Ей посвящены картины Энгра, Россетти, Кабанеля, Шеффера и других. Красавица Франческа да Римини, дочь правителя Равенны, была насильно выдана замуж за Джанчотто Малатеста. Она влюбилась в Паоло, младшего брата своего супруга. Когда тот застукал их за прелюбодеянием, то заколол обоих любовников.

Сразу несколько скульптур Огюста Родена также были вдохновлены эпизодами из «Божественной комедии» Данте. Подробную историю самой знаменитой из них читайте в аннотации к «Поцелую».

Гораздо менее романтичны картины Вильяма Бугро и Эжена Делакруа. На первой из них Данте и Вергилий напряженно наблюдают за кровавой борьбой узурпатора Джанни Скикки с алхимиком Капаччо. На второй они пересекают реку Стикс, которая буквально кишит душами грешников, на фоне пылающего Города мертвых.

Уже в 20 веке вышли иллюстрации австрийского художника Франца фон Байроса, известного главным образом благодаря эротическим гравюрам. В случае с рисунками к поэме Данте, отчетливо прослеживается вдохновение творчеством Густава Климта и Альфонса Мухи.

Что касается портретов самого Данте Алигьери, то неизвестно, как он выглядел на самом деле, так как при жизни никто из художников его не писал. Существует посмертная маска поэта, но ее подлинность достоверно не установлена. Поэтому средневековые и ренессансные живописцы руководствовались главным образом описаниями его внешности, оставленными писателем Джованни Боккаччо и историком Джованни Виллани. Так, в «Жизни Данте» Боккаччо писал: «Длинное лицо, орлиный нос, огромные глаза, выдающаяся вперед нижняя челюсть с припухлой нижней губой, кожа коричневого цвета, волосы и борода темны и вьются. В глазах печаль и думы».

Даже дату рождения Данте Алигьери исследователям пришлось вычислять по косвенным свидетельствам, а именно — нескольким строкам из «Божественной комедии». Боккаччо утверждал, Данте родился в мае 1265 года.

Сам поэт сообщал в 22 песне «Рая», что родился под знаком Близнецов. В 1265 году зодиакальное созвездие Близнецов правило с 18 (22) мая по 17 (21) июня, отсюда и приблизительные даты.

История одной картины. Сандро Боттичелли — «Портрет Джулиано Медичи»

Прежде чем приступить к разбору этой картины, я напишу небольшое лирическое отступление.

. Лет, наверно, 15 тому назад (господи, как же быстро летит время!) были мы на экскурсии в Вашингтоне. Экскурсовод у нас был замечательный, очень знающий, интересный. Мы осмотрели город и основные его достопримечательности, и направились в сторону музеев.

И вот зашли мы с нашей группой в Национальную картинную галерею. Это огромный, роскошный музей, один из лучших как в Америке, так и в мире.

Экскурсовод привел нас в какой-то зал, подвел к одной картине и начал спрашивать, что мы на ней видим.

Мы дружно ответили: «Профиль мужчины».

Он сказал: «И это всё?». И продолжил: «Вам кажется, что здесь изображен только один мужчина. Но обратите внимание на детали: на приоткрытую дверь. на птицу. Это же не просто так нарисовано. Все это символы, которые означают. «

И дальше он долго рассказывал о птице, и двери, и о чем-то еще.

. Должна сказать, что в искусстве живописи я абсолютный дилетант. Даже сейчас — несмотря на десятки обойденных мною музеев, тысячи увиденных картин, большое количество уже закомых и узнаваемых художников, множество прочитанных статей по искусству, прослушанных лекций и уроков — я понимаю, что моих знаний для понимания живописи все еще очень и очень мало. Но тогда даже этого багажа у меня не было, и я была не просто дилетантом — я была абсолютным нулём.

И единственно важным на тот момент критерием великой живописи для меня было одно: насколько то, что нарисовано, выглядит похожим на оригинал, но при этом еще и насколько оно выглядит красиво. Да, вот такой вот примитивный взгляд на искусство. Стыдно, но так оно и было.

При таком подходе понятно, что картина, на которой изображен какой-то незнакомый, да еще и не очень красивый мужчина, не могла меня привлечь и заинтересовать. Поэтому я недоумевала, почему из многих картин экскурсовод выбрал именно эту. Мне казалось это откровенной потерей времени. И естественно, что я не запомнила ни ее названия, ни художника, ни смысла ее символики. Хотя помнила, что речь шла о смерти.

Мне сейчас очень жаль, что я не продолжила осмотр музея вместе с ним. Времени у нас было не так много, нам хотелось больше увидеть, а не зависать надолго у таких «неинтересных» картин с таким подробным разбором.

Это теперь я понимаю, что в музеях не надо гнаться за количеством увиденного. И что всегда гораздо эффективней и полезней остановиться подольше у десяти картин, чем пробежать в мыле мимо нескольких сотен, толком их не увидев, но поставив в голове формальную галочку «здесь был Вася».

Но поскольку тогда я действовала именно по второму принципу, то уже через неделю, не говоря уже о сегодняшнем дне, я могла вспомнить только одну картину, которую я там видела — это была маленькая картина, нарисованная Леонардо да Винчи, единственная его картина, находящаяся на американском континенте — «Портрет Джиневры де Бенчи». Всё.

Я была в лучшем художественном музее Америки, но запомнила только одну картину! Ужас!

Хотя я не права. Все эти годы я вспоминала еще одну картину. Да-да, ту самую, с черноволосым мужчиной в красной одежде, с полуоткрытой дверью и птицей, сидящей не то на его плече, не то на руке. Я не могла ее забыть. Возможно именно потому, что она стала первой картиной, которую мне разъяснили и показали, сколько секретов может хранить в себе живопись. Оказалось, что картины можно читать, как книги. Надо только знать их язык.

А еще, возможно, что именно с этой картины и началось мое увлечение живописью и ее открытие для себя.

В общем, я пыталась найти эту картину все последние 15 лет — и не знала как. Последний раз я делала такую попытку где-то месяц назад.

. И вот пару недель назад моя сотрудница рассказывала мне про новый сериал, который она начала смотреть, под названием «Медичи». Она задала какой-то вопрос по поводу братьев Медичи и я полезла в Гугл искать ответ. И тут — я не поверила своим глазам! — я увидела ту самую картину, которую безуспешно искала! Это было просто невероятно!

Все было именно так, как я помнила: и красная одежда, и полуоткрытая дверь, и птица! Радости моей не было предела!

Я тут же проверила, где находится эта картина. Все так и есть — Национальная Галерея в Вашингтоне. Ура! Это она!


Портрет Джулиано Медичи, 1478-80, Боттичелли, Национальная Галерея, Вашингтон

Ну вот. Лирическое отступление закончилось.

А теперь перейдем к самой картине и истории, связанной с ней.

Портрет Джулиано Медичи, 1478-80, Сандро Ботичелли, на доске размером 75 на 52см, находится в коллекции Национальной Галереи Вашингтона.

После убийства Джулиано де Медичи художник Боттичелли написал посмертный портрет друга, и мы видим символы смерти и траура.

26 апреля 1478 года братья Лоренцо и Джулиано де Медичи пришли в воскресенье на службу в кафедральный собор Флоренции. В то утро ничего не предвещало беды, но именно его выбрала семья Пацци, чтобы захватить власть во Флоренции. Правление в городе считалось республиканским, но еще со времен деда Лоренцо — Козимо-старшего — у власти стояла эта влиятельная семья. Их банковские дела шли довольно неплохо, раз папская курия избрала Медичи доверенными банкирами. Но семья Пацци перешла им дорогу и задумала устранить конкурентов не только в Риме, но и во Флоренции. Заговор длился два года и дважды уже срывался. Некоторые сторонники Пацци были не просто флорентийской знатью — среди них были родственники папы римского Сикста Четвертого — пизанский архиепископ, флорентийский кардинал и др.

Лишь один из заговорщиков, узнав, что злодеяние нужно совершить в церкви, когда все Медичи и их друзья будут безоружными, проявил христианские чувства и отказался от своей роли. Это не помешало замыслу.

Во время службы Пацци убивают кинжалом 25-летнего Джулиано. Раненый Лоренцо, его старший брат и уже фактический глава города с 16-ти лет, укрывается в ризнице, всеобщая паника охватила всех присутствующих, которые подумали, что оба брата убиты. Лоренцо Медичи вышел на площадь, восстановив спокойствие народа. Предателей Пацци арестовали, и день 26 апреля стал днем всеобщего траура, заговор Пацци — так он вошел в историю Флоренции. Последовал приговор членам семьи Пацци и их сторонникам — более 80 казненных за предательство.

На переднем плане сухая ветка дерева — метафора прерванной жизни.

Как и сломанная ветка никогда не зацветет весной, так и жизнь не повторится на земле.

Персонаж на картине подчеркнуто отстранен, он уже далеко от живых людей. Взгляд его грустен и обращен вниз.

Горлица на сухой ветви подчеркивает траурную атмосферу, её крики, жалобные и повторяющиеся, ассоциировались с оплакиванием потери.

Связь между настоящим и прошлым мы видим в полузакрытых ставнях на заднем плане портрета, которые скрывают пейзаж и мир за пределами комнаты. Только кусочек синего неба открыт на картине —это будущее для души Джулиано Медичи.

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: