Автопортрет, пабло пикассо, 1907 - JEKATERINBURG.RU

Автопортрет, пабло пикассо, 1907

Несуществующая эволюция автопортретов Пабло Пикассо

Если посмотреть на ряд автопортретов знаменитого испанского художника Пабло Пикассо (кстати, самого дорогого художника в мире) и сравнить первую работу и последнюю, то любой скажет, что писал их не один и тот же человек.

Сам же Пикассо такое разительное отличие своих работ объяснял так: «Те разные стили, которые я использую в искусстве, нельзя воспринимать как эволюцию или пошаговое стремление к неизвестному идеалу картины… Разные темы неизбежно требуют разных методов воспроизведения. И это вовсе не означает эволюцию или прогресс; это вопрос какой-то определенной идеи, которую художник хочет выразить, и метод, каким он хочет ее выразить».

Мы решили рассмотреть автопортреты художника, начиная с самого раннего, написанного им в 15 лет, и заканчивая последним.

Стоит начать с того, как сам Пабло Пикассо выглядел в молодости.

Возраст — 15 лет (1896 год).

Возраст — 18 лет (1900 год).

Возраст — 20 лет (1901 год).

Возраст — 24 года (1906 год).

Возраст — 25 лет (1907 год).

Возраст — 35 лет (1917 год).

Возраст — 56 лет (1938 год).

Возраст — 83 года (1965 год).

Возраст — 85 лет (1966 год).

Возраст — 89 лет (1971 год).

Возраст — 90 лет (28 июня 1972 года).

Возраст — 90 лет (30 июня 1972 года).

Возраст — 90 лет (2 июля 1972 года).

Возраст — 90 лет (3 июля 1972 года).

Источник

А вы знали, что у нас есть Instagram и Telegram?

Подписывайтесь, если вы ценитель красивых фото и интересных историй!

Современное искусство по кусочку. Кубизм (1907-1914)

В этом, предыдущих и последующих постах я использую материал из книги Уилла Гомперца «Непонятное искусство», цикла лекций в музее Гараж Ирины Кулик, лекций Дмитрия Гутова, книги Сьюзи Ходж «Современное искусство в деталях», документальных фильмов BBC, и др.

В предыдущем посте я остановилась на том, что после смерти Сезанна, в 1907 году в Париже была открыта выставка его работ, которая здОрово удивила публику. Конечно, в основном, она вызвала недоумение, однако, были и те, кого увиденное потрясло.

Среди последних был 26летний испанский художник Пабло Пикассо (1881-1973). Он получил классическое образование, закончив Мадридскую академию изящных искусств. Однако, сам он в классической манере работать не хотел, в рамках академичности ему было очень скучно.

Пабло Пикассо, Автопортрет, 1897

Пикассо переезжает в Париж в 1900 году. Спустя некоторое время он знакомится с творчеством импрессионистов, а также с Гертрудой и Лео Стайн. Брат и сестра коллекционировали современное искусство, имели передовые взгляды, а их квартира стала местом средоточия парижского бомонда и авангарда. Пикассо быстро становится там частым гостем и знакомится с другим завсегдатаем салона — Анри Матиссом. ( о нем — следующий пост). Вернее, сначала Пикассо видит его картины, которые производят сильное впечатление на испанца. Темперамент Пабло не позволил ему просто признать превосходство Матисса. С этого момента между художниками начинается негласная конкуренция.

Анри Матисс, Портрет женщины в шляпе, 1905

Однако, их подход был в корне настолько различен, что соперничество быстро себя изжило. На яркость и живость Матисса, у Пикассо была форма и конструкция.

Пабло Пикассо, Портрет Гертруды Стайн, 1906

Выставка Сезанна стала одновременно открытием и подтверждением правильности того направления творческих поисков, которое выбрал Пикассо. Мыслить мир геометрическими формами было для него понятно и логично. Однако, не только Сезанн стал катализатором новаторского подхода Пикассо. В Париже открылся музей, посвященный культуре африканских стран. Увиденное там ошеломило Пикассо. Простота и строгость африканских масок производят впечатление, отсылая к архетипу, прообразу человека.Результатом увиденного стала работа «Авиньонские девицы», которые были «слишком» даже для парижского авангарда.

Пабло Пикассо, Авиньонские девицы, 1907

Авиньон — улица в Барселоне, знаменитая своими борделями, один из которых мы видим на картине. Тела пяти девушек разрезаны на геометрические фигуры и собраны заново с ощутимой погрешностью. Вместо лиц у двух из них — африканские маски. Небольшой натюрморт в виде чаши фруктов — метафора наслаждений. Здесь сразу несколько важных моментов: во-первых, это прямое продолжение идей Сезанна. Во-вторых, африканские маски, архетип — лейт-мотив всего творчества Пикассо и очень многих художников после. В-третьих, не Сезанном единым, как говорится. Пикассо был большим почитателем Эль Греко, картины которого он изучил от и до.

Эль Греко, Молитва святого Доминика, 1588

Пикассо вдохновлялся манерой Эль Греко. В частности, это заметно по стилю написания силуэтов — вытянутых, удлиненных и драпировок — никаких мягких, ниспадающих складок — рубленные формы, будто накрахмаленных тканей. Отчасти любовь к Эль Греко отразилась и в «Авиньонских девицах». Стоит ли говорить, что эта работа озадачила даже самых рьяных поклонников современного искусства и самого Пикассо, вроде Гийома Аполлинера?

Картина была на долгие годы спрятаны в стол. Однако, одному человеку направление мысли Пикассо было очень близко. Настолько близко, что Жорж Брак даже предлагает испанцу сотрудничество.

Пикассо согласился, а финансовую сторону полностью взял на себя Даниэль-Анри Канвейлер — добрая фея художника, предприниматель, вдохновившийся творчеством и идеями Пикассо, обязавшийся покупать его картины.

Жорж Брак, Пейзаж в Ла Сиота, 1907

Пабло Пикассо, Цветы на столе, 1907

Этот творческий тандем подарил миру кубизм. Кстати, автором термина случайно стал Анри Матисс, саркастично назвавший работы Пикассо набором кубиков. Хотя, что удивляться, даже сейчас очень многие со скепсисом смотрят полотна Пикассо того периода, говоря: «Ну что случилось?Рисовал же нормально парень!»

Здесь нужно понимать — художник больше не хочет просто фиксировать реальность. Он хочет ее создавать. Пикассо и Брак стали работать по принципу — что мы ЗНАЕМ о мире, в ущерб принципу что мы ВИДИМ. Для этого совершенно обычные вещи раскладывались на элементы, а затем собирались заново художником, который при этом руководствовался исключительно своими знаниями о предмете в целом ( такой метод называется АНАЛИТИЧЕСКИЙ кубизм)

Например, картина Брака «Скрипка и палитра».

Жорж Брак, Скрипка и палитра,

Эта еще не та степень кубизма, когда предмет становится совсем не читаемый. Здесь можно спокойно угадать скрипку. Художник дает ее сразу в нескольких ракурсах, как если бы смотрели на инструмент с разных сторон. Ракурсы подобраны так, что мы их легко узнаем. При этом композиция картины стройная- это не свалка из кусков разломанного инструмента, а четкая структура.

Здесь есть один нюанс. Казалось бы, кубизм — все делим на составляющие и рифмуем, почему тогда сзади на стене висит вполне себе обычный, реальный гвоздь? Да и сама стена тоже будто часть трехмерного пространства, фон?

Это попытка Брака решить проблему, с которой столкнулись художники в процессе творческих опытов. Существовала реальная угроза, что кубистические полотна замкнуться в самих себе, потеряют всякую связь с реальностью. Этого художникам не хотелось, поэтому они искали способ отсылать свои картины к действительности. Ну и, конечно, гвоздь как нельзя выгодней оттенял степень новаторства Брака во всем остальном.

Кстати, Брак и Пикассо использовал приглушенные тона ( излюбленная палитра Сезанна). Оба отдавали себе отчет, что при их методе фовистская ( об этом след.пост) яркость сыграет злую шутку — кричащие цвета создадут сумбур и картина потеряет структурную ясность.

Я думаю, что использование ярких цветов могло привести примерно к такому:

Итак, своим гвоздем Брак попытался сохранить связь с реальностью. Пикассо пошел еще дальше и решил включить в картину вырезки из газет и журналов. Это был яркий жест. Как заложника фотографируют с газетой, чтобы было понятно, что действие происходит здесь и сейчас, так и художник, используя прессу, напрямую связывает свою работу с настоящим.

Пабло Пикассо, Моя Красавица, 1912

( Красавица Пикассо — это его любовница Марсель Умбер. Сложно по данному портрету оценить степень привлекательности девушки, поэтому Пабло дает нам непосредственное текстовое пояснение-)) Пикассо не ограничивается газетными вырезками, поразмыслив, он начинает привносить элементы из повседневного быта в свои полотна без изменений.

Пабло Пикассо, Натюрморт с плетенным стулом, 1912

Таким образом, кусок клеенки и жгут становятся как частью картины, так и произведением искусства сами по себе. Тут же на новшество реагирует Брак, приклеивают к холсту кусок обоев. Так зарождается СИНТЕТИЧЕСКИЙ кубизм. Сам материал становится живописью, без всякой иллюзии трехмерности, отныне холст двухмерен.

Жорж Брак, Блюдо с фруктами и стакан, 1912

Теперь художники не пытались изобразить предмет, они его просто присваивали. Это изобретение назвали коллаж. Но эту парочку было не остановить. В 1912 году Пикассо выставляет Гитару — то, что раньше использовалось как подспорье при написании картин, теперь само стало произведением искусства.

Пабло Пикассо, Гитара, 1912

Брак и Пикассо открыли возможность превращения любого объекта в искусство, тем самым дав карт бланш всем последующим поколениям художников 20 века. И вот уже Дюшан ошарашивает публику своим Фонтаном, Уорхолл — банками из под супа, а Херст просто бальзамирует трупы акул. Вот так, а началось все с безобидной картонной гитары.

Читайте также  Музей прадо: как найти в мадриде, карта, картины музея прадо

Марсель Дюшан, Фонтан, 1917

Энди Уорхолл, Кэмпбелл, 1962

Дэмьен Херст, Невозможность смерти в сознании живущего, 1991

Художниками был предложен новый способ увидеть этот мир.

Кубизм это не просто картины, это предложение сыграть в игру, приглашение посмотреть на все под другими углами. Зритель здесь не пассивный созерцатель, а участник, разгадывающий ребус.

Начало 20 века — то время, когда происходил колоссальный пересмотр тех ценностей, которыми жил мир столетиями. В связи с достижениями в науке ( от фотографии до рентгена и открытий Эйнштейна), появлением Фрейда с его психоанализом, кризисом в политике, религии все начало сдвигаться с привычных позиций. Искусство стало отражать перемены, вернее отношение к ним — в этом одна из его основных задач. Поиск начался и в литературе, и в музыке, и в живописи, и в архитектуре.

Ле Корбюзье, Здание центросоюза в Москве, 1928-36 гг

Как мог художник, чувствуя происходящее, видя ломку всей системы прежнего мироустройства, продолжать писать академические, отвлеченные полотна?Пикассо и Брак очень чутко реагировали на обстановку вокруг и продемонстрировали собственное прочтение современности.

Новый подход очень быстро нашел своих последователей. Фернан Леже, Хуан Грис, Жан Метцингер и Альбер Глез — стали одними из первых.

Они даже организовали кубистическую выставку в 1911 году. Каждый художник представил свою трактовку кубизма.

Фернан Леже, Сидящая женщина, 1914

Жан Метцингер, Голубая птица, 1914

Альбер Глез, Портрет Игоря Стравинского, 1914

Хуан Грис, Бутылка и стакан на столе, 1914

Полотна этих художников уже значительно отличаются от «первообразов». Это, во многих случаях, уже почти полная абстракция, предмет принесен в жертву линии, форме, структуре. Здесь любуешься живописью как таковой — ритмом, композицией, цветовым решением. Кстати, среди кубистов была и художница из Киева, знаменитая Александра Экстер.

Александра Экстер, Генуя, 1914

Само направление жило недолго. Прошло меньше десяти лет с момента открытий Пикассо и Брака, как кубизму пришел конец. Собственно, как и всему прежнему укладу жизни — началась первая мировая война.

Однако, наследие кубизма живо до сих пор — это эстетика простых форм в бытовых предметах, графичная архитектура современных зданий, геометричность в дизайне одежде — принты и орнаменты итд. Война развела тандем Пикассо и Брака, однако каждый из них продолжил свои творческие поиски. Но кубизм остался в прошлом.

Пабло Пикассо. Человек изменивший искусство

Родился Пабло Пикассо 25 октября 1881 г. в Испании в г. Малага в семье художника Хосе Руиса Бласко. Талант будущий художник начал демонстрировать рано. Уже с 7 лет мальчик дописывал некоторые детали на картинах отца (первой такой работой были лапки голубей). В 8 лет была написана первая серьезная картина маслом под названием «Пикадор».

В 13 лет Пабло Пикассо стал студентом Академии художеств в Барселоне — на вступительных экзаменах Пабло настолько хорошо себя показал, что комиссия приняла его в академию не смотря на юный возраст.

В 1897 г. Пикассо уехал в Мадрид для поступления в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо. Но проучился там Пабло не больше года — слишком скучно и тесно было юному таланту в академии с ее классическими традициями. В Мадриде юношу больше увлекала бурная жизнь мегаполиса. Так же много времени Пабло посвящал изучению работ таких художников, как Диего Виласкес, Франциско Гойя и Эль Греко, которые произвели на художника большое впечатление.

В те годы художник впервые посетил Париж, считавшейся тогда столицей искусств. Он месяцами жил в этом городе, посещая различные музеи, с целью изучения работ мастеров живописи: Ван Гога, Гогена, Делакруа и многих других. Пикассо будет часто посещать Париж в дальнейшем, а позже этот город увлечет его настолько, что Пикассо решит окончательно переехать туда (1904г.).

Наиболее известные работы Пабло Пикассо, написанные им в ранний период (до 1900)

«Портрет матери» 1896

«Знание и милосердие» 1897

«Первое причастие» 1896

«Матадор Луис Мигель Доминген» 1897

«Испанская пара перед гостиницей» 1900

«Босоногая девочка. Фрагмент» 1895

«Человек на берегу пруда» 1897

«Человек в шапке» 1895

«Бульвар Клиши» 1901

«Портрет отца художника» 1895

Следующий период в творчестве Пабло Пикассо называют «голубым». В 1901 — 1904 гг. в палитре Пикассо преобладали холодные цвета — в основном голубой и его оттенки. В это время Пикассо поднимал темы старости, бедности, нищеты, характерным настроением картин этого периода были меланхолия и печаль. Художник отображал человеческие страдания, рисуя слепых, нищих, алкоголиков и проституток и т.п. — именно они были главными персонажами «голубого» периода.

Работы «голубого» периода (1901-1904)

«Завтрак слепого» 1903

«Мать и дитя» 1903

«Любительница абсента» 1901

«Нищий старик с мальчиком» 1903

«Две сестры (Свидание)» 1902

«Голубая комната (Ванна)» 1901

«Сидящая женщина в капюшоне» 1902

В «розовом» периоде (1904 — 1906) главной темой в творчестве художника был цирк и его персонажи — акробаты и комедианты. Преобладали яркие жизнерадостные цвета. Любимым персонажем этого периода можно назвать арлекина, который наиболее часто встречался в работах Пикассо. Помимо цирка вдохновляла его еще и модель Фернанда Оливье, с которой познакомился в 1904 г., в самом начале «розового» периода. Её же была музой художника на протяжении всего периода.

Работы «розового» периода (1904 — 1906)

«Акрабат и арлекин» 1905

«Девочка с козлом» 1906

«Мальчик, ведущий лошадь» 1906

«Семейство комедиантов» 1905

«Обнаженная женщина с кувшином» 1906

«Женщина с хлебом» 1905

«Два акрабата с собакой» 1905

Одну из известнейших картин П. Пикассо «Девочка на шаре» (1905), которая сейчас находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, некоторые специалисты называют переходной от «голубого» периода к «розовому».

«Девочка на шаре» 1905

Переломным моментом в творчестве Пикассо стал портрет Гертруды Штейн, написанный им в 1906 году.

Работа над портретом была тяжелой — художник около 80 раз переписывал портрет и в итоге Пикассо отдалился от портрета как жанра изобразительного искусства в своем классическом понимании. Все дальнейшее творчество Пикассо можно охарактеризовать всего лишь одной его фразой «Надо писать не то, что вижу, а то что знаю». Именно этой установки П. Пикассо и старался придерживаться до конца своей жизни.

Кубизм

Этот большой период в творчестве Пабло Пикассо делиться на несколько этапов. Это время полного отказа от детализации персонажей: предмет и фон почти сливаются воедино, нет четко очерченных границ. Пикассо был убежден, что художник может больше, чем просто показывать то, что видит глаз.

Первый этап «сезанновский» он же «африканский» период. Этот этап отличается построением изображений с помощью простых- геометрических форм и преобладанием мутных размытых зеленых, охристых и коричневых тонов.

В 1907-1909 гг внимание художника было устремленно на африканское искусство, с которым он впервые познакомился в 1907 году на этнографической выставке в музее Трокадеро. Отныне в творчестве Пикассо стали преобладать простые, даже примитивные формы изображаемых предметов. В технике художник стал употреблять грубую штриховку. Первой картиной выполненной в «африканском» стиле считается «Авиньонские девицы» 1907 г.

Эта картина писалось автором на протяжении года. Ни с одной своей картиной Пикассо не работал так долго. В итоге эта работа так отличалась от предыдущих его картин, что была неоднозначно воспринята общественностью. Но нащупав новый, интересный для него стиль, Пикассо не собирался отступать и на протяжении 2 лет художник всячески развивал его.

Пабло Пикассо — признанный при жизни гений искусства ХХ века

Пабло Пикассо (Pablo Picasso; родился 25 октября 1881 — умер 8 апреля 1973 гг.) — французский художник испанского происхождения ХХ века, основатель кубизма, самый дорогой живописец в мире. Широко известен также как скульптор, график, дизайнер, керамист и театральный оформитель. Пабло Пикассо прожил удивительную и очень долгую жизнь, оставил после себя потомкам более 20 000 художественных работ. Особую ценность представляют картины Пикассо, которые пользуются большим спросом на аукционах.

Пабло Пикассо внес огромный вклад в мировое изобразительное искусство, постоянно пробовал свои силы в разных стилях и жанрах. По мнению многих ценителей живописи именно Пикассо считается лучшим художником нашей планеты за последнее столетие.

Творчество и биография Пабло Пикассо

Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в Малаге на юге Испании в семье учителя рисования. Когда мальчику исполнилось 8 лет, его отец получил должность в другом регионе страны — Галисии и вся семья переехала жить в Ла Корунью, а в 1895 году — в Барселону.

Пабло с детства увлекся рисованием, и уже в 8-летнем возрасте создал картину «Пикадор», которой очень дорожил и всегда держал при себе до конца жизни. Начальное художественное образование Пикассо получил в Ла-Корунской школе искусств, а в 14 лет его приняли в Ла-Лонху — престижное гуманитарное образовательное заведение в Барселоне.

Читайте также  Автопортрет, пабло пикассо, 1901

В 16-летнем возрасте Пабло продолжил учебу в главном центре обучения художников Испании — Королевской академии изящных искусств. Подростка мало интересовали скучные занятия, но он с большой охотой изучал шикарную коллекцию шедевров музея Прадо.

В 1898 году молодой Пабло вернулся в столицу Каталонии и стал членом арт-сообщества Els Quatre Gats, а спустя 2 года в кафе с одноименным названием состоялась первая личная выставка работ живописца.

1900 год стал переломным в биографии художника. Пикассо впервые приехал в Париж на Всемирную выставку, где на него огромное впечатление произвели полотна импрессионистов. Под их влиянием сформировался первый профессиональный период творчества мастера — «голубой». Работы этой поры полны печали и меланхолии, художник рисовал главным образом бродяг, нищих и обездоленных людей.

Знаменитая картина «Девочка на шаре» ознаменовала собой переход к следующему творческому этапу — «розовому». Изменилась не только палитра цветов картин молодого живописца, но и стиль подачи. В них появились жизнеутверждающие нотки, хотя сам Пикассо тогда еле сводил концы с концами.

В 1907 году Пикассо заинтересовался африканской культурой и создал самую дорогую свою картину — «Авиньонские девицы». Живописец переходит от попыток изображения узнаваемых образов людей к написанию абстрактных личностей. Новые творческие идеи Пикассо не приняли даже самые близкие друзья, но гению это было абсолютно безразлично.

1909 год в истории мирового изобразительного искусства и жизни Пикассо ознаменован рождением нового стиля — кубизма. Это революционное направление безжалостно отвергло натуралистические традиции в живописи и вызвало шквал критики. Но работы мастера наконец начали хорошо продаваться, эпоха нищеты в жизни художника закончилась.

В 1917 году Пикассо получил заказ на изготовление декораций и костюмов к балету Дягилева, а затем, на протяжении 8 лет, еще несколько подобных предложений.

От кубизма Пикассо переходит к неоклассицизму. На картинах художника снова появляются узнаваемые лица и реальные формы.

В 1925 году наступает следующий творческий период жизни Пабло — увлечение сюрреализмом. В этом стиле он создает скульптурные и живописные произведения, воплощает в них сильные эротические образы монстров в мире сновидений и подсознания.

В 1937 году в Испании происходят трагические события — идет гражданская война. А спустя 3 года немецкие войска оккупируют Францию. Живописец Пабло Пикассо отчаянно протестует против бессмысленной бойни. Это находит подтверждение в его произведениях, проникнутых духом пацифизма.

Послевоенный период творчества — самый светлый в жизни Пикассо. Художник обретает семейное счастье, переезжает с новой женой из Парижа на юг Франции и наслаждается простыми житейскими радостями. Он увлекается техникой литографии и декоративно-прикладным искусством.

В последние годы здоровье Пикассо неуклонно ухудшается, а состояние заметно растет. Художник продолжает работать, хотя испытывает большие проблемы со зрением и слухом, часто рисует женские портреты.

Смерть настигла Пабло Пикассо 8 апреля 1973 года. Он отошел в вечность в своем загородном особняке в возрасте 91 года. Выдающийся гений добился всемирного признания и стал мультимиллионером. Еще при жизни был основан первый музей его имени — в испанской Барселоне. А интерес к творчеству гениального живописца не угасает и в наше время.

Известные картины Пабло Пикассо

Ценителям искусства со всего мира хорошо известны многие картины Пабло Пикассо. Среди десятков тысяч работ мастера очень сложно найти наиболее узнаваемые, но мы попытаемся это сделать:

  • «Любительница абсента» (1901) — яркая картина на тематику одиночества и духовной опустошенности человека. Художник написал ее на обратной стороне холста, так как тогда находился в крайней нужде.
  • «Девочка на шаре» (1905) — самое знаменитое полотно мастера из числа коллекций российских музеев. Произведение, послужившее началом перехода к «розовому» периоду творчества.
  • «Авиньонские девицы» (1907) — самая скандальная картина мастера, которая шокировала публику и привела в бешенство Анри Матисса. Художник больше года работал над полотном, чего никогда до этого не происходило.
  • «Портрет Даниэля Анри Канвейлера» (1910) — загадочное произведение в виде хитроумной головоломки. Наглядный пример увлечения художника кубизмом.
  • «Купальщицы» 4 (1928) — образец оригинального взгляда автора на красоту женского тела в сюрреалистический период его творчества.
  • «Герника» (1937) — обвинительный приговор от лица Пикассо немецкому фашизму и режиму диктатора Франко. Символ страшной трагедии испанского народа.
  • «Голубка Пикассо» (1949) — эмблема Всемирного конгресса сторонников мира. Узнаваемый антивоенный символ во всех уголках Земли.

Творчество Пикассо оказало сильное влияние на изобразительное искусство ХХ века. Великого мастера любят и уважают во всем мире, за его работы люди выкладывают огромные деньги.

А сайт Very Important Lot предлагает ценителям прекрасного удобную возможность принять участие в аукционах искусства, чтобы приобрести шедевры антиквариата. Здесь же можно напрямую купить картины у современных художников.

ngasanova

Вспомнить, подумать.

  • Recent Entries
  • Friends
  • Archive
  • Profile
  • Add to friends
  • RSS

Автопортреты

Pablo Picasso.

Пикассо, фактически принадлежа к одной эпохе, обладал всеми качествами художника следующей эпохи.
По сути, он определил основные черты искусства Новейшего времени.

Николай Бердяев, рассуждая о роли Пикассо, кстати, также прибегает к «холодной» метафоре:

«Кажется, что после страшной зимы Пикассо мир не зацветет уже как прежде, что в эту зиму
падают не только покровы, но и весь предметный, телесный мир расшатывается в своих основах».

На протяжении всей жизни Пикассо прячется, маскируется, а потом внезапно раскрывается в
многочисленных автопортретах. Облик художника, воссоздаваемый им самим, меняется с каждой
открываемой им пластической системой, превращая сами эти системы лишь в грани личности художника.

Ранние «Автопортрет с короткими волосами» и «Автопортрет с непричесанными волосами»
(оба – 1896 года) написаны не то в духе старых мастеров, не то в духе его старшего
современника Сарджента, который, в прочем, ещё при жизни гордился статусом «нового
старого мастера».

Пабло Пикассо, Автопортрет с короткими волосами, 1896.

Пабло Пикассо, Автопортрет с непричесанными волосами, 1896.

Не смотря на невыразительную дряблость живописной фактуры, выбранных ракурсов, скучноватые цвета,
автопортреты интересны тем, что в них присутствует некая юношеская болезненность и робость,
которые также ещё встречаются в портретах Пикассо, написанных его испанскими друзьями (например,
«Портрет Пикассо» Рамона Казаса Карбо), но практически исчезают из автопортретов других, более
поздних периодов.

Рамон Казас Карбо, Портрет Пикассо.

Неудовлетворённость от несоответствия результата амбициям – а амбиции, судя по всему, большие –
ведёт к созданию годом позже «Автопортрета в парике» (1897), где Пикассо изображает себя неким
официозным персонажем, явно причастным к Академии, признанным и богатым, кем-то вроде Джошуа
Рейнольдса. Разумеется, в картине присутствует известная доля иронии, но как часто мы «прошиваем»
иронией самые серьёзные для нас вещи в попытке защититься от возможного непонимания и насмешек.
Здесь появляется знаменитый, так характерный для Пикассо поворот головы и настороженный,
проницательный взгляд. Цвета по-прежнему мутноватые и приглушённые, но движение кисти куда как
более энергичное и уверенное, чем в рассмотренных выше автопортретах.

Пабло Пикассо, Автопортрет в парике, 1897.

Наиболее известный из ранних автопортретов – рубежа веков, что символично – удивляет всех, кто
видит его в первый раз. Нехарактерное для Пикассо строго фронтальное изображение лица, где грубые
косые штрихи чередуются с дымчатой растушёвкой, вроде того, как на мальчишеском лице проступают
первые признаки взросления.

Пабло Пикассо, Автопортрет, 1900.

Одна из любимых метафор XX века — зеркало, дверь в другой мир, путешествие в который почти
наверняка окажется рискованным и неприятным. На автопортрете художник словно изучает своё
отражение, набравшись отваги взглянуть на себя таким, каков он есть на самом деле, не защищаясь
от внешнего мира иронией, не обращая всё в шутку, не борясь с поглощающей меланхолией. Он
стоит на перепутье: шагнуть ли в головокружительную глубину, остаться ли по эту сторону внешней
реальности, — и он выбирает первое. Неудивительно, зная, что именно Пикассо чуть позже откроет
кубистическое видение, важнейшая составляющая которого – взгляд «изнутри».

То он, как Одиссей, вызывает тени, сам становясь почти тенью (акварель «Я, Пикассо», 1900).

Пабло Пикассо, Я, Пикассо, 1900.

. то вспыхивает нервными, лихорадочными языками пламени, как абсент в стаканах завсегдатаев
«Мулен де ля Галет» («Автопортрет художника», 1901).

Пабло Пикассо, Автопортрет художника, 1901.

. то, подобно Орфею Жана Кокто, входит в зеркало, где мир, в том числе и его собственный
внутренний мир, искажается, противоречия оголяются и обостряются, где не светит солнце и нет
воздуха, а люди редуцируются до знаков («Автопортрет в чёрном пальто», 1901).

Пабло Пикассо, Автопортрет в черном пальто, 1901.

Последний выполнен не без влияния пост-импрессионизма и в частности, как ни удивительно, Ван Гога,
плоские изображения на условном фоне, правда мотив духовного отшельничества Ван Гога Пикассо
заменяет на политическую маргинальность, изображая себя в характерном для «левых» глухом чёрном
бушлате. Расчёсанные на прямой пробор чёрные волосы обрамляют мертвенно бледное лицо, неожиданная
для Пикассо и, напротив, привычная для участников социалистических кружков жидкая неопрятная
бородка («ньюгейтская бородка», названная по английской тюрьме для опасных преступников и
повторяющая положение верёвки, когда петля набрасывается на шею), тонкие приподнятые брови над
круглыми глазами, крупный нос, впалые щёки – все эти внешние признаки внутреннего неблагополучия
складываются в общую картину леденящего спокойствия предельного отчаяния.

Читайте также  Портрет марии ивановны лопухиной, боровиковский, 1797 — описание

Поневоле сравниваешь работы «голубого периода» с циклом ‘Los Caprichos’ Гойи, выполненный почти
столетием раньше, и Бёкмановским портфолио «Ад», которому ещё только предстоит появиться. Пусть
работы «голубого периода» и не представляют собой в строгом смысле серии, думаю, удивительное
стилистическое и тематическое единство позволяют нам отбросить некоторые формальности.

Гойа открывает ‘Los Caprichos’ автопортретом с не менее знаменитым слоганом «Сон разума рождает
чудовищ»; образы, создаваемые им на листах серии являются моральными аллегориями, которые отсылают
к comedie humaine и бесчеловечности политического режима Испании тех лет.
«Ад» повествует о холоде, голоде, эпидемиях, деморализации, беспорядка, насилии и убийствах,
царивших в раздираемом на части послевоенном Берлине. Серия также открывается автопортретом
художника, но Бёкман изображает себя в костюме циркового зазывалы: в отличие от Гойи, он
оказывается, хоть и поневоле, вовлечённым во всеобщее безумие.

Очевидно, что ни тот, ни другой не хотят быть частью мира, показываемого ими, так как мир этот
пропащ и безнадёжен.
В отличие от них, Пикассо то и дело изображает себя частью синего дна, он не только режиссёр и
зритель, но и участник разыгрываемой драмы («Печаль (Автопортрет в борделе)»). Он хочет быть с
ними, этими падшими, заблудшими, сбившимися с пути людьми, которые, теряя всё, обретают
просветлённость духа и абсолютную независимость, ибо «один раскаявшийся грешник мне милее
100 праведников». Человеческие чувства, доведённые до абсолюта, находят новую эстетику, какими
бы горькими они ни были.

Пабло Пикассо, Печаль (Автопортрет в борделе), ок. 1902.

Сошествие в ад (пользуясь метафорой Юнга) завершается для художника обретением просвета: он был
на самом дне, за этим следует возвращение.
Многое из того, что было заложено в раннем искусстве Пикассо, в сущности, осталось в работах
художника навсегда, но, чуть не пропав в подземельях голубого периода, обманувшись неверными
миражами розового периода, Пикассо возвращается к жизни с осознанием, что «latristessa durera»
(как перед смертью говорил Ван Гог), и ни он сам, ни искусство не смогут этого изменить. Вместо
того, чтобы приносить себя на алтарь светлого будущего, надо найти в себе силы жить сегодняшним
днём.
Вообще, если проследить саморепрезентацию Пикассо через автопортреты на протяжении всей его жизни,
мы увидим редкий пример того, как, становясь старше и даже старее, художник (или хотя бы его
художественное альтер-эго) обретает всё большую энергичность, удивительную витальность,
несгибаемость. От молодого никому неизвестного «Я, Пикассо» до Минотавра, от мечтающего о славе
17-летнего юнца до пресытившегося ею полубога живописи.

В автопортрете 1906 года, подаренном Матиссу, ещё витает память о «голубом периоде», но новые
пропорции (вытянутость не в высоту, а в ширину) сообщают фигуре упрямую мощь молодого бычка.
Белое полотнище рубахи угрожающе натянулось на груди, и ключицы, кажется, срослись в цельную
конструкцию, наподобие коромысла. Руки явно укорочены, но выглядят не как обрубки калеки, а
как руки спортсмена, кажущиеся от чрезмерно развитой мускулатуры короче. Смуглая оливковая
плоть, местами даже очень по-человечески розовая, больше не покрыта мертвенными синими впадинами,
кожа лоснится, вся фигура дышит ровным осознанием собственной, тяжело давшейся, но отныне
неотъемлемой, силы.

Пабло Пикассо, Автопортрет, 1906.

Сказалось ли увлечение первобытными, нецивилизованными культурами, или острое ими увлечение само
было результатом разбуженной в художнике энергии, нельзя сказать определённо, однако есть нечто
архаичное в этом автопортрете, словно это наскальный рисунок, нанесённый глиной, мелом и слюной,
— столь сильно в нём естество.
На автопортрете 1906 года перед нами тот Пикассо, каким мы его знаем, которого и в 80 лет нельзя
будет назвать стариком, дедом – да, стариком – нет.

Эволюция стиля живописи Пабло Пикассо

Картины «классического» периода

На протяжении всей жизни любого художника по обыкновению прослеживается изменение почерка, характера или даже стиля. Это явление можно заметить и у самых знаменитых живописцев — от почти что вынужденного перехода Моне к абстракции в конце жизни, до перехода Ван Гога к ярко выраженной цветовой палитре. Хотя подобные изменения характерны для большинства мастеров живописи, особенно сильно они наблюдаются в картинах Пабло Пикассо.

Его карьера, которая охватывала почти 80 лет, имела успех не только в живописи, но и в скульптуре, керамике, дизайне и сценической деятельности. Поэтому стремление Пикассо к экспериментам неудивительно. Для прослеживания стилистической эволюции Пабло Пикассо искусствоведы разделяют его творчество на несколько периодов: «ранний период», «голубой период», «розовый период», «африканский период», «кубизм», «классический период», «сюрреализм», военный и послевоенный периоды и период поздних работ.

Ранний период

Пикассо начал писать в раннем детстве — в его первых картинах образы обладали максимальным сходством с оригиналом, как и цветовая палитра.

«Портрет матери художника», 1896 год

«Знание и милосердие», 1897 год

Картины раннего периода

«Голубой» период

С 1902 года Пабло Пикассо начал писать в стиле, в котором были ярко выражены темы старости, смерти, нищеты и печали. В цветовой палитре художника начали преобладать голубые оттенки. В этот период Пабло писал, в основном, образы низших слоёв общества: алкоголиков, проституток, нищих и других людей.

«Свидание (Две сестры)», 1902 год

«Завтрак слепого», 1903 год

Картины «голубого» периода

«Розовый» период

В 1904 году Пабло Пикассо начал отдавать предпочтение розовым тонам, создавая образы из мира театра и цирка. Его персонажами стали в основном бродячие артисты — клоуны, акробаты или танцовщики.

«Акробат и молодой Арлекин», 1905 год

«Акробаты (Мать и сын)», 1905 год

Картины «розового» периода

«Африканский» период

Короткий период, который пришёлся на 1907-1908 годы, был навеян архаичным искусством Африки, с которым Пикассо познакомился на выставке в музее Трокадеро. Для художника это стало настоящим открытием — простые, а где-то даже примитивные, формы древних скульптур показались Пабло Пикассо удивительной особенностью, которая несла в себе огромный художественный заряд.

«Авиньонские девицы», 1907 год

«Автопортрет», 1907 год

Картины «африканского» периода

Кубизм

Увлечение африканской скульптурой привели Пабло к абсолютно новому жанру. Отказ от реалистичной имитации окружающего мира привёл художника к упрощению очертаний человеческих образов и предметов, которые затем стали превращаться в геометрические блоки. Вместе с французским художником Жоржем Брако, Пабло Пикассо стал родоначальником кубизма — направление, отвергающее традиции натурализма.

«Скрипка и гитара», 1913 год

«Портрет Амбруаза Воллара», 1915 год

«Классический» период

На переход с кубизма на живопись, которая была бы более «читаемой», повлияли как внутренняя потребность Пикассо, так и внешние факторы. В этот период художник сотрудничал с балетной труппой Сергея Дягилева, а также женился на Ольге Хохловой. Не удивительно, что она хотела бы узнавать себя в портретах, но одно лишь пожелание жены никак не повлияло бы на творчество Пикассо, если бы не его тяга к переменам.

Портрет Ольги в кресле, 1917 год

Купальщицы, 1918 год

Картины «классического» периода

Сюрреализм

Знакомство с Марией Терезой Вальтер, а также общение с сюрреалистами, повернули Пабло Пикассо в сторону сюрреализма. Переход к этому направлению можно описать его же выражением: «Я изображаю предметы так, как я думаю о них, а не так, какими я их вижу».

Фигуры на пляже, 1931 год

Женщина с цветком, 1932 год

Война и послевоенный период

Нависшая над Европой угроза, а также страх перед войной, заставили Пикассо если не прямо отражать настроение на полотне, то придавать картинам мрачность и трагизм. Послевоенное же творчество художника можно назвать счастливым — в работах художника прослеживается остроумие и отсутствие мрачных сюжетов.

«Плачущая женщина», 1937 год

«Палома с целлулоидной рыбой», 1950 год

Картины военного и послевоенного периодов

Поздние работы

Вплоть до своей смерти Пабло Пикассо продолжал рисовать. Однако, в отличие от его предыдущих работ, произведения, созданные в это время, не классифицируются в определенный стиль, так как многие его работы включают в себя разнообразные элементы прошлых периодов. Работы последних 15 лет творчества Пикассо очень разнообразны и неравны по качеству.

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: