Картина «курильщик» поля сезанна — описание - Тайны со всего мира

Картина «курильщик» поля сезанна — описание

ПОЛЬ СЕЗАНН

Один из лучших французских художников Сезанн во многом определил развитие современного искусства. Его мощная живопись, умение конструировать цветом форму, достижения в передаче пространства и многие другие достижения творчества привлекли к его наследию живописцев разных стран и направлений.

Девиз исканий художника: «Стать классическим посредством природы, то есть посредством ощущений, поправить Пуссена в согласии с природой».

Поль Сезанн родился 19 января 1839 года в маленьком провинциальном городке Экс‑ан‑Прованс. Его отец был владельцем шляпного магазина. Он женился на матери Поля, Анне‑Элизабет, когда мальчику уже исполнилось пять лет.

Поль учился в одной школе с будущим известным писателем Эмилем Золя, который на всю жизнь останется его самым близким другом. Мальчиков сближала любовь к литературе, Поль в то время сочинял стихи на латинском или французском.

В 1852 году Поль стал пансионером «Коллежа Бурбон». Здесь он пребывал до 1858 года, последние два года, до 1858 года, был приходящим учеником. В том же году Поль начинает учиться в Муниципальной школе рисования, страсть к живописи захватила его целиком. При поддержке матери и младшей сестры Мари он получает от отца разрешение посвятить себя живописи и в 1861 году отправляется в Париж.

Некоторое время он учится в академии Сюиса, но уже в сентябре возвращается в Экс. Поль устраивается служащим в отцовском банке и снова посещает рисовальную школу. Через несколько месяцев уезжает в Париж, где проваливается на вступительном экзамене в Школу изящных искусств. Вскоре Поль вновь возвращается в столицу, снимает мастерскую. Отныне жизнь художника связана с двумя городами – Парижем и Эксом.

Париж поразил Сезанна своими музеями. Художник называл Лувр «книгой, по которой мы учимся читать», особенно выделял он испанских и венецианских живописцев. Бывая в столице, Поль сближается с Писсарро, Моне, Сислеем, Ренуаром, Мане. Как и его новые друзья, будущие импрессионисты, Поль охотно проводит время в пригородах столицы: Понтуазе, Овере. Он много работает в окрестностях Экса – в Эстаке, в Гарданне, в имении отца Жа‑де‑Буффан. Со временем поездки в Париж становятся все более редкими.

Уже в ранних произведениях Сезанн ищет способы передачи материальной сущности вещей. Его привлекает творчество Домье с остротой формы, динамикой, смелыми контрастами темных и светлых цветовых пятен.

Творчество этого периода имеет ярко выраженный романтический характер: «Убийство», «Натюрморт с черепом и подсвечником», «Оргия», «Человек в голубом колпаке», «Дядюшка Доминик», «Девушка у пианино».

Можно выделить среди этих работ большой «Портрет отца». Таким образом, Поль, наверное, хотел утвердиться в глазах отца как художник.

В 1870 году началась война с Пруссией. Отец дважды «выкупал» Поля, спасая от призыва в армию. Художник уезжает в Эстак, неподалеку от Марселя. Здесь он живет с молодой натурщицей Гортензией Фике. В 1872 году у них рождается сын Поль.

Как рассказывает Ю.Г. Шапиро: «Брак долгое время держали в секрете от отца. Лишь в 1878 году последний случайно узнал все и наказал сына, наполовину уменьшив средства, которые давал ему на жизнь. Сезанн был вынужден вернуться в Экс, временно оставив жену и маленького сына Поля в Марселе, где их поддерживал, посылая деньги, Золя. Лишь в 1886 году художник смог официально оформить брак с Гортензией Фике. А несколько месяцев спустя, после смерти отца, стал обладателем значительного состояния».

После сближения с импрессионистами Сезанн часто пишет картины на пленэре. Вместе с Писсарро художник работает в Понтуазе под Парижем (1872), а затем переезжает в Овер, где остается до 1874 года.

В этот период Сезанн еще работает в манере импрессионистов, в живописи которых главным была динамика изображения свето‑воздушной среды. Его палитра с образами Понтуаза заметно посветлела, очистилась от черных тонов. В ней зазвучали насыщенные зеленые и золотистые тона. Отказавшись от построения формы с помощью контуров, Сезанн начал лепить ее цветом, от чего форма сделалась более пластичной и весомой. Его упрекают в искажении пропорций, передаче собственного представления о предмете, называют неуклюжим и грубым.

В 1874 и 1877 годах Сезанн выставлялся вместе с импрессионистами. На первую выставку импрессионистов художник представил три картины, в том числе «Дом повешенного» (1873).

Удивительно, но, несмотря на критику, у этой картины нашелся покупатель. Он объяснял удивленным знакомым: «У меня есть гарантия – личное письмо Клода Моне, в котором он заверяет, что картина еще станет знаменитой. Я прикрепил это письмо с задней стороны картины. Если недоброжелатели вздумают надо мной посмеяться, я сразу покажу им письмо!»

На Сезанна нападали еще яростнее, чем на других художников‑импрессионистов. Он отошел от группы, постепенно уединился, стал подолгу жить в Эксе:

«Я решил молча работать вплоть до того дня, когда почувствую себя способным теоретически обосновать результаты своих опытов», – писал художник.

Иллюзорная передача природы и нюансов освещения уже не удовлетворяет Сезанна. Художник стремится показать мир объективно. Он хочет передать постоянные качества природы, найти и запечатлеть на холстах тот извечный порядок и гармонию мироздания, которые он не находил в разрываемой противоречиями социальной действительности своего времени. На смену импрессионистическому «изображаю как вижу» приходит сезанновское «изображаю как есть».

Начинается самый плодотворный период Сезанна – «классической живописи». Между 1882 и 1888 годами внимание его в основном сосредотачивается на пейзаже, в котором художник стремится передать свои ощущения: «Поворот дороги» (1882), «Маленький мост» (1882–1885), «Дома в Эстаке» (1882–1885), «Вид Гарданны» (1885–1886), многочисленные изображения горы Сент‑Виктуар (1885–1887), «Пейзаж с горой святой Виктории» (1885–1887), виды Марсельской бухты.

Один из лучших пейзажей – «Мост через Марну в Кретее» (1888). Здесь Сезанн развертывает пространство в глубину, подчеркивая вместе с тем синтетичность изображения, – отсюда его монументальность. В этом пейзаже достигнуто совершенное равновесие между пустыми и заполненными местами картины, включая отражения, которые, обладая необходимой прозрачностью, тем не менее создают впечатление их объемности. Разнообразие цветов – желтых, красных, зеленых – также включается в общую гармонию контрастов и оттенков синего цвета. Несмотря на различие элементов, в пейзаже полностью достигнуто единство образа, вызывающего представление о совершенстве, силе, уверенности и величии.

После 1890 года и до конца века лучшие шедевры Сезанна – это портреты: «Курильщик» (1892), «Мальчик в красном жилете» (1890–1895), «Пьеро и Арлекин» (1888), «Мадам Сезанн в желтом кресле» (1890–1894), «Портрет садовника Валлье» (1906).

В картине «Пьеро и Арлекин» художник использовал в качестве сюжета два персонажа итальянской комедии масок… Персонажи являют собой вечный конфликт мечтательно‑бездеятельного и демонически‑активного начала. Для Сезанна главным были поиски художественно‑пластического решения. Напряженная, несбалансированная композиция, схематизация фигур открывают пути к появлению экспрессионизма и кубизма.

«Портрет Поля Сезанна» (1890–1894), быть может, самый человечный из всех автопортретов Сезанна. Изображение превосходно вписано в окружающее его пространство, объемно выступая из него как внезапное и мощное видение. «Женщина с кофейником» (1890 и 1894), обращенная лицом к зрителю, предстает перед нами как монументальная башня, поражая массивностью своих форм. Положение фигуры в пространстве и трактовка окружающей обстановки создают полное единство картины. Ярко‑синий цвет платья, облекающего мощное тело, контрастирует с нежным серовато‑розовым цветом фона и ярко‑оранжевым тоном кожи.

По мнению Л. Вентури: «»Картежники» (1890–1892), пожалуй, самая выдающаяся композиция Сезанна. Он много раз изображал этот мотив с большим или меньшим числом игроков, но, быть может, именно в этой композиции он достиг своей цели. Цветовой эффект основан на контрастах между сине‑фиолетовой курткой игрока, сидящего слева, и желтой с синими тенями фигурой игрока справа и на контрасте этих тонов с красными тонами фона и тел с желтым тоном стола. При помощи тысячи нюансов эти тона создают объемность изображений. Их сила и характерность, достоверность действия, крепость общей композиции показывают, что интенсивность цвета не является препятствием для создания единства целого, а напротив, подчеркивает его».

В середине девяностых годов Сезанн начинает работать над портретами, которые требовали многочисленных сеансов (порой до ста) и оставались незавершенными – «Портрет А. Воллара» (1899), «Портрет Г. Жеффруа» (1895).

«Творческие принципы Сезанна наиболее полно раскрылись в многочисленных натюрмортах, – считает Н.Л. Мальцева. – Простые по мотивам, они всегда торжественны, передают материальность мира вещей, как бы наполненного значительным смыслом. Предметный мир в них раскрывается в движении и вместе с тем в незыблемости своего бытия».

Свои первые натюрморты «Черные часы» и «Натюрморт с оловянным чайником» Сезанн написал около 1869–1870 годов. Уже здесь содержание картины, связанное с выразительностью сюжета, уступает место проблеме языка «чистой» живописи, живописи как таковой.

Объекты картин Сезанна настолько вещественны, что кажутся ирреальными. Вместе с тем он умеет обратить наше внимание на красоту вещи, как это видно по его картинам «Горшок с геранью и фрукты» (1890–1894), «Натюрморт с драпировкой» (1898–1899).

Всеобщее признание красоты натюрмортов Сезанна объясняется той убедительностью, с которой он умеет доказать нам, что его «искривленное» видение более правдиво, более достоверно и более жизненно, чем то восприятие реальности вещей, которое свойственно простым смертным.

По своему художественному качеству одно из первых мест в длинном ряду подобных натюрмортов занимает картина «Персики и груши» (1888).

Стремясь предельно выявить формы и объемы предметов, художник применяет новые, не свойственные традиционной европейской живописи, средства выражения. Он отказывается здесь от обычной светотеневой моделировки форм, когда иллюзия объемов предметов создавалась посредством постепенного высветления их поверхностей по мере приближения к более выпуклым их частям. Сезанн использует оптический закон, по которому холодные тона воспринимаются человеческим глазом как более отдаленные, а теплые кажутся находящимися ближе к поверхности холста. Он как бы лепит объемы десятками мелких мазков, причем теплыми оттенками пишет лежащие ближе к нам, а холодными – удаленные планы предметов.

В начале XX века Сезанн создает свою знаменитую теорию, по которой во многом пойдет развитие авангардного искусства. В письме к своему единомышленнику, художнику Бернару, он так излагает свои взгляды: «Нужно вернуться к классицизму через природу, иначе говоря, через ощущение. В природе все лепится на основе шара, конуса и цилиндра. Рисунок и цвет неразделимы, по мере того как пишешь – рисуешь: чем гармоничнее делается цвет, тем точнее становится рисунок. Когда цвет достигает наибольшего богатства, форма обретает полноту. Контрасты и соотношения тонов – вот весь секрет рисунка и моделировки».

Слава приходит к художнику в конце жизни. На картине «В честь Сезанна» Морис Дени изображает вокруг мастера молодых художников, которые восхищаются им: это сам Дени, Редон, Руссель, Серюзье, Вюйяр.

Читайте также  Портрет екатерины ii, дмитрий григорьевич левицкий — описание

В 1904 году проходит большая ретроспективная выставка Сезанна в Осеннем Салоне. На следующий год там же выставлены «Большие купальщицы», над которыми художник работал семь лет. В Экс начинается паломничество художников, коллекционеров и критиков. Сезанн оставался фанатиком живописи до своего последнего вздоха. В конце жизни он из‑за диабета уже не мог далеко ходить пешком, но каждый день в любую погоду, невзирая на болезнь, отправлялся на этюды в повозке.

15 октября 1906 года он простудился, работая на натуре над картиной «Хижина Журдина». 22 октября Сезанн скончался.

Только после смерти художника выяснится, какое огромное творческое наследие он оставил после себя, – восемьсот с лишним полотен, около 350 акварелей и такое же количество рисунков.

Поль Сезанн: картины, биография

Автор:
Павел Ин

Биография художника

Поль Сезанн — имя, хорошо знакомое каждому, кто хоть немного интересуется живописью. Французское искусство прошлого столетия и творческий путь многих европейских художников начала нашего века как бы делятся незримой чертой на два этапа «до Сезанна» и «после».

Знакомство с художественными открытиями этого мастера, большую часть жизни проведшего в своем родном городке на юге Франции — Эксе, было поворотным пунктом в развитии многих живописцев. В чем же суть обновления, которое принес в искусство Сезанн? Уже стали хрестоматийными его слова о законах построения пейзажа: «Трактуйте природу посредством цилиндра, шара, конуса — и все в перспективном сокращении, то есть каждая сторона предмета, плана должна быть направлена к центральной точке. Линии, параллельные горизонту, передают протяженность… Линии, перпендикулярные этому горизонту, дают глубину. А поскольку в природе мы, люди, воспринимаем больше глубину, чем поверхность, то необходимо вводить в колебания света, передаваемые красными и желтыми тонами, достаточное количество голубых, чтобы почувствовать воздух». Но Сезанн был силен не теоретическими высказываниями. Его вклад в искусство — пейзажи, натюрморты, несколько сюжетных картин и портретов.
По возрасту художник был сверстником импрессионистов. Однако его творчество представляло собой уже следующий этап в эволюции художественного видения. Как бы полемизируя с импрессионистами, у которых он многому научился, Сезанн говорил, что хочет создавать картины для музеев — то есть передавать незыблемый, вечный облик натуры в противовес Моне и Писсарро, которые стремились уловить изменчивые черты природы. Его высказывание об основных формах и линиях было обосновано стремлением создать в каждой картине солидную конструктивную основу. Виды юга Франции — большая серия пейзажей с горой Сент-Виктуар и другие работы, а также натюрморты, где варьировалось изображение яблок, кувшина, драпировки или нескольких других обыденных вещей, были важны тем, что в каждой картине была создана особая пространственная система, отличная по своим законам от простых правил прямой перспективы, восторжествовавших в живописи со времен Брунеллески и Пьеро делла Франчески.
В одной картине Сезанн мог соединить несколько точек зрения на предмет, приемы прямой и обратной перспективы. Эти новации утверждали право художника творить особый художественный мир произведения, вдохновленного натурой, но отнюдь не воспроизводящего ее облик как непосредственное отражение.
Сезанн преклонялся перед природой, он утверждал ее величие и красоту. Но он осмелился нарушить законы построения пейзажа, сложившиеся со времени Пуссена. Вначале это принесло ему участь отверженного, впоследствии — всемирную славу основателя нового искусства.
К своим открытиям в живописи Сезанн пришел, конечно, не сразу. Он учился в Эксе в колледже, где изучались и древние языки, и античная литература. Живя в Эксе, можно было почувствовать дух культурной традиции Средиземноморья — колыбели европейской цивилизации. Этому способствовала и окружающая природа. Рядом с Сезанном был его друг — будущий знаменитый писатель Эмиль Золя. Их связывала романтичная дружба. Золя первым уехал в столицу и начал свой путь журналистом, художественным критиком; многие идеи, которые он выдвигал в своих статьях, обсуждались им в беседах и письмах с Сезанном. Когда Сезанн посещал Париж, Золя становился его гидом, посредником при знакомстве с художниками и писателями. Ранние картины Сезанна, созданные им в 1860-е годы, написаны очень темными красками, с большим количеством черного цвета, видно, что иногда художник накладывал краску прямо ножом, широкими пластами. На первых порах его творчество овеяно традицией романтизма. Сезанн зачитывается Виктором Гюго, изучает живопись Делакруа.
Знакомство с импрессионистами, и особенно с Камилем Писсарро, вместе с которым он ходил на этюды и даже скопировал одну его картину, заставило Сезанна совершенно изменить свою палитру. Он избавился навсегда от черного цвета, стал писать чистыми красками, более мелким спокойным мазком. Но если для импрессионистов самую большую роль играла непосредственность впечатления, зрительный образ на плоскости холста, то у Сезанна даже и в работах начала 1870-х годов — периода наибольшей близости с Писсарро и его группой, на первом месте стояло создание продуманной композиции, где пространство передавалось не уплощенно, как у импрессионистов, а уходящим в глубину.
Пейзаж импрессионистов часто соединялся с жанровой картиной. У Моне по глади Сены скользят паруса яхт, у Писсаро виден оставленный в поле крестьянский плуг. У Сезанна пейзаж всегда безлюден. Это мир, которого не затрагивает деятельность человека. Пейзаж «Берега Марны» (1888, Музей изобразительных искусств имени А.С.Пушкина, Москва) написан в центральной Франции. По выбранному мотиву он близок импрессионистическим картинам, но у Сезанна река кажется застывшей, с зеркальной гладью; неподвижными кулисами стоят деревья по берегам. Гамма красок сдержанно-холодноватая, сквозь живописный слой кое-где проглядывает белая грунтовка холста.
В пейзаже «Гора Сент-Виктуар» (1900, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) могучая голубоватая глыба вздымается в небо, царя над теплыми желтовато-охристыми морщинами предгорий, покрытыми клубящейся сине-зеленой растительностью. Чувство наступающего массива гор, умение передать их величие сближают Сезанна с Пуссеном, несмотря на различие их художественных систем.
Натюрморты Сезанна, которые он писал очень подолгу, иногда по несколько месяцев, передают то же ощущение величия, но воплощенное в маленьких, будничных вещах. Его яблоко невозможно было бы надкусить. Складки белых салфеток столь же значительны в своей архитектонической роли, как каннелюры античных колонн. Сезанн строит форму, ищет ее первооснову, выявляет структуру сложных формообразований. Его натюрморты- это творческая лаборатория мастера. От них отталкивались в начале столетия кубисты — Пикассо и другие художники. Но если Сезанн выявлял форму, оставляя ее реальный образ, то кубисты разъяли предмет на части, анализируя его строение.
Многое можно было бы рассказать о проблемах, которые решал в своем творчестве Сезанн, о загадках, которые он оставил для своих исследователей. О Сезанне написано много книг. Различные историки искусства создавали свои теории, объясняющие принципы его искусства, полемизировали друг с другом. Биографы и популяризаторы описывали драматическую жизнь Сезанна — человека страстного, мятущегося, гордого и одинокого. Первое отражение в литературе искусство и жизнь Сезанна получили в известном романе Эмиля Золя «Творчество», вышедшем в свет в 1886 году. Герой романа Клод Лантье отнюдь не целиком списан с Сезанна, это собирательный образ представителя новой плеяды художников, интересы которых вначале защищал Золя в критике. Но писатель разочаровался в новом художественном движении, и Лантье изображен в его романе как неудачник. Выход в свет романа стал причиной разрыва Золя с его прежними друзьями-художниками.
Искусство Сезанна публика не любила и не признавала даже тогда, когда импрессионисты были в моде. Признание к художнику пришло от молодых художников в 1890-1900-е годы. Они навещали его в Эксе, записывали разговоры с ним. Стали устраиваться выставки Сезанна, пользовавшиеся все большим успехом. Но настоящая слава пришла к нему лишь посмертно.


Художественный календарь «Сто памятных дат»,
1989 год.

Поль Сеза́нн

Презентация о французском художнике, ярком представителе постимпрессионизма Поле Сезанне.

Скачать:

Вложение Размер
Презентация «Поль Сеза́нн» 1.69 МБ
Предварительный просмотр:

Подписи к слайдам:

Презентация на тему : Художник-постимпрессионист Поль Сезанн. Работу выполнила: Кулянчич Лиляна 11 «И» класс

Поль Сеза́нн французский художник, яркий представитель постимпрессионизма

Биография Поль Сезанн родился в Экс-ан-Провансе 19 января 1839 года. Он был единственным сыном Луи-Огюста Сезанна и Анны-Элизабет — Онорин Обер. Его отец женился на матери, когда Полю было 5 лет, а старшей из двух его сестер — 3 года . В 1852 году Сезанн учится в колледже Бурбон вместе с будущим известным писателем – Эмилем Золя, который на всю жизнь останется его самым близким другом.

Произведения Произведения Сезанна несут на себе отпечаток внутренней жизни художника. Они наполнены внутренней энергией притяжения и отталкивания. Противоречия были изначально свойственны и психическому миру художника, и его художественным устремлениям.

Курильщик — Поль Сезанн. Между 1890-1892. Холст, масло. Зеленоватым оттенком он, как скульптор, объемно лепит фигуру и расставляет рефлексы цвета на руках мужчины. Сезанн не прописывает глаза курильщика, оставляя вместо них темные пятна краски. Абстрагируясь от бытовых аспектов, он развивает тему отрешенности от повседневной суеты.

Игроки в карты — Поль Сезанн. 1890-1892. Холст, масло. Самих карт на полотне почти не видно, поскольку автор заинтересован фигурами своих героев, их манерой сидеть за столом, сдержанными и одновременно яркими одеждами — то есть пластикой и цветом . Основательны и почти неподвижны игроки — мир вокруг них кажется вылепленным из того же материала, что и они сами. Однородная «фактура» людей и окружающего пространства особенно привлекала художника.

Персики и груши — Поль Сезанн. 1895. Холст, масло. Сезанн сопоставлял различные предметы ( мебель , посуду, фрукты), выявляя их геометризованную сущность — куб, шар, призма, конус, пирамида, цилиндр — при помощи обводки контуров черным цветом. Художник стремится передать не фактуру вещей, а их массу, форму, объем как производное одной субстанции — материи.

Пейзаж в Эксе (Гора Святой Виктории) — Поль Сезанн. 1905. Холст, масло. Поль Сезанн словно спрессовывает время и геологические пласты, смешивает близкие и дальние планы. Е диная цветовая гамма: сгустки синего и зеленого наложены резкими, отрывистыми мазками, кое-где эта плотная синева нарушается яркими оранжевыми включениями, образовывая сложнейшие красочные сочетания. Пространство подчинено кисти живописца: оно то сферически прогибается, то опрокидывается прямо на зрителя.

Пьеро и Арлекин — Поль Сезанн. 1888-1890. Холст, масло. Моделями были сын художника Поль (Пьеро) и его друг Луи Гийом (Арлекин ).Друзья представлены персонажами итальянской комедии, разыгрывающими извечный конфликт темпераментов. Сезанн стремится выявить изначальную геометрию материальных предметов: жесткие, словно из мела, почти острые углы граней гофрированного воротника и конус, поставленный на диск шляпы Пьеро, полемизируют с красно-черными ромбами трико и выгнутой треуголкой Арлекина.

Поль Сезанн. «Современная Олимпия». 1873 г. Масло, холст. Вдохновленный скандальной картиной Мане 1863 года, Сезанн создает здесь необычайно экспрессивную версию этой темы.

« Яблоки». 1878 г . «Ваза с фруктами». 1880 г.

«Каштаны и усадьба в Жа де Буффан». 1876г

«Мадам Сезанн на желтом стуле». 1888-90 г. «Портрет мадам Сезанн». 1885 г .

«Гора Сен-Виктуар с большой сосной». 1887 г.

«Парочки, отдыхающие на берегу пруда». 1875 г.

«Пиршество». 1867 г. «Увертюра к Тангейзеру». 1869 г.

«Искушение Святого Антония». 1867-70 г. «Большие Купальщицы». 1905 г.

Художественное наследие Сезанна составляет больше 800 работ маслом, не считая акварелей и других произведений. Никто не может подсчитать количества работ, уничтоженных, как несовершенные, самим художником за годы своего долгого творческого пути.

Из работ Сезанна можно делать для себя самые разные художественные выводы. Каждый может взять для себя из работ Сезанна то, что хочет, а не то, что диктовал раньше художественный канон. Именно поэтому творчество Сезанна остаётся своеобразной «художественной кладовой» для современных художников.

ПОЛЬ СЕЗАНН

Один из лучших французских художников Сезанн во многом определил развитие современного искусства. Его мощная живопись, умение конструировать цветом форму, достижения в передаче пространства и многие другие достижения творчества привлекли к его наследию живописцев разных стран и направлений.

Девиз исканий художника: «Стать классическим посредством природы, то есть посредством ощущений, поправить Пуссена в согласии с природой».

Поль Сезанн родился 19 января 1839 года в маленьком провинциальном городке Экс‑ан‑Прованс. Его отец был владельцем шляпного магазина. Он женился на матери Поля, Анне‑Элизабет, когда мальчику уже исполнилось пять лет.

Поль учился в одной школе с будущим известным писателем Эмилем Золя, который на всю жизнь останется его самым близким другом. Мальчиков сближала любовь к литературе, Поль в то время сочинял стихи на латинском или французском.

В 1852 году Поль стал пансионером «Коллежа Бурбон». Здесь он пребывал до 1858 года, последние два года, до 1858 года, был приходящим учеником. В том же году Поль начинает учиться в Муниципальной школе рисования, страсть к живописи захватила его целиком. При поддержке матери и младшей сестры Мари он получает от отца разрешение посвятить себя живописи и в 1861 году отправляется в Париж.

Некоторое время он учится в академии Сюиса, но уже в сентябре возвращается в Экс. Поль устраивается служащим в отцовском банке и снова посещает рисовальную школу. Через несколько месяцев уезжает в Париж, где проваливается на вступительном экзамене в Школу изящных искусств. Вскоре Поль вновь возвращается в столицу, снимает мастерскую. Отныне жизнь художника связана с двумя городами – Парижем и Эксом.

Париж поразил Сезанна своими музеями. Художник называл Лувр «книгой, по которой мы учимся читать», особенно выделял он испанских и венецианских живописцев. Бывая в столице, Поль сближается с Писсарро, Моне, Сислеем, Ренуаром, Мане. Как и его новые друзья, будущие импрессионисты, Поль охотно проводит время в пригородах столицы: Понтуазе, Овере. Он много работает в окрестностях Экса – в Эстаке, в Гарданне, в имении отца Жа‑де‑Буффан. Со временем поездки в Париж становятся все более редкими.

Уже в ранних произведениях Сезанн ищет способы передачи материальной сущности вещей. Его привлекает творчество Домье с остротой формы, динамикой, смелыми контрастами темных и светлых цветовых пятен.

Творчество этого периода имеет ярко выраженный романтический характер: «Убийство», «Натюрморт с черепом и подсвечником», «Оргия», «Человек в голубом колпаке», «Дядюшка Доминик», «Девушка у пианино».

Можно выделить среди этих работ большой «Портрет отца». Таким образом, Поль, наверное, хотел утвердиться в глазах отца как художник.

В 1870 году началась война с Пруссией. Отец дважды «выкупал» Поля, спасая от призыва в армию. Художник уезжает в Эстак, неподалеку от Марселя. Здесь он живет с молодой натурщицей Гортензией Фике. В 1872 году у них рождается сын Поль.

Как рассказывает Ю.Г. Шапиро: «Брак долгое время держали в секрете от отца. Лишь в 1878 году последний случайно узнал все и наказал сына, наполовину уменьшив средства, которые давал ему на жизнь. Сезанн был вынужден вернуться в Экс, временно оставив жену и маленького сына Поля в Марселе, где их поддерживал, посылая деньги, Золя. Лишь в 1886 году художник смог официально оформить брак с Гортензией Фике. А несколько месяцев спустя, после смерти отца, стал обладателем значительного состояния».

После сближения с импрессионистами Сезанн часто пишет картины на пленэре. Вместе с Писсарро художник работает в Понтуазе под Парижем (1872), а затем переезжает в Овер, где остается до 1874 года.

В этот период Сезанн еще работает в манере импрессионистов, в живописи которых главным была динамика изображения свето‑воздушной среды. Его палитра с образами Понтуаза заметно посветлела, очистилась от черных тонов. В ней зазвучали насыщенные зеленые и золотистые тона. Отказавшись от построения формы с помощью контуров, Сезанн начал лепить ее цветом, от чего форма сделалась более пластичной и весомой. Его упрекают в искажении пропорций, передаче собственного представления о предмете, называют неуклюжим и грубым.

В 1874 и 1877 годах Сезанн выставлялся вместе с импрессионистами. На первую выставку импрессионистов художник представил три картины, в том числе «Дом повешенного» (1873).

Удивительно, но, несмотря на критику, у этой картины нашелся покупатель. Он объяснял удивленным знакомым: «У меня есть гарантия – личное письмо Клода Моне, в котором он заверяет, что картина еще станет знаменитой. Я прикрепил это письмо с задней стороны картины. Если недоброжелатели вздумают надо мной посмеяться, я сразу покажу им письмо!»

На Сезанна нападали еще яростнее, чем на других художников‑импрессионистов. Он отошел от группы, постепенно уединился, стал подолгу жить в Эксе:

«Я решил молча работать вплоть до того дня, когда почувствую себя способным теоретически обосновать результаты своих опытов», – писал художник.

Иллюзорная передача природы и нюансов освещения уже не удовлетворяет Сезанна. Художник стремится показать мир объективно. Он хочет передать постоянные качества природы, найти и запечатлеть на холстах тот извечный порядок и гармонию мироздания, которые он не находил в разрываемой противоречиями социальной действительности своего времени. На смену импрессионистическому «изображаю как вижу» приходит сезанновское «изображаю как есть».

Начинается самый плодотворный период Сезанна – «классической живописи». Между 1882 и 1888 годами внимание его в основном сосредотачивается на пейзаже, в котором художник стремится передать свои ощущения: «Поворот дороги» (1882), «Маленький мост» (1882–1885), «Дома в Эстаке» (1882–1885), «Вид Гарданны» (1885–1886), многочисленные изображения горы Сент‑Виктуар (1885–1887), «Пейзаж с горой святой Виктории» (1885–1887), виды Марсельской бухты.

Один из лучших пейзажей – «Мост через Марну в Кретее» (1888). Здесь Сезанн развертывает пространство в глубину, подчеркивая вместе с тем синтетичность изображения, – отсюда его монументальность. В этом пейзаже достигнуто совершенное равновесие между пустыми и заполненными местами картины, включая отражения, которые, обладая необходимой прозрачностью, тем не менее создают впечатление их объемности. Разнообразие цветов – желтых, красных, зеленых – также включается в общую гармонию контрастов и оттенков синего цвета. Несмотря на различие элементов, в пейзаже полностью достигнуто единство образа, вызывающего представление о совершенстве, силе, уверенности и величии.

После 1890 года и до конца века лучшие шедевры Сезанна – это портреты: «Курильщик» (1892), «Мальчик в красном жилете» (1890–1895), «Пьеро и Арлекин» (1888), «Мадам Сезанн в желтом кресле» (1890–1894), «Портрет садовника Валлье» (1906).

В картине «Пьеро и Арлекин» художник использовал в качестве сюжета два персонажа итальянской комедии масок… Персонажи являют собой вечный конфликт мечтательно‑бездеятельного и демонически‑активного начала. Для Сезанна главным были поиски художественно‑пластического решения. Напряженная, несбалансированная композиция, схематизация фигур открывают пути к появлению экспрессионизма и кубизма.

«Портрет Поля Сезанна» (1890–1894), быть может, самый человечный из всех автопортретов Сезанна. Изображение превосходно вписано в окружающее его пространство, объемно выступая из него как внезапное и мощное видение. «Женщина с кофейником» (1890 и 1894), обращенная лицом к зрителю, предстает перед нами как монументальная башня, поражая массивностью своих форм. Положение фигуры в пространстве и трактовка окружающей обстановки создают полное единство картины. Ярко‑синий цвет платья, облекающего мощное тело, контрастирует с нежным серовато‑розовым цветом фона и ярко‑оранжевым тоном кожи.

По мнению Л. Вентури: «»Картежники» (1890–1892), пожалуй, самая выдающаяся композиция Сезанна. Он много раз изображал этот мотив с большим или меньшим числом игроков, но, быть может, именно в этой композиции он достиг своей цели. Цветовой эффект основан на контрастах между сине‑фиолетовой курткой игрока, сидящего слева, и желтой с синими тенями фигурой игрока справа и на контрасте этих тонов с красными тонами фона и тел с желтым тоном стола. При помощи тысячи нюансов эти тона создают объемность изображений. Их сила и характерность, достоверность действия, крепость общей композиции показывают, что интенсивность цвета не является препятствием для создания единства целого, а напротив, подчеркивает его».

В середине девяностых годов Сезанн начинает работать над портретами, которые требовали многочисленных сеансов (порой до ста) и оставались незавершенными – «Портрет А. Воллара» (1899), «Портрет Г. Жеффруа» (1895).

«Творческие принципы Сезанна наиболее полно раскрылись в многочисленных натюрмортах, – считает Н.Л. Мальцева. – Простые по мотивам, они всегда торжественны, передают материальность мира вещей, как бы наполненного значительным смыслом. Предметный мир в них раскрывается в движении и вместе с тем в незыблемости своего бытия».

Свои первые натюрморты «Черные часы» и «Натюрморт с оловянным чайником» Сезанн написал около 1869–1870 годов. Уже здесь содержание картины, связанное с выразительностью сюжета, уступает место проблеме языка «чистой» живописи, живописи как таковой.

Объекты картин Сезанна настолько вещественны, что кажутся ирреальными. Вместе с тем он умеет обратить наше внимание на красоту вещи, как это видно по его картинам «Горшок с геранью и фрукты» (1890–1894), «Натюрморт с драпировкой» (1898–1899).

Всеобщее признание красоты натюрмортов Сезанна объясняется той убедительностью, с которой он умеет доказать нам, что его «искривленное» видение более правдиво, более достоверно и более жизненно, чем то восприятие реальности вещей, которое свойственно простым смертным.

По своему художественному качеству одно из первых мест в длинном ряду подобных натюрмортов занимает картина «Персики и груши» (1888).

Стремясь предельно выявить формы и объемы предметов, художник применяет новые, не свойственные традиционной европейской живописи, средства выражения. Он отказывается здесь от обычной светотеневой моделировки форм, когда иллюзия объемов предметов создавалась посредством постепенного высветления их поверхностей по мере приближения к более выпуклым их частям. Сезанн использует оптический закон, по которому холодные тона воспринимаются человеческим глазом как более отдаленные, а теплые кажутся находящимися ближе к поверхности холста. Он как бы лепит объемы десятками мелких мазков, причем теплыми оттенками пишет лежащие ближе к нам, а холодными – удаленные планы предметов.

В начале XX века Сезанн создает свою знаменитую теорию, по которой во многом пойдет развитие авангардного искусства. В письме к своему единомышленнику, художнику Бернару, он так излагает свои взгляды: «Нужно вернуться к классицизму через природу, иначе говоря, через ощущение. В природе все лепится на основе шара, конуса и цилиндра. Рисунок и цвет неразделимы, по мере того как пишешь – рисуешь: чем гармоничнее делается цвет, тем точнее становится рисунок. Когда цвет достигает наибольшего богатства, форма обретает полноту. Контрасты и соотношения тонов – вот весь секрет рисунка и моделировки».

Слава приходит к художнику в конце жизни. На картине «В честь Сезанна» Морис Дени изображает вокруг мастера молодых художников, которые восхищаются им: это сам Дени, Редон, Руссель, Серюзье, Вюйяр.

В 1904 году проходит большая ретроспективная выставка Сезанна в Осеннем Салоне. На следующий год там же выставлены «Большие купальщицы», над которыми художник работал семь лет. В Экс начинается паломничество художников, коллекционеров и критиков. Сезанн оставался фанатиком живописи до своего последнего вздоха. В конце жизни он из‑за диабета уже не мог далеко ходить пешком, но каждый день в любую погоду, невзирая на болезнь, отправлялся на этюды в повозке.

15 октября 1906 года он простудился, работая на натуре над картиной «Хижина Журдина». 22 октября Сезанн скончался.

Только после смерти художника выяснится, какое огромное творческое наследие он оставил после себя, – восемьсот с лишним полотен, около 350 акварелей и такое же количество рисунков.

Оценка, продажа и реализация картин Р.Р. Фалька

Талантливый авангардист и модернист Р.Р. Фальк

Будущий художник Роберт Рафаилович родился в 1886 году в московской еврейской семье. Его отец работал в юридической сфере и был шахматным журналистом.

Художественная стезя Фалька началась еще в детстве, когда он брал уроки у молодых художников К. Юона и И. Машкова. В те времена родственники не поддерживали увлечение юноши живописью и считали это несерьезным занятием. Однако молодой человек уже принял решение стать художником и в 1905 году поступил в Московское училище живописи, где учился у таких мэтров, как А. Васнецов, К. Коровин, В. Серов. Через несколько лет обучения Фальк оказался в числе тех студентов, которых исключили за бунт против авторитарных методов преподавания.

Не желая следовать канонам академической школы, молодой художник принял участие в организации художественной группы авангардистов под названием «Бубновый валет».

Известность пришла к Фальку с приходом советской власти. Он работал в отделе изобразительных искусств Наркомпроса, преподавал в художественных заведениях, трудился деканом в Высших художественно-технических мастерских. Работал он в разных направлениях: создавал портреты, натюрморты, пейзажи, а также прославился как яркий театральный художник.

В 1928 году Фальк уехал в Париж и вернулся оттуда в самое неудачное время — в 1937 году. Хотя живописцу удалось избежать сталинских репрессий, его обвинили в формализме и даже негласно запрещали давать ему любую работу. Постепенно его имя упоминалось все реже. Ситуацию осложнила смерть сына-фронтовика в 1943 году, которая стала серьезной потерей для художника. Его здоровье стало быстро ухудшаться. Фальк провел последние годы жизни в изоляции, в московской мастерской. В 1958 году в возрасте 71 года художник ушел из жизни.

Творческие периоды художника

В студенческие годы Фальк познакомился с такими неординарными художниками, как Петр Кончаловский и Василий Рождественский. Молодых живописцев объединял интерес к темпераментному творчеству француза Поля Сезанна и к яркому примитиву народного лубка. Бунтари считали современное им искусство слишком тривиальным и буржуазным. Так появилось общество «Бубновый валет».

Московская выставка работ общества в 1912 году стала шоком для публики, воспитанной на классической живописи. Ее посетило больше восьми тысяч человек. Члены «Валета» соревновались друг с другом в эпатаже. Фальк отличался от товарищей скромностью, в нем не было желания непременно поразить зрителя.

Живопись Фалька раннего периода называют «лирическим кубизмом». Кубисты изображали предмет с разных сторон одновременно. Используя несколько слоев краски, контрастные, яркие сочетания цветов, искажение формы объектов, Фальк стремился усилить эмоциональную выразительность картин.

В двадцатые годы у художника проявилась любовь к портретному творчеству Рембрандта, с его вниманием к пластике, положению тела в пространстве. Фальк всегда стремился познакомиться с моделями, узнать об их привычках и стремлениях, чтобы более полно выразить характер человека на холсте.

В 1928 году советское государство делегировало Фалька в Париж для изучения французской классической живописи. Проведенные в Париже годы были весьма плодотворными в плане творчества. Здесь он близко познакомился с работами импрессионистов, получил новые впечатления и душевные переживания, что создало благодатную почву для новых живописных произведений. Особенно художника поражали виды Парижа с его динамикой и выразительностью. В этот период он написал много пейзажей бедных кварталов города, выдержанных в серебристых тонах.

В Советском Союзе художник был обвинен в формализме, отходе от чаяний трудящихся. Фальк лишился возможности участвовать в выставках и вынужден был зарабатывать на жизнь оформлением театральных спектаклей и частными уроками.

Уходы на аукционах, цена картин Фалька

В годы своей жизни художник добился славы и признания. Выясним, сколько стоят картины Фалька сегодня и каков спрос на них. В этом нам помогут сведения с известных аукционов. Начнем рассмотрение этого вопроса с четырех самых крупных уходов по росту цены.

В 2014 году на аукционе MacDougall`s была выставлена уникальная картина, содержащая в себе сразу три других произведения. Она называется «Мальчик с кепкой, сидящий на стуле» и относится к серии картин о сидящих на стульях детях, которую художник создал в период 1908-1911 гг. С другой стороны холста изображены еще две работы. Другие художники редко прибегали к необходимости рисовать на второй стороне картины, но для Фалька это было делом обыденным. Не считая уже законченную работу чем-то значительным и не имея под рукой холста, он частенько создавал новое произведение на его обратной стороне.

В данном случае на второй стороне холста появилось сразу две картины: «Рыбак-курильщик» и «Полевые цветы». Первая из них была создана в 1938 году, то есть спустя почти тридцать лет после «Мальчика с кепкой». Она появилась уже после поездки художника вначале в Париж, а затем в Алупку и имеет характерные для парижских работ Фалька черты. Вторая из них написана еще в более поздний период — в 1945 году во время поездки на дачу ученика художника.

На торгах оригинальную работу оценили по достоинству. При эстимейте 0,8-1,2 млн фунтов картину продали за 1 млн фунтов (1,7 млн долларов).

Вторая крупная продажа прошла на торгах Christie`s в 2005 году. Тогда внимание коллекционеров привлекла работа «Женщина с розовым веером», написанная художником в 1922 году. В ходе аукциона большое полотно размером примерно метр на метр ушло за 1 млн фунтов (1,7 млн долларов) при эстимейте 220-320 фунтов стерлингов.

Третий уход состоялся на Sotheby`s в 2008 году, когда здесь выставили картину «Деревья». Специалисты считают эту работу типичной для раннего творческого периода Фалька, когда он увлекался изображением лесных массивов. В ходе торгов холст ушел за 937 тыс. фунтов (1,8 млн долларов) при эстимейте 500-700 тысяч.

Но самая крупная продажа картин Фалька прошла в аукционном доме Bonhams. В 2013 году на торги попала картина «Леди в сиреневом», в которой художник запечатлел свою первую жену Елизавету Сергеевну Потехину. Картина происходит из коллекций Чудновского, Шустера и Крюкова и была неоднократно представлена на выставках. С 1913 года ее демонстрировали на выставках в Санкт-Петербурге, Москве, Хельсинки, Милане и других городах.

На торгах картина ушла за 1,2 млн фунтов (почти 2 млн долларов), установив рекорд для официальных уходов полотен Фалька. Правда, по сообщению специалистов Sotheby`s, в 2013 году в их аукционном доме состоялся еще более крупный уход. Еще до начала ноябрьских торгов частный коллекционер из России купил картину «Мужчина в котелке. Портрет Якова Каган-Шабшая», отдав за нее в несколько раз больше размера эстимейта, который составлял 2,5-3,5 млн фунтов. Точную сумму покупки в Sotheby`s не разглашают.

Вернемся к вопросу о том, сколько стоят картины Фалька. Чтобы не сложилось впечатление, что все работы художника уходят за миллионы долларов, рассмотрим примеры менее крупных продаж. Чаще всего на разных аукционах пользуются спросом пейзажи, натюрморты и портреты Фалька. Например, в последние десятилетия уходили такие картины: «Портрет мужчины в красном галстуке» (Sotheby`s, 2007 г., 712 тыс. долларов), «Дуб» (Christie`s, 2013 г., 326 тыс. фунтов), «Париж. Улица» (Sotheby`s, 2008 г., 43 тыс. долларов), «Дом у дороги. Париж» (Sotheby`s, 2007 г., 4,2 тыс. долларов).

О том, как определить стоимость конкретного холста, где и как продать картины Фалька, мы поговорим далее.

Особенности продажи и экспертизы картин Фалька

Как оценить картину Фалька

Так как произведения художника могут стоить внушительные суммы, оценивать их самостоятельно не рекомендуется. Это связано с возможностями, которые открывает профессиональная экспертиза картин Фалька. В частности, с помощью лабораторного оборудования можно установить авторство, проследить все стадии работы над картиной, в ходе литературных исследований найти ценную информацию о произведении и многое другое. Чем больше интересной информации будет получено, тем выше может быть стоимость конкретного полотна. Профессионально оценить картину Фалька можно у нашего партнера — в Центре научной экспертизы имени Бенуа.

Как и где продать картину Фалька

Чтобы продать ценное произведение по выгодной цене, разместите информацию о нем на нашем сайте. Здесь вашу картину увидит обширная аудитория ценителей искусства и сможет купить ее по привлекательной цене (подробнее о реализации картин Фалька).

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: