Картина густава климта "смерть и жизнь", описание - JEKATERINBURG.RU

Картина густава климта «смерть и жизнь», описание

Кому Климт посвятил свои малоизвестные портреты, вокруг которых и сегодня витают догадки и споры

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Жизнь Густава была яркой и насыщенной. Он никогда не сидел без дела и постоянно совершенствовал свои навыки и мастерство, экспериментируя то с одним, то с другим направлением и формой. И совсем неудивительно, что в ранние годы он был удостоен стипендии от школы искусств, которая располагалась в Вене, где проходил обучение в качестве архитектурного художника.

В скором времени, Густав и его брат Энрст ,который мечтал пойти по стопам отца и заниматься гравюрой, а также друг Франц Мачшем решили заниматься творчеством совместно. Благодаря этому к 1880 году молодые люди получили уйму заказов, которые заключались в создании фресок специально для Художественного венского исторического музея.

После столь колоссального успеха они открыли студию, специализирующуюся на отделке интерьеров, в частности, театров, украшая их по всей Австро-Венгерской империи. И многие их работы до сих пор можно увидеть там.

Спустя пять лет им было поручено украсить загородную резиденцию императрицы Елизаветы, виллу Гермес близ Вены (Сон в летнюю ночь). А ещё через год художников попросили украсить Венский Бургтеатр, фактически признав их передовыми декораторами Австрии.

Когда работа была завершена, художники были награждены золотым крестом службы Verdienstkreuz, а Климту было поручено нарисовать зрительный зал старого Бургтеатра — работа, которая прославила его на весь мир.

Эта картина с её почти фотографической точностью считается одним из величайших достижений в живописи натуралистов. В результате Густав был удостоен Императорской премии и стал модным портретистом, а также ведущим художником своего времени. Парадоксально, но именно в этот момент, когда перед ним развернулась сказочная карьера художника-классициста, он начал обращаться к радикально новым стилям искусства.

В последующие несколько лет артистическое трио распалось. Франц хотел заняться портретной живописью, что он и сделал с некоторым успехом. Между тем, изменившийся стиль Густава не позволял им работать вместе над каким-либо проектом. Кроме того, Эрнст умер в 1892 году, вскоре после смерти их отца.

Поражённый этой двойной трагедией, Густав отошёл от общественной жизни, сосредоточившись на экспериментировании и изучении современных стилей искусства, а также исторических стилей, которые игнорировались в рамках истеблишмента, таких как японское, китайское, древнеегипетское и микенское искусство.

Но в скором времени он приступил к работе над своей последней общественной комиссией: картинами «Философия, Медицина и Юриспруденция» для Венского университета. Три из них будут завершены только в начале 1900-х годов, и они будут подвергнуты суровой критике за их радикальный стиль и то, что было, согласно нравам того времени, непристойностью. К сожалению, картины были уничтожены во время Второй Мировой Войны, и от них остались только чёрно-белые репродукции.

Художник был не одинок в своём противостоянии австрийскому художественному истеблишменту того времени. В 1897 году он вместе с сорока другими известными венскими художниками вышел из Академии художеств и основал «Союз австрийских художников», более известный как Сецессион, где тут же был немедленно избран главой. Хотя у Союза не было чётко определённых целей или поддержки определённых стилей, он был против классицистического истеблишмента.

В начале 1900-х годов художник завершил «Бетховенский фриз», что был представлен в результате на четырнадцатой сепаратистской выставке в городе Вена. Она должна была стать особым торжеством в честь известного композитора, а потому включила в себя многие работы, вдохновленные им, в том числе и полихромную скульптуру, которую создал Макс Клингер.

Несмотря на свою популярность, художник предпочитал проводить время наедине с собой, собственными мыслями и работой, а также ему доставляло удовольствие отдыхать летом с семьёй Флеге на берегу Аттерзее, где, предаваясь вдохновению, он писал великолепные пейзажи.

Картины Густава в Аттерзее заслуживают отдельной оценки и поистине достойны восхищения, ведь большую часть из них он написал, глядя в телескоп.

«Золотая фаза» художника была воспринята на ура, как публикой, так и со стороны критики. Многие из его картин этого периода были созданы с использованием сусального золота, что делало каждую работу уникальной в своём роде.

Несмотря на то, что художник мало путешествовал, именно посещение таких мест, как Венеция и Равенна, вдохновили его на создание его уникальной золотой техники с оттенком византийского стиля.

Ко всему прочему, он приложил немало усилий в совместном труде над созданием оформления Дворца Стокле, что в конечном итоге будет признан достоянием и одним из главных исторических ценностей модернизма.

Помимо всего этого, Густав написал пять картин с изображением светских дам, которые были одеты в меховую одежду. В этих работах проявлялся его восторг и тяга к деталям, что особенно ярко демонстрируется в изображении одежды и костюмов. Некоторые из них, так называемые одежды для моделирования, он создал специально для своей возлюбленной Эмилии Флёге.

Его слава позволяла ему быть придирчивым и избирательным, поэтому он очень тщательно проводил отбор своих моделей, работая усердно и кропотливо над каждым портретом, требуя максимальной сосредоточенности или раскованности от своих клиентов.

Ближе к 1910 году Густав окончательно отошёл от своего золотого стиля, создав напоследок финальную картину «Смерть и жизнь», которая была представлена на международной выставке в Риме, где заняла первое место. Однако, несмотря на это, художник остался недоволен данным произведением искусства и ровно через год заменил фон с золотого на синий.

Перенеся инсульт и воспаление лёгких, Густав умер ровно через три года со дня гибели его любимой матери. Его похоронили на территории кладбища Хетцинг в городе Вена, соответственно, он так и не успел закончить большую часть своих картин. Его работы зачастую отличаются элегантным золотым или цветным декором, спиралями и завитками, а ещё фаллическими формами, используемыми для сокрытия более эротических положений рисунков, на которых основаны многие из его картин.

Историки искусства отмечают эклектичный диапазон влияний, способствующих отличительному стилю Климта, включая египетское, минойское, классическое греческое и византийское вдохновение. Он также был вдохновлён гравюрами Альбрехта Дюрера, а его более поздние работы характеризуются отказом от ранних натуралистических стилей и используют символы или символические элементы для передачи психологических идей и подчеркивания свободы искусства от традиционной культуры. Впрочем, каждая созданная им картина считается уникальной, даже те, о которых мало кто знает.

Портреты Эмилии Флеге

В 1891 году, когда эта картина была закончена, был заключён союз между семьями Климта и Флеге. Брат Густава, Эрнст, женился на сестре Эмили, Элен. Эмили было тогда семнадцать лет, Густав был на двенадцать лет старше, и это была их первая встреча, которая впоследствии привела к дружбе на всю жизнь. Три года спустя он нарисовал её снова, на этот раз в определённом месте. Стоит также отметить тот факт, что данная работа предназначалась для Бургтеатра в Вене, а не для семейного салона.

Портрет Мари Брейниг

Мари Брейниг родилась в скромных условиях, но вышла замуж за успешного бизнесмена. Это позволяло ей часто бывать в венском обществе. Она подружилась с сёстрами Флеге и стала клиенткой их модного салона.

Несмотря на то, что многие искусствоведы и историки знали об этом портрете, тем не менее, он до сих недоступен для всеобщего просмотра, так как владельцы хотят сохранить свою анонимность. Ко всему прочему, это единственный портрет, оставшийся в первоначальном семейном владении, который всё ещё висит на своём предназначенном месте.

Портрет неизвестной женщины

Картина была описана как «Портрет неизвестной женщины», но некоторые интерпретируют эту даму как Фрау Хейман, поскольку музей приобрёл картину у коллекционера доктора августа Хеймана по завещанию. Если вы посмотрите на фон портрета, вы заметите простые и довольно стереотипные цветочные узоры, которые предвещают стилистические изменения, которые сепаратистская «Ver Sacrum» введёт через три года.

Портрет сидящей молодой девушки

Несмотря на размер репродукции, этот портрет на самом деле очень мал: 14 на 9 см и написан на дереве, а не на холсте. Композиция напоминает портрет Марии (вверху). Незнакомая девушка одета в модное платье и смотрит прямо на зрителя. Есть идеи, кто бы это мог быть?

Портрет Элен Климт

Элен было всего два месяца, когда её отец, брат Густава, скончался. Густав взялся за опекунство над девочкой и пообещал её матери помощь. Девочка стала гордостью семьи, и когда она выросла, она присоединилась к модному дому Floge, помогая с администрацией, бухгалтерией и консультируя клиентов. В этом портрете доминирует чёткая стрижка боб-каре девушки, которая затем дополняется импрессионистическим изображением Климтом её белой блузки всего в нескольких штрихах.

Испокон веков жизнь и творчество художников было у всех на слуху и виду. Одних боготворят, вознося до небес, других – осуждают, обвиняя во всех смертных грехах, а третьих – обсуждают, приписывая то, чего зачастую не было на самом деле. Исключением не стал и Модильяни, вокруг которого бушевали не утихающие страсти со стороны общественности, желающей узнать, а что же его на самом деле связывало с Ахматовой, и что стало причиной смерти Жанны Эбютерн.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Смерть и жизнь

Выбрать раму:

Галерейный подрамник вешается на стену без рамы в виде постера. Галерейная натяжка — вид безрамного оформления репродукций на холсте. Картина на холсте натягивается на подрамник, и закрепляется не на боковой стороне, как принято а сзади. На боковые стороны обычно попадает или часть изображения или специально напечатанное фоновая заливка цветом в тональности картинки (пожелания лучше уточнять по телефону). Холст аккуратно заворачивается в углах и выглядит прекрасно без рамы.

Выберите обычный подрамник для выбора рамы.

Густав Климт — «Смерть и жизнь»

Год создания: 1915

Описание картины Густава Климта «Смерть и жизнь»

Густаву Климту, как и его братьям, талант художника, видимо, передался по наследству от отца, который по профессии был ювелиром и гравером. В четырнадцатилетнем возрасте Густав начинает обучение в художественном училище. Юноша был настолько одаренным, что по окончании учебы вместе со своим братом Эрнстом и лучшим другом Францем Матчем получал очень серьезные заказы по росписи фресками многих австрийских театров. В 23 года молодому Густаву император Франц Иосиф вручает за его достижения в искусстве Золотой крест – неслыханная для его возраста награда. С этих пор Густав навсегда распрощается с бедностью, а вступит на дорогу славы, богатства и известности.

Читайте также  Картина "рожь", саврасов, 1881

Первые работы Г. Климта выполнялись в стиле натурализма, характерного для живописи того времени, однако к тридцати годам в его работах наблюдаются первые характерные элементы присущей лишь ему индивидуальности. На его полотнах все большее занимают место орнаментальные детали.

«Смерть и жизнь» создавалась Г. Климтом в 1911 г. и сразу же на римской Всемирной выставке была удостоена приза. Картина выполнена в свойственной мастеру манере: присутствует напыление золота, мозаика из мрамора, полудрагоценные камни, эмаль.

С левой стороны танцующая Смерть, фигуру которой скрывает покрывало в темно-синих и черных тонах с разбросанными по нему крестами, уже занесла свое оружие над головами безмятежно спящих людей. В основном это женщины и дети. Они не чувствуют нависшей угрозы. От вершительницы судеб их отделяет черная полоса неизвестности. Возможно, картина написана в момент, когда художник переживал часто повторяющуюся у него депрессию, поэтому так мрачен сюжет и краски. Во всяком случае, в дальнейшем это не наблюдается в работах автора, его полотна вновь засияют насыщенностью ярких цветов.

«Смерть и жизнь» — картина глубоко символичная и полная аллегорических отсылок. Полотно условно делится на две части, которые противопоставлены одна другой размерами, количеством персонажей и даже цветом.

Смерть грозная и пугающая, но она в меньшинстве, тонкая и слабая, ей не побороть пышущую здоровьем Жизнь. Несмотря на неизбежность прихода Смерти, ей никогда не победить вечно возрождающуюся жизнь. Этот мотив на картине Климта подчеркивается даже числом фигур.

Смерть, жадно глядящая на проявления Жизни, одинока и несчастна, ее мрачную сущность подчеркивают даже цвета ее одежды – тоскливые синие, фиолетовые и черные тона, «украшенные» многочисленными могильными крестами. Ее удел – отнимать радость, забирая всех подряд – от сгорбленной усталой старухи, крепких и сильных влюбленных, юных девушек и счастливых матерей до пышущих здоровьем розовотелых пухлых младенцев. Такова ее сущность.

Пестрое лоскутное одеяло Жизни демонстрирует ее непобедимость. Как бы ни была сложна или трудна жизнь, она всегда полна счастья и ярких красок.

Живопись Климта, несмотря на достаточно мрачный, практически библейский сюжет, жизнеутверждающая и оптимистичная. Даже в этом полотне Жизнь заполняет большую часть картины, оттесняя Смерть в сторону и отвлекая от нее внимания своими сочными нарядными красками и великолепно изображенными обнаженными телами.

Густав Климт: «Нравиться многим — зло»

«Каждому времени — свое искусство. Каждому искусству — свободу», — девиз австрийских художников, пресыщенных обветшалым, официально признанным академизмом и вдохновлённых новыми течениями в искусстве, взбудоражившими Европу конца 19 — начала 20 века. Сегодня речь пойдёт о модерне, получившем в Австрии название «Венский Сецессион» (от немецкого Secession — отделение, обособление) — австрийский вариант Югендстиля.

Общество австрийских модернистов возникло в 1887 году, объединив в своих рядах виднейших архитекторов, художников, прикладников, иллюстраторов, писателей и поэтов. В отличие от академического искусства, тяготеющего к реализму и историзму, модерн ставил во главу угла символ, ставший ядром модернистской концепции и источником художественного своеобразия. Модернисты стремились проникнуть за завесу видимой реальности, постигнув её скрытое символическое значение. Они ставили перед собой задачу обнаружить присутствие таинственного, непостижимого слоя бытия, скрытого по ту сторону привычного, и запечатлеть его с помощью мифологических образов, аллегорий, ассоциаций и символических образов. Объёмное, реалистичное представление уступило место декоративному, плоскостному, со своей собственной, весьма сложной, системой знаков, смысл которых раскрывался лишь в контексте и во многом зависел от самого зрителя, от его, так сказать, бэкграунда.

Сердцем Венского Сецессиона стал журнал «Ver Sacrum» (Святая весна), публикующий литературные и художественные работы сецессионистов, в том числе стихи Рильке и иллюстрации Климта.

«Сонеты к Орфею» Райнер Мария Рильке
перевод Карена Свасьяна

Спелость груши, яблока, банана,
ягоды. О, что за разговор
смерть и жизнь ведут во рту. И странно
на лице ребенка этот спор
слушать мне. Как вкусен он и сладок,
безымянный. И под нёбом рта
вместо слов теперь струятся клады,
сбросив плоть и смерть во рту найдя.
Кто дерзнул бы яблоком назвать
эту сладость, плотную вначале,
и потом пролившуюся в дали
вкуса? Кто бы смог её унять,
смесь земли и солнца, как? откуда? —
Опыт, чувство, радость, — чудо! чудо!

«Если ты не можешь твоими делами и твоим искусством понравиться всем, понравься немногим. Нравиться многим — зло» — Шиллер

Именно Густав Климт стал идейным вдохновителем австрийского модерна. В конце 19 века он был уже известным и весьма преуспевающим художником, имеющим «Золотой крест» за заслуги в искусстве и звание почётного члена Мюнхенского и Венского университетов. Однако традиционная живопись ему уже изрядно наскучила. Окончательный отход Климта от академизма начался в 1984, когда ему и его коллеге Францу Матчу предложили расписать Большой зал Венского университета. Дуэт довольно быстро распался — художникам не удалось договориться о единой стилистике оформления. В итоге Матч от заказа отказался и Климт в одиночестве закончил работу. Им были написаны три картины — «Философия», «Медицина» и «Юриспруденция», получившие название «факультетские».

«Философия» была выставлена в 1900 году на выставке Сецессиона, вот тут-то и разразился скандал. Восемьдесят семь профессоров университета обвинили Климта в том, что он «выражает неясные идеи c помощью неопределённых форм», и обратились в Министерство образования с требованием забрать у него заказ. Дело было в том, что Климт посмел изобразить не прогрессивную сторону науки, а тёмную, теневую. «Философия» не просвещала, а заводила людей в аллегорический туман, «Медицина» вместо исцеления равнодушно отворачивалась от толпы умирающих, а «Юриспруденция» не защищала от несправедливости, а безжалостно обрушивалась на человека-жертву в лице трёх злобных фурий. И все это было сдобрено изрядной долей чувственности и откровенного эротизма. Кстати, в этом же 1900-м году «Философия» удостоилась золотой медали на Всемирной выставке в Париже. В итоге, картины-аллегории не были выставлены в Университете, их купил известный меценат Август Ледерер. К сожалению, его коллекция была безвозвратно утеряна, сгорев во дворце Иммерхоф в 1945 году. Остались только разрозненные предварительные наброски, черно-белые снимки трёх картин плохого качества и одна цветная фотография Гигеи из «Медицины», поражающая мощью и себе представить, насколько оглушительное впечатление производили утерянные полотна!

С этих пор Климт начал писать только то, что ему было интересно и в той самой манере, которая заставляла обывателей и конформистов с пеной у рта кричать о вульгарности, эпатаже и порнографии. Программная «Голая правда» (Обнажённая истина) стала очередным вызовом немецкому пуританству и моралите. Рыжеволосая женщина, нарочито чувственная и бесстыдная, олицетворяла пламя, обнажающее непрекрытую истину, обычно прикрываемую ложью, лицемерием и притворством. Надпись на картине гласила: «Правда — это огонь. Огонь освещающий и испепеляющий». Полотно вызвало яростные споры, от художника потребовали умерить пыл, пригрозив финансовым вакуумом, проще говоря, отсутствием заказов.

Однако не тут-то было. Чем больше разгневанные и раздосадованные мужчины старались загнать в жёсткие рамки пылкую, обнажающую самую суть жизни, кисть Климта, тем больше женщины восхищались и боготворили талант художника. Так была создана знаменитая «Галерея жён», запечатлевшая супруг местных банкиров и промышленников. Написанный мастером портрет превращал самую заурядную Грэтхен в воплощение Анимы, вечной женственности, манящей и недостижимой. Он видел в этих женщинах нечто такое, что невозможно было объяснить словами — неиссякаемый источник любви и тайны. При этом портретное сходство с моделью было практически фотографическим. За каждый портрет Климт получал кругленькую сумму, что позволяло ему не только не зависеть от официальной точки зрения на его живопись, а с успехом продолжать свои смелые поиски.

До 1905 года Климт оставался на посту главы Венского Сецессиона и продолжал изощрённо поддразнивать и искушать консервативную публику своими экстравагантными работами. На одной из его выставок известный коллекционер граф Ласкоронски, причитая: «Какой ужас!», выбежал из зала, а некоторые, особо рьяные ненавистники, выдвигали предложения судить Климта за аморальность, выслать из страны за непристойное поведение и даже кастрировать за извращённую сексуальность. Кажется, что художнику эта реакция напыщенно добропорядочных сограждан доставляла некоторое удовольствие, и он продолжал волновать закосневшие в жёстких рамках пуританской морали умы и души. Очередное полотно Климта, названное «Моим критикам», ясно продемонстрировало его отношение к нападкам и хуле — передний план картины занимал роскошный женский зад. После выставки картине дали менее провокационное название «Золотые рыбки».

Однако в 1905 году Климт не только потерял всякий интерес к баталиям вокруг «непристойной эротичности» его работ, но и разошёлся во взглядах на искусство с представителями Венского Сецессиона. Он оставил пост главы общества, основал Союз австрийских художников и, вдохновлённый византийскими мозаиками, круто изменил свою творческую манеру, положив начало прославленному «Золотому периоду» Густава Климта. Вот и пригодились полученные им в юности навыки ювелира! Теперь портреты Климта больше похожи на иконы в роскошных золотых окладах. В тончайших переплетениях золотых нитей делаются неразличимыми несущественные детали, мерцающий золотой орнамент поглощает детали интерьера, одежду, гипнотически притягивая к себе взгляд зрителя. А из этого переливающегося великолепия проступают женское лицо, запечатлённое с безупречной, почти фотографической, точностью и прихотливая, нервная линия рук модели. Натурализм и эротичность живой плоти усмиряются византийской роскошью мозаичной плоскости окружающего пространства.

Густав Климт, пожалуй, один из немногих художников начала 20 века, кто не оставил автопортрета. В написанном им «Комментарии на несуществующий автопортрет» есть такие слова: «Меня гораздо меньше интересую я сам в качестве предмета картины, чем другие люди, прежде всего женщины… Во мне нет ничего особенного. Я художник, пишущий день за днём с утра до ночи… Кто хочет что-нибудь обо мне знать… должен внимательно рассмотреть мои картины». Густав Климт вглядывался в женщин, как в зеркало, извлекая из каждого увиденного им лица черты своей собственной души.

В его живописи и графике ярко прослеживаются характерные черты сецессионстиля — мозаичная многоцветность и изощрённая орнаментальность, сочетающиеся с геометрической ясностью рисунка. Он одним из первых нашёл ход, позволяющий визуально изобразить эффект «чистого движения», бесконечные метаморфозы всего и вся и перетекание друг в друга различных видов энергии — весьма популярную в то время тему. Металлические и перламутровые вставки, аппликации из фольги и мозаики, органично включённые в живописное полотно, «выплёскивание» изображения за пределы холста, на раму — воплощают собой знаменитый принцип пластической непрерывности, ставший визитной карточкой Климта. Художник внёс заметные изменения и в традиционное построение композиции, центром которой стали не лица и фигуры персонажей сюжета, а спирали и волны — детали драпировок, орнаменты, иероглифы и знаки. Эти новые художественные приёмы порождают абсолютно иное восприятие изображения — на картинах Климта запечатлены не конкретное событие, точка в пространстве или момент времени, а вечное, непрекращающееся движение всего и вся, перетекание материи из одной формы в другую, вращение колеса бытия, не останавливающееся ни на одно мгновение. Рождение, расцвет, угасание, умирание и снова рождение…

Читайте также  Благовещение, паоло веронезе - описание картины

Густав Климт скончался в зените славы 6 февраля 1918 года. Его работы с непреходящим успехом продавались и после смерти автора, постоянно возрастая в цене. К середине ХХ века все знаковые полотна осели в государственных галереях.

Однако, скандальная слава, бушующая когда-то вокруг полотен художника, не угасла, вспыхнув с новой силой, правда уже совсем по другому поводу. В 2003 году мировой арт-рынок потрясло небывалое сообщение — Американский суд принял в производство заявление гражданки США Марии Альтман против Австрийской республики. 76-летняя истица требовала передать ей пять полотен Густава Климта, хранящихся в Австрийской галерее и принадлежавшие ей по праву наследства. Событие получило небывалую огласку из-за того, что среди спорных картин была жемчужина Венского Сецессиона — австрийская Мона Лиза, «Портрет Адель Блох-Бауэр», написанный Климтом в 1907 году. Мадам Альтман ни в какую не соглашалась уступить картины австрийскому правительству, несмотря на предложенную ей баснословную сумму в 100, а затем и в 200 миллионов долларов. Она потребовала не много ни мало 300 миллионов, и в 2006 году канцлер Австрии был вынужден официально объявить о прекращении переговоров и отказе государства от приоритетного права выкупа, в результате чего 5 полотен австрийского живописца покинули Вену и отправились за океан.

Ей богу, я бы никогда не позволила себе назвать наследницу меркантильной, если бы меньше чем через полгода она не продала австрийскую Мону Лизу известному филантропу Рональду Лаудеру, выложившему за полотно $135 миллионов. Таким образом портрет кисти Густава Климта стал самым дорогим на тот момент полотном, побив рекорд в $104 млн, установленный в 2004-м «Мальчиком с трубкой» Пабло Пикассо.

Так что судьба, в некотором роде, сыграла с живописцем злую шутку. Слова Шиллера, выбранные Климтом своим девизом: «Если ты не можешь твоими делами и твоим искусством понравиться всем, понравься немногим. Нравиться многим — зло», теперь не особо относятся к творчеству самого Климта. Сегодня он один из самых растиражированных художников 20 века, принты с изображениями его картин можно встретить где угодно — на чашках, плошках, бижутерии, аксессуарах, постельном белье, обоях, обложках книг, ковриках для мыши и чехлах для всего и вся.

Список потрясающих картин Густава Климта

Австрийский гений, основоположник стиля модерн, основатель Венского Сецессиона Густав Климт своими ранними работами привёл общество в некоторое замешательство. Никто ранее не видел ничего подобного. Сначала картины Густава Климта воспринимались в штыки, но потом их красота, утончённый эротизм и необычайное «золотое звучание» сделали художника знаменитым. Уже в начале 20 века Климта считали самым изысканным и одним из лучших европейских мастеров живописи.

Перед вами самые известные картины Густава Климта:

* Некоторые части картин, присутствующих в статье, мы намеренно будем закрывать квадратиками, потому как обязательства, которые редакция взяла перед партнерами, не позволяют нам демонстрировать многие обнаженные части тела.

Афина Паллада (1898)

Густав Климт всё своё творчество посвятил ярким женским образам. Богиня Афина Паллада изображена в золотых доспехах и золотом шлеме. Это впечатляющий образ женщины, воительницы и богини одновременно. Её необыкновенное божественное лицо с сияющими глазами выражает победу, власть, торжество над всем мужским началом.

Юдифь и голова Олоферна (1901)

Согласно библейским преданиям, прекрасная иудейка Юдифь покорила своими чарами вражеского полководца и убила его в его собственном шатре. Это принесло ей одновременно смерть и победу. После её героического поступка иудейский народ изгнал со своей земли армию ассирийцев.

Климт подхватил эту идею, но воплотил её необычным образом. На картине он изобразил прекрасную Юдифь в тот момент, когда она выносит из шатра голову Олофрена. Её прекрасное лицо сияет торжеством и гордостью за свой поступок. Она впервые в жизни убила человека — страшного врага своего народа.

Климт изобразил Юдифь современной женщиной, полной утончённой эстетики и сексуальности. Прозрачные одежды показывают её незащищённость и чистоту, а золотое ожерелье, плотно облегающее тонкую шею, предрекает ей скорую гибель.

А вот о самых красивых женщинах в мире читайте очень интересную статью на нашем сайте most-beauty.ru.

Бетховенский фриз (1902)

В 1902 году в Венском Сецессионе была организована выставка-мемориал, посвящённая творчеству Бетховена. В связи с этим событием, Климпт выполнил роспись фриза помещения Сецессиона. З4-метровая фреска состоит из трёх частей и является гениальной иллюстрацией знаменитой Девятой симфонии композитора. Левая боковая фреска называется «Тоска по счастью».

На белом фоне изображён золотой рыцарь в доспехах и обнажённые фигуры страдающих людей. Правое крыло триптиха «Песнь ангелов» означает победу светлых сил над тёмными. Особенно выделяется центральная часть триптиха. На ней изображены враждебные тёмные силы: чудовища, три горгоны (смерть, безумие и слабость), а также фигуры, символизирующие похоть, страсть и несдержанность.

Фоном для одиноко сидящей женской фигуры стал причудливый узор, напоминающий змеиную кожу.

Три возраста женщины (1905)

Три женских тела трёх возрастов: младенчества, молодости и старости переплелись чудным узором на мрачном коричнево-золотом фоне. Молодая женщина и ребёнок спокойно спят, обернувшись в прозрачное цветное покрывало. Старуха обнажена, и отвернувшись от зрителя, расчёсывает седые волосы.

Водяные змеи II (1907)

Над декоративным полотном, изображающим русалок, Густав Климт работал целый год. Холодные тела водяных дев эффектно смотрятся на густом оранжевом ковре из волос, цветов и причудливых узоров.

Портрет Адели Блох-Бауэр (1907)

Этот «золотой» протрет Адели Блох-Бауэр имеет необычную историю. Говорят, что у Климта и жены богатого австрийского дельца были любовные отношения, и чтобы их прервать, хитрый муж заказал у художника баснословно дорогой портрет. Ранее Адель позировала Климту для нескольких картин, но после этого портрета их отношения, действительно, прекратились.

Этот портрет очень необычен. Томное лицо и руки модели выполнены с фотографической точностью, а поза, платье и фон — сплошной изысканный узор из золота. Кстати, о самых известных портретах в мире, на нашем сайте most-beauty.ru есть очень интересная статья.

Даная (1908)

К истории о прекрасной Данае, дочери царя Акрисия, который боялся смерти от руки своего потомка, обращались многие великие художники. Жестокий царь заточил свою дочь в темнице, что бы скрыть её от всех женихов. Зевс узнал об этом, и проник в комнату Данаи в виде золотого дождя. Родившийся от этой связи героический Персей, оправдал предсказание Оракула, совершил много подвигов и убил своего жестокосердного деда.

Климт нарочно отошёл от всех канонов и изобразил обнажённую красавицу Данаю тихо спящей, свёрнутой в калачик, в тот момент, когда золотой дождь окутывает её бедра и зачинает новую жизнь. Её рыжие кудри разметались по подушке, нежное лицо раскраснелось. Эта необычно декоративная и наполненная эротизмом картина возносит женскую красоту на новый недостижимый уровень.

Поцелуй (1908)

Использование сусального золота в виде краски — одна из отличительных черт творчества Климта. Золото создаёт в картинах необычайно мощный психологический и декоративный эффект.

Картина Климта «Поцелуй» считается самой узнаваемой и тиражируемой из всех работ художника. Это страстное полотно, со сложным орнаментом и эффектной композицией, словно сотканное из золотых нитей — гимн вечной любви.

В картине «Поцелуй» двое влюблённых стоят на коленях на ярком ковре цветочной поляны, на самом краю обрыва. Ещё одно движение, и всё рухнет в Тартарары. Их причудливые золотые одеяния сияют и наполняют картину тёплым светом.

Климт никогда не рисовал портреты мужчин. Так и на этом полотне, лица мужчины почти не видно. Нежное лицо красавицы запрокинуто и повёрнуто к зрителю. На этой картине художник изобразил себя и свою любимую женщину. Их связывал странный, эмоциональный и долгий роман, который так и не перерос в брак. С именем этой женщины на устах художник и умер.

Дама в шляпке и боа из перьев (1909)

Красивый и яркий портрет рыжеволосой дамы в синей шляпке смотрится невероятно современно и эффектно. Предполагается, что Густав Климт написал портрет Эмилии Флеге.

Невероятная красавица, укутанная в боа из чёрных перьев, мечтательно смотрит мимо зрителя. Создаётся впечатление, что дама сейчас отвернётся и скроется в темноте ночного города.

Древо жизни (1909)

В 1909 году Климта пригласили украсить столовую дворца Стокле в Брюсселе. Он написал панно-триптих, центральной частью которого стало «Древо жизни». Панно выполнено в своеобразном лоскутном стиле, с использованием большого количества золота.

На золотом и цветущем древе жизни сидит небольшая мрачная птица, которая отождествляется со смертью. Ведь там, где жизнь — там и смерть. Это последнее крупное произведение художника.

Смерть и жизнь (1911)

Аллегорическое полотно «Смерть и жизнь» условно разделено на две части. Левая меньшая часть полотна посвящена смерти. Она изображена на тёмном удручающем фоне в виде скелета, одетого в тёмно-синюю тунику с узором из крестов. В руках смерти молоток, с помощью которого она отбирает жизни всех подряд — от младенцев до стариков.

Но, как бы ни старалась вечно одинокая смерть, её всегда побеждает жизнь. Правая часть картины наполнена яркими красками и переплетёнными воедино разновозрастными человеческими фигурами. В жизни всегда есть место любви, радости и простому человеческому счастью в каждом возрасте. Эта часть полотна побеждает, притягивая взгляд своей красотой и удивительными красками.

Портрет Адели Блох-Бауэр II (1912)

Картина написана в стиле Арт нуво. Моделью для картины стала хозяйка модного салона и подруга художника Адель Блох-Бауэр. Она изображена в большой чёрной шляпе с распущенными волосами, на фоне изысканных узоров разноцветного ковра.

Читайте также  Лувр в париже: описание, адрес, карта. смотреть картины лувра

Климт пытался отойти от декоративности и вычурного золота в своих работах, но выработать другой стиль не успел из-за развязавшейся мировой войны.

Девы (1913)

Композиция картины довольно необычна — на тёмном фоне изображён наклонённый по диагонали овал из сплетения ярких лент, цветов и женских обнажённых тел. Всем своим видом он напоминает человеческую яйцеклетку.

Необычная аллегория Климта «Девы» посвящена превращению девушки в женщину. В центре картины изображена спящая юная девушка в одеянии из цветов, которую окружают зрелые женщины. Она ещё спит, но вот-вот пробудится, как женщина, готовая к материнству.

Послесловие

Блистательный Густав Климт — вот что хочется произнести, увидев его картины. Шедевры, сотканные из золота и цветов, воспевающие красоту и притягательность женщины. Современные европейские борцы за права женщин возмущаются работами художника, в которых они видят только пассивную женщину. И это очень печально.

Женщины капитана Климта

01.11.2017
Редактировать статью

Богатейшие красавицы Вены выстраивались к нему в очередь за портретом. Это позволяло жить безбедно и искать женщин совсем других – опасных и роковых. Поставив во главу угла женское тело и откровенный эротизм, Густав Климт обеспечил себе и скандальную славу, и значимое место в истории. Сегодня его картины не только в музеях, они везде – на фарфоре, дорогих платьях и ювелирных украшениях.

Вряд ли кто-то считал, скольким людям на планете нравятся картины Густава Климта. Но цифра должна быть впечатляющей. Его картины, особенно «Золотой поцелуй», копируют везде: календари, чашки, платья, ювелирные украшения, – в этом смысле он обогнал всех самых известных художников. Золото, блеск, роскошь, красота – Климт идеально отвечает вкусам и начинающих, и более опытных любителей прекрасного.

Разностороннее дарование Климта, а он как художник умел почти всё, объясняет его воспитание и образование. Он родился в 1862 году в пригороде Вены в семье гравера, с детства помогал отцу, а в 14 лет поступил вместе с братом в Художественно-промышленную школу в Вене. Там изучил самые различные техники – от живописи до мозаики. Для него вообще не было границ: рисунок, живопись, фрески, роспись ткани – все это он умел делать уже к 18 годам. Он оказался настолько способным учеником, что стал получать коммерческие заказы, еще будучи студентом.

Первые работы Климта вполне академичны – он в совершенстве владел классическим стилем, которого от него и ждали заказчики. Что было бы, если бы он продолжал придерживаться академического направления? Возможно, мы знали бы другого великого Климта. Он начал с декоративной росписи павильона минеральной воды в Карлсбаде, потом в компании своего брата Эрнста и их друга Франца Матча расписал четыре театра и один музей. Тогда же получил от императора орден «За заслуги». Но уже в росписи Бургтеатра Климт отличился от товарищей – изобразил зрительный зал, каким он виден со сцены, и зрителей, в головах которых разыгрывается настоящая драма. Так начался отход от театрально-исторического стиля, популярного в австрийской живописи того времени.

Уход от канонов классики ускорил и конфликт с Министерством культуры, религии и образования. В 1894 году ведомство заказало Климту три панно для актового зала Венского университета, по одной на каждый факультет: медицинский, юридический и философский. Общей идеей должно было стать «торжество света над тьмой». Полотна «Философия», «Медицина» и «Юриспруденция» были глубоко метафоричны и абсолютно не понравились университету – ни своей «чрезмерной эротичностью», ни «глубокой символичностью». Многие сотрудники университета критиковали их за невразумительность, а тела на картинах называли безобразными. Художник был настолько оскорблен, он выкупил панно и никогда больше не брался за государственные заказы.

Материальную независимость ему принесли портреты из так называемой «галереи жен». Его женские портреты сочетали фотографическую точность и непривычную мерцающую красоту и нежность – это быстро сделало Климта самым востребованным венским художником. Заказчиками были еврейские семейства венской буржуазии: сталелитейщик Карл Витгенштейн, текстильный магнат Фриц Вэрндорфер, семьи Книпс и Ледерер. Одной из самых знаменитых картин стала «Дама в золотом», портрет Адели Блох-Бауэр. Скандал, окруживший эту картину, громкое судебное дело о возвращении ее из галереи наследникам, дальнейшая покупка картины за баснословную сумму Рональдом Лаудером – все это привлекает ничуть не меньше, чем красота и чувственность изображенной модели. Портрет светской дамы и покровительницы искусств стал своего рода светской иконой. Именно в нем Климт отошел от традиционного трехмерного пространства и стал рисовать двухмерные фигуры, щедро украшенные самыми затейливыми орнаментами. По мнению искусствоведов, это «возвестило начало модерна, молодой культуры, готовой выработать совершенно новые принципы».

Но бесконечно рисуя красавиц-богачек с безмятежными лицами, Климт все больше интересуется совсем другим типом женщин – опасных и завлекательных. Был ли Климт первооткрывателем новой эротики? «Любое искусство эротично», – скажет как-то современник Климта, архитектор Адольф Лоос. Скорее всего, открытие эротики витало в воздухе, ведь Зигмунд Фрейд разрабатывал свою теорию бессознательного в это же самое время. В своих рисунках Климт изучает границы женской сексуальности и изображает само наслаждение. Женщины на его картинах погружены в мир собственных фантазий подобно пациенткам Фрейда. Художник понимал женскую сексуальность, что помогало ему изображать не только эротичность обнаженного тела, но и чувства самой натуры. Искусствовед Альберт Элсен пишет: «Его натурщица не позирует… Она выглядит сознающей, что она наедине с мужчиной, глубоко увлеченным ею не как поэтическим образом, а как женщиной». В Венском обществе откровенные рисунки Климта вызывали бурные дискуссии, да и современным блюстителям нравственности не очень нравятся его рисунки с изображением мастурбации.

Самому Климту приписывают множество романов как с натурщицами, так и с женами его заказчиков. Он, безусловно, был любителем и любимцем женщин и чувствовал их лучше, чем многие его современники. Слухи о вольных нравах, царивших в его мастерской, подкрепились после его смерти – в суд обратились 14 женщин, утверждавших, что он был отцом их детей. Сам художник жил всю жизнь с матерью и незамужними сестрами, одна из которых описывала заведенный порядок: «Каждый вечер он ужинал с нами, едва обмолвившись словом, и рано отправлялся в постель. Мы относились с пониманием к его поведению, мы знали, как необходим был ему покой после всех тех волнений и битв, которые окружали его».

В 187 году Климт объединил вокруг себя группу из 19 художников, решивших порвать с академическим искусством и образовавших движение Венского сецессиона. «Каждому времени – свое искусство, каждому искусству – свою свободу» – вот что было написано над входом в здание Сецессиона, построенное в 1898 году в качестве выставочного зала. Самую громкую из постоянно проводившихся здесь выставок посвятили в 1902 году Бетховену. Она совмещала все виды искусства: Климт написал фриз на стенах зала, в котором стояла статуя Бетховена, изваянная Максом Клингером, а Густав Малер продирижировал Девятой симфонией Бетховена. На фризе было изображено стремление человека к счастью и любви, которые достигались соединением искусств. «Ода радости», переложенная на язык живописи и скульптуры, стала одним из выдающихся произведений венского югендстидя – так назывался модерн в Австрии. Был ли Климт лидером Сецессиона? Был, но лишь какое-то время – он был слишком индивидуален, чтобы состоять в любой организации, и покинул группу в 1905 году.

В это же время уже начался его знаменитый «золотой период». Многие считают, что впервые художник узнал, как использовать золото, когда в детстве наблюдал за работой отца. Работать же с золотом он стал после посещения итальянской Равенны, впечатленный византийскими мозаиками с их позолоченным фоном. Вершиной «золотого периода» стала картина «Поцелуй», которую знают, видели или любят миллионы людей. Эта «народная любовь» привела к чрезмерной коммерческой эксплуатации образов, созданных Климтом, – они постепенно превратились в коммерческий бренд. Парадокс, но картины «золотого периода», в которых Климт, скорее всего, даже не пытался вникнуть в глубины подсознания, окружены мистическим ореолом. Возможно, людей просто притягивает золото?

После смерти брата и отца Климт много размышляет не только о любви, но и о смерти. Смерть кутается в темные одежды на знаменитой картине «Смерть и жизнь», обнаженная беременная не замечает смерти на картине «Надежда». Боялся ли Климт смерти или он видел в ней непременное условие самой жизни? После его кончины в 1918 году в мастерской осталось несколько тысяч рисунков – он всегда делал много набросков, стараясь найти что-то, что удивит и его самого, и других. Историк искусств Эрнст Гомбрих писал о достижениях венского модерна: «Искусство – область, к которой мы обращаемся, когда хотим испытать потрясение или удивление. Эта потребность возникает у нас потому, что мы чувствуем, как полезно нам время от времени получать подобную здоровую встряску. Без этого нас поглотила бы рутина, и мы разучились бы приспосабливаться к новым потребностям, которые то и дело возникают у нас в жизни».

Климт оставил после себя только свои работы. Ни дневников, ни воспоминаний, ни писем. Единственный написанный Густавом Климтом текст – это «Комментарий к несуществующему автопортрету»: «Я скорее интересуюсь другими людьми, особенно женщинами, и даже еще больше другими явлениями. Я убежден, что как человек я не очень-то интересен. Во мне нет ничего особенного, чтобы смотреть на меня. Я художник. Художник, который пишет каждый день с утра до вечера. Фигуры, пейзажи, время от времени – портреты. Я недостаточно хорошо владею словом, чтобы взяться за рассказ о своей работе… Если вам действительно хочется больше узнать обо мне – как о художнике, разумеется, – посмотрите внимательнее на мои картины, которые расскажут вам обо мне намного лучше, чем я сам».

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: