Автопортрет, пабло пикассо, 1901 - JEKATERINBURG.RU

Автопортрет, пабло пикассо, 1901

Несуществующая эволюция автопортретов Пабло Пикассо

Если посмотреть на ряд автопортретов знаменитого испанского художника Пабло Пикассо (кстати, самого дорогого художника в мире) и сравнить первую работу и последнюю, то любой скажет, что писал их не один и тот же человек.

Сам же Пикассо такое разительное отличие своих работ объяснял так: «Те разные стили, которые я использую в искусстве, нельзя воспринимать как эволюцию или пошаговое стремление к неизвестному идеалу картины… Разные темы неизбежно требуют разных методов воспроизведения. И это вовсе не означает эволюцию или прогресс; это вопрос какой-то определенной идеи, которую художник хочет выразить, и метод, каким он хочет ее выразить».

Мы решили рассмотреть автопортреты художника, начиная с самого раннего, написанного им в 15 лет, и заканчивая последним.

Стоит начать с того, как сам Пабло Пикассо выглядел в молодости.

Возраст — 15 лет (1896 год).

Возраст — 18 лет (1900 год).

Возраст — 20 лет (1901 год).

Возраст — 24 года (1906 год).

Возраст — 25 лет (1907 год).

Возраст — 35 лет (1917 год).

Возраст — 56 лет (1938 год).

Возраст — 83 года (1965 год).

Возраст — 85 лет (1966 год).

Возраст — 89 лет (1971 год).

Возраст — 90 лет (28 июня 1972 года).

Возраст — 90 лет (30 июня 1972 года).

Возраст — 90 лет (2 июля 1972 года).

Возраст — 90 лет (3 июля 1972 года).

Источник

А вы знали, что у нас есть Instagram и Telegram?

Подписывайтесь, если вы ценитель красивых фото и интересных историй!

ngasanova

Вспомнить, подумать.

  • Recent Entries
  • Friends
  • Archive
  • Profile
  • Add to friends
  • RSS

Автопортреты

Pablo Picasso.

Пикассо, фактически принадлежа к одной эпохе, обладал всеми качествами художника следующей эпохи.
По сути, он определил основные черты искусства Новейшего времени.

Николай Бердяев, рассуждая о роли Пикассо, кстати, также прибегает к «холодной» метафоре:

«Кажется, что после страшной зимы Пикассо мир не зацветет уже как прежде, что в эту зиму
падают не только покровы, но и весь предметный, телесный мир расшатывается в своих основах».

На протяжении всей жизни Пикассо прячется, маскируется, а потом внезапно раскрывается в
многочисленных автопортретах. Облик художника, воссоздаваемый им самим, меняется с каждой
открываемой им пластической системой, превращая сами эти системы лишь в грани личности художника.

Ранние «Автопортрет с короткими волосами» и «Автопортрет с непричесанными волосами»
(оба – 1896 года) написаны не то в духе старых мастеров, не то в духе его старшего
современника Сарджента, который, в прочем, ещё при жизни гордился статусом «нового
старого мастера».

Пабло Пикассо, Автопортрет с короткими волосами, 1896.

Пабло Пикассо, Автопортрет с непричесанными волосами, 1896.

Не смотря на невыразительную дряблость живописной фактуры, выбранных ракурсов, скучноватые цвета,
автопортреты интересны тем, что в них присутствует некая юношеская болезненность и робость,
которые также ещё встречаются в портретах Пикассо, написанных его испанскими друзьями (например,
«Портрет Пикассо» Рамона Казаса Карбо), но практически исчезают из автопортретов других, более
поздних периодов.

Рамон Казас Карбо, Портрет Пикассо.

Неудовлетворённость от несоответствия результата амбициям – а амбиции, судя по всему, большие –
ведёт к созданию годом позже «Автопортрета в парике» (1897), где Пикассо изображает себя неким
официозным персонажем, явно причастным к Академии, признанным и богатым, кем-то вроде Джошуа
Рейнольдса. Разумеется, в картине присутствует известная доля иронии, но как часто мы «прошиваем»
иронией самые серьёзные для нас вещи в попытке защититься от возможного непонимания и насмешек.
Здесь появляется знаменитый, так характерный для Пикассо поворот головы и настороженный,
проницательный взгляд. Цвета по-прежнему мутноватые и приглушённые, но движение кисти куда как
более энергичное и уверенное, чем в рассмотренных выше автопортретах.

Пабло Пикассо, Автопортрет в парике, 1897.

Наиболее известный из ранних автопортретов – рубежа веков, что символично – удивляет всех, кто
видит его в первый раз. Нехарактерное для Пикассо строго фронтальное изображение лица, где грубые
косые штрихи чередуются с дымчатой растушёвкой, вроде того, как на мальчишеском лице проступают
первые признаки взросления.

Пабло Пикассо, Автопортрет, 1900.

Одна из любимых метафор XX века — зеркало, дверь в другой мир, путешествие в который почти
наверняка окажется рискованным и неприятным. На автопортрете художник словно изучает своё
отражение, набравшись отваги взглянуть на себя таким, каков он есть на самом деле, не защищаясь
от внешнего мира иронией, не обращая всё в шутку, не борясь с поглощающей меланхолией. Он
стоит на перепутье: шагнуть ли в головокружительную глубину, остаться ли по эту сторону внешней
реальности, — и он выбирает первое. Неудивительно, зная, что именно Пикассо чуть позже откроет
кубистическое видение, важнейшая составляющая которого – взгляд «изнутри».

То он, как Одиссей, вызывает тени, сам становясь почти тенью (акварель «Я, Пикассо», 1900).

Пабло Пикассо, Я, Пикассо, 1900.

. то вспыхивает нервными, лихорадочными языками пламени, как абсент в стаканах завсегдатаев
«Мулен де ля Галет» («Автопортрет художника», 1901).

Пабло Пикассо, Автопортрет художника, 1901.

. то, подобно Орфею Жана Кокто, входит в зеркало, где мир, в том числе и его собственный
внутренний мир, искажается, противоречия оголяются и обостряются, где не светит солнце и нет
воздуха, а люди редуцируются до знаков («Автопортрет в чёрном пальто», 1901).

Пабло Пикассо, Автопортрет в черном пальто, 1901.

Последний выполнен не без влияния пост-импрессионизма и в частности, как ни удивительно, Ван Гога,
плоские изображения на условном фоне, правда мотив духовного отшельничества Ван Гога Пикассо
заменяет на политическую маргинальность, изображая себя в характерном для «левых» глухом чёрном
бушлате. Расчёсанные на прямой пробор чёрные волосы обрамляют мертвенно бледное лицо, неожиданная
для Пикассо и, напротив, привычная для участников социалистических кружков жидкая неопрятная
бородка («ньюгейтская бородка», названная по английской тюрьме для опасных преступников и
повторяющая положение верёвки, когда петля набрасывается на шею), тонкие приподнятые брови над
круглыми глазами, крупный нос, впалые щёки – все эти внешние признаки внутреннего неблагополучия
складываются в общую картину леденящего спокойствия предельного отчаяния.

Поневоле сравниваешь работы «голубого периода» с циклом ‘Los Caprichos’ Гойи, выполненный почти
столетием раньше, и Бёкмановским портфолио «Ад», которому ещё только предстоит появиться. Пусть
работы «голубого периода» и не представляют собой в строгом смысле серии, думаю, удивительное
стилистическое и тематическое единство позволяют нам отбросить некоторые формальности.

Гойа открывает ‘Los Caprichos’ автопортретом с не менее знаменитым слоганом «Сон разума рождает
чудовищ»; образы, создаваемые им на листах серии являются моральными аллегориями, которые отсылают
к comedie humaine и бесчеловечности политического режима Испании тех лет.
«Ад» повествует о холоде, голоде, эпидемиях, деморализации, беспорядка, насилии и убийствах,
царивших в раздираемом на части послевоенном Берлине. Серия также открывается автопортретом
художника, но Бёкман изображает себя в костюме циркового зазывалы: в отличие от Гойи, он
оказывается, хоть и поневоле, вовлечённым во всеобщее безумие.

Очевидно, что ни тот, ни другой не хотят быть частью мира, показываемого ими, так как мир этот
пропащ и безнадёжен.
В отличие от них, Пикассо то и дело изображает себя частью синего дна, он не только режиссёр и
зритель, но и участник разыгрываемой драмы («Печаль (Автопортрет в борделе)»). Он хочет быть с
ними, этими падшими, заблудшими, сбившимися с пути людьми, которые, теряя всё, обретают
просветлённость духа и абсолютную независимость, ибо «один раскаявшийся грешник мне милее
100 праведников». Человеческие чувства, доведённые до абсолюта, находят новую эстетику, какими
бы горькими они ни были.

Пабло Пикассо, Печаль (Автопортрет в борделе), ок. 1902.

Сошествие в ад (пользуясь метафорой Юнга) завершается для художника обретением просвета: он был
на самом дне, за этим следует возвращение.
Многое из того, что было заложено в раннем искусстве Пикассо, в сущности, осталось в работах
художника навсегда, но, чуть не пропав в подземельях голубого периода, обманувшись неверными
миражами розового периода, Пикассо возвращается к жизни с осознанием, что «latristessa durera»
(как перед смертью говорил Ван Гог), и ни он сам, ни искусство не смогут этого изменить. Вместо
того, чтобы приносить себя на алтарь светлого будущего, надо найти в себе силы жить сегодняшним
днём.
Вообще, если проследить саморепрезентацию Пикассо через автопортреты на протяжении всей его жизни,
мы увидим редкий пример того, как, становясь старше и даже старее, художник (или хотя бы его
художественное альтер-эго) обретает всё большую энергичность, удивительную витальность,
несгибаемость. От молодого никому неизвестного «Я, Пикассо» до Минотавра, от мечтающего о славе
17-летнего юнца до пресытившегося ею полубога живописи.

В автопортрете 1906 года, подаренном Матиссу, ещё витает память о «голубом периоде», но новые
пропорции (вытянутость не в высоту, а в ширину) сообщают фигуре упрямую мощь молодого бычка.
Белое полотнище рубахи угрожающе натянулось на груди, и ключицы, кажется, срослись в цельную
конструкцию, наподобие коромысла. Руки явно укорочены, но выглядят не как обрубки калеки, а
как руки спортсмена, кажущиеся от чрезмерно развитой мускулатуры короче. Смуглая оливковая
плоть, местами даже очень по-человечески розовая, больше не покрыта мертвенными синими впадинами,
кожа лоснится, вся фигура дышит ровным осознанием собственной, тяжело давшейся, но отныне
неотъемлемой, силы.

Читайте также  Джон констебл: картины и биография художника

Пабло Пикассо, Автопортрет, 1906.

Сказалось ли увлечение первобытными, нецивилизованными культурами, или острое ими увлечение само
было результатом разбуженной в художнике энергии, нельзя сказать определённо, однако есть нечто
архаичное в этом автопортрете, словно это наскальный рисунок, нанесённый глиной, мелом и слюной,
— столь сильно в нём естество.
На автопортрете 1906 года перед нами тот Пикассо, каким мы его знаем, которого и в 80 лет нельзя
будет назвать стариком, дедом – да, стариком – нет.

«Любительница абсента» Пикассо

На рубеже 19-20 веков Монмартр кишел заведениями, где можно было получить угол, обед и стаканчик крепкого. Одним из самых популярных напитков был абсент.

В темном зале ресторана средь веселья и обмана показывает Пикассо любительницу абсента. Погруженная в себя, она совершенно безразлична к происходящему. Тело ее, словно, стало монолитом, который мерно покачивается в такт приходящим и уходящим мыслям и образам.

Абсент, стоящий на столе, — своего рода портал в мир забвения, где отступают тревоги дня, болезни и страх. Алкоголь не решает сложностей — утром на похмельную голову вновь обрушатся все те же передряги, — но он отключает героиню от реальности.

Тот мир, который мы видим на полотне, — это одновременно и интерьер одного из многочисленных дешевых кафе на Монмартре, и пространство фантазии. Зритель теряет связь с реальностью, как и любительница абсента. Используя клуазонизм — уплощающую манеру живописи, — Пикассо переключает наше внимание на нематериальный мир.

Полотно создано под влиянием Поля Гогена, Анри Тулуз-Лотрека, Эдуарда Мане, Эдгара Дега. По сути, все современники, к началу XX века успевшие заявить о себе, так или иначе, процитированы. Это касается и стилистики, и сюжета: тема одинокого человека, оказавшегося за бортом и ищущего забытья, облегчения душевной боли в рюмке, была очень популярна в конце XIX века. У самого Пикассо существует несколько интерпретаций сюжета, почти копирующего «Любительницу абсента».

В какой-то мере эта картина — портрет души Пикассо. Нищета, отсутствие заказов, смерть близкого друга Касагемаса, общая неустроенность стали испытанием, преодолевая которое живописец, конечно, мог точно так же искать забвения в рюмке. Тема одиночества и опустошенности вскоре зазвучит в голубом периоде, для ее раскрытия Пикассо будет писать равных ему по статусу представителей низов — нищих, бродячих артистов, проституток, бездомных.

В это время художник был настолько беден, что у него даже не было холста. Для «Любительницы абсента» он взял прежнюю работу, замазал ее и воспользовался обратной стороной. В результате цвета звучат матово, приглушенно — как усмиренная на время тоска героини. Загнанная, зажатая, она стискивает себя руками, так неестественно сплетенными.

Судьба художника

Пабло Пикассо родился в 1881 года в Малаге. По легенде, младенец был так слаб, что акушерка уже было подумала, что он мертв. Но дым от сигары дяди, стоявшего рядом, пробудил ребенка.

Отец Пикассо был художником и решил пристрастить к тому же занятию и сына. Наверняка вскоре он пожалел о своей затее — ребенок проявил столь впечатляющие способности, что с годами отец и вовсе отказался от живописи — не выдержал конкуренции.

Обладая классической испанской вспыльчивостью, Пикассо не тратил времени на обуздание нрава. Любое слово критики в его адрес вызывало гнев. Это было основной причиной незаконченного образования и частых конфликтов Пикассо с людьми.

Из Малаги он переехал в Барселону, где ему было все же тесно, а затем — в Париж. Здесь же в 1901 году состоялась первая выставка Пикассо. Конечно, провальная — провинциал-испанец не воспринимался серьезно взыскательными парижанами. Для самовлюбленного и амбициозного юноши это фиаско было испытанием потруднее нищеты. Но и его он преодолел.

В Париже художник жил в районе, где было опасно появляться на улицах одному и без оружия. Но такие мелочи только накаляли атмосферу и заряжали Пикассо жаждой жизни. В те годы он позволял себе все: любовницы сменялись одна за другой, связи с мужчинами, алкоголь, опиумные запои. С наркотиками было покончено только после самоубийства художника, повесившегося от нищеты. Пикассо испугался, что, будучи в наркотическом опьянении, он рискует перейти черту и поддаться отчаянию.

Для Пикассо не было жанровых рамок. Он работал с любым материалом, который мог помочь выразить идею. Тот же абсент и его любителей художник не только писал, но и лепил. Также Пикассо известен как график, дизайнер, специалист по керамике, костюмер и декоратор, поэт и драматург. Как человек, чье становление пришлось на смену веков, он был универсальным артистом, который, с одной стороны, намеревался затмить предшественников, с другой, — был погружен в поиски нового визуального языка. Это объясняет и частоту, с которой он менял стили. Традиционно принято выделять 11 периодов творчества Пикассо: ранний, голубой, розовый, африканский, аналитический кубизм, синтетический кубизм, классицизм, сюрреализм, предвоенный, послевоенный, поздний. Как-то художника спросили, какой из периодов ему ближе. На это Пикассо растопырил пятерню и ответил: «Как вы думаете, какой из пальцев мне наиболее дорог? Они нужны мне все!»

Пикассо был переполнен энергией. У него было несколько жен, несчетное количество любовниц и любовников, законные и внебрачные дети. Живописец говорил: «К несчастью, а может, и к счастью, я смотрю на вещи через призму любви». С возрастом он выбирал дам все моложе, повторяя: «Если я живу с юной, это помогает и мне оставаться юным».

Пикассо приписывают десятки тысяч работ. Точно же оценить масштаб его художественного наследия не может никто — цифры варьируются от 20 тыс. до 100 тыс. картин.

Пабло Пикассо. Человек изменивший искусство

Родился Пабло Пикассо 25 октября 1881 г. в Испании в г. Малага в семье художника Хосе Руиса Бласко. Талант будущий художник начал демонстрировать рано. Уже с 7 лет мальчик дописывал некоторые детали на картинах отца (первой такой работой были лапки голубей). В 8 лет была написана первая серьезная картина маслом под названием «Пикадор».

В 13 лет Пабло Пикассо стал студентом Академии художеств в Барселоне — на вступительных экзаменах Пабло настолько хорошо себя показал, что комиссия приняла его в академию не смотря на юный возраст.

В 1897 г. Пикассо уехал в Мадрид для поступления в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо. Но проучился там Пабло не больше года — слишком скучно и тесно было юному таланту в академии с ее классическими традициями. В Мадриде юношу больше увлекала бурная жизнь мегаполиса. Так же много времени Пабло посвящал изучению работ таких художников, как Диего Виласкес, Франциско Гойя и Эль Греко, которые произвели на художника большое впечатление.

В те годы художник впервые посетил Париж, считавшейся тогда столицей искусств. Он месяцами жил в этом городе, посещая различные музеи, с целью изучения работ мастеров живописи: Ван Гога, Гогена, Делакруа и многих других. Пикассо будет часто посещать Париж в дальнейшем, а позже этот город увлечет его настолько, что Пикассо решит окончательно переехать туда (1904г.).

Наиболее известные работы Пабло Пикассо, написанные им в ранний период (до 1900)

«Портрет матери» 1896

«Знание и милосердие» 1897

«Первое причастие» 1896

«Матадор Луис Мигель Доминген» 1897

«Испанская пара перед гостиницей» 1900

«Босоногая девочка. Фрагмент» 1895

«Человек на берегу пруда» 1897

«Человек в шапке» 1895

«Бульвар Клиши» 1901

«Портрет отца художника» 1895

Следующий период в творчестве Пабло Пикассо называют «голубым». В 1901 — 1904 гг. в палитре Пикассо преобладали холодные цвета — в основном голубой и его оттенки. В это время Пикассо поднимал темы старости, бедности, нищеты, характерным настроением картин этого периода были меланхолия и печаль. Художник отображал человеческие страдания, рисуя слепых, нищих, алкоголиков и проституток и т.п. — именно они были главными персонажами «голубого» периода.

Работы «голубого» периода (1901-1904)

«Завтрак слепого» 1903

«Мать и дитя» 1903

«Любительница абсента» 1901

«Нищий старик с мальчиком» 1903

«Две сестры (Свидание)» 1902

«Голубая комната (Ванна)» 1901

«Сидящая женщина в капюшоне» 1902

В «розовом» периоде (1904 — 1906) главной темой в творчестве художника был цирк и его персонажи — акробаты и комедианты. Преобладали яркие жизнерадостные цвета. Любимым персонажем этого периода можно назвать арлекина, который наиболее часто встречался в работах Пикассо. Помимо цирка вдохновляла его еще и модель Фернанда Оливье, с которой познакомился в 1904 г., в самом начале «розового» периода. Её же была музой художника на протяжении всего периода.

Работы «розового» периода (1904 — 1906)

«Акрабат и арлекин» 1905

«Девочка с козлом» 1906

«Мальчик, ведущий лошадь» 1906

«Семейство комедиантов» 1905

«Обнаженная женщина с кувшином» 1906

«Женщина с хлебом» 1905

«Два акрабата с собакой» 1905

Одну из известнейших картин П. Пикассо «Девочка на шаре» (1905), которая сейчас находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, некоторые специалисты называют переходной от «голубого» периода к «розовому».

«Девочка на шаре» 1905

Переломным моментом в творчестве Пикассо стал портрет Гертруды Штейн, написанный им в 1906 году.

Работа над портретом была тяжелой — художник около 80 раз переписывал портрет и в итоге Пикассо отдалился от портрета как жанра изобразительного искусства в своем классическом понимании. Все дальнейшее творчество Пикассо можно охарактеризовать всего лишь одной его фразой «Надо писать не то, что вижу, а то что знаю». Именно этой установки П. Пикассо и старался придерживаться до конца своей жизни.

Читайте также  Портрет актрисы жанны самари, ренуар, 1877

Кубизм

Этот большой период в творчестве Пабло Пикассо делиться на несколько этапов. Это время полного отказа от детализации персонажей: предмет и фон почти сливаются воедино, нет четко очерченных границ. Пикассо был убежден, что художник может больше, чем просто показывать то, что видит глаз.

Первый этап «сезанновский» он же «африканский» период. Этот этап отличается построением изображений с помощью простых- геометрических форм и преобладанием мутных размытых зеленых, охристых и коричневых тонов.

В 1907-1909 гг внимание художника было устремленно на африканское искусство, с которым он впервые познакомился в 1907 году на этнографической выставке в музее Трокадеро. Отныне в творчестве Пикассо стали преобладать простые, даже примитивные формы изображаемых предметов. В технике художник стал употреблять грубую штриховку. Первой картиной выполненной в «африканском» стиле считается «Авиньонские девицы» 1907 г.

Эта картина писалось автором на протяжении года. Ни с одной своей картиной Пикассо не работал так долго. В итоге эта работа так отличалась от предыдущих его картин, что была неоднозначно воспринята общественностью. Но нащупав новый, интересный для него стиль, Пикассо не собирался отступать и на протяжении 2 лет художник всячески развивал его.

Автопортрет, пабло пикассо, 1901

Картины «Голубого периода» Пикассо — это квинтэссенция боли, одиночества и разрушительной депрессии. Как ни парадоксально, основные события этого периода развернулись в городе любви и столице искусства — Париже. Почему же на самом старте жизненного и творческого пути Пикассо возникли эти печальные, мрачные тона? Какие события навсегда изменили жизнь художника?

Накануне своего девятнадцатилетия Пикассо вместе с другом-художником Карлосом Касагемасом отправился в Париж. Молодые люди не знали ни слова по-французски, но это не помешало им довольно быстро обзавестись знакомствами с местными каталонцами и найти съемное жилье. Все дни напролет они проводили в кафе, в Лувре, на Всемирной выставке, в борделях и кабаре. Однако работать тоже приходилось много. В одном из писем Касагемас пишет: «Всегда, когда есть свет — я имею в виду солнечный, от искусственного тут никуда не денешься круглые сутки — мы в студии, рисуем».

Первый приезд в Париж подарил двум молодым людям. женщин. Пикассо использовал все свое обаяние и магнетизм, чтобы крутить романы с дамами, — и ни языковой барьер, ни общая неустроенность не могли ему в этом помешать. Чаще всего молодые люди проводили время в компании своих натурщиц. Одна из них — Одетта — стала подружкой Пикассо. Вторая — француженка с испанскими корнями Жермена Гаргальо — Касагемаса. И хотя Жермена была замужем, непреодолимая тяга к свободе и приключениям то и дело впутывала ее в отношения с новыми мужчинами.

Касагемас и Пикассо были близкими друзьями, но абсолютно противоположными по характеру людьми. Импульсивный, неуверенный в себе, сомневающийся в своей мужественности Карлос тяжело переживал, когда Жермена не обращала на него внимания или флиртовала с другими. Чтобы успокоить ревнивое сердце и отвлечься от дурных мыслей, он нагружал себя работой: «Со следующей недели, то есть с завтрашнего дня, мы наполним свою жизнь миром, спокойствием, работой и всем тем, что приносит душевное равновесие и телесную бодрость. Такое решение мы приняли после официальной встречи с дамами».

Петрюс Манаш, которому представили Пикассо его испаноговорящие друзья, был известным парижским коллекционером и торговцем картинами. Манаш был очарован работами Пикассо и предложил сделку: сто пятьдесят франков в месяц за все картины, которые художник успеет создать за это время, а также его, Манаша, личное покровительство. Пабло согласился. С одной стороны, предложение дало Пикассо уникальный шанс вырваться из бедности, в которой он до этого все время находился. Для понимания щедрости предложения Манаша следует сказать, что, например, аренда мастерской стоила 15 франков в месяц, а на ежедневные нужды хватало и двух франков в день.

А домой он вернулся довольно быстро. Ближе к Рождеству Пикассо и Касагемас поняли, что скучают по родным. Париж — со всеми своими огнями, шумом, яркими рекламными плакатами, бесконечными вечеринками и борделями — им надоел. Молодые люди решили вернуться в Барселону. Но, оказавшись в столице Каталонии, довольно быстро осознали: здесь их ждали лишь нищета, неоправданные надежды о славе и все те же бесконечные публичные дома. Касагемас чах на глазах от тоски по любовнице, которую оставил во Франции. Зря Пикассо надеялся, что местные танцовщицы смогут отвлечь друга от мыслей о роковой Жермене. Скоро Карлос заявил, что возвращается в Париж.

В феврале 1901 года Пикассо получил письмо, которое обрушило его прежнюю жизнь. В нем сообщалось, что Карлос Касагемас, его ближайший друг и творческий соратник, погиб.

Мать юноши не смогла пережить эту новость. Пикассо потребовалось несколько месяцев, чтобы осознать произошедшее. Первой его работой после трагедии стал портрет Карлоса Касагемаса для некролога, опубликованного в местной газете.

Из книги «Пикассо» Анри Жидель: «Преследуемый навязчивыми воспоминаниями о Касагемасе, постоянно возникавшем в его памяти как упрек, он пытался изгнать из себя эту боль. В течение нескольких месяцев Пикассо использовал наилучший способ самозащиты — свое искусство. И чтобы до конца исцелиться, он решил воспроизвести драму 17 февраля… во всем ее ужасе. Он изображает молодого человека, укрытого саваном, горящая рядом свеча освещает его мертвенно-бледное лицо. На правом виске — темное пятно, место, куда проникла пуля. Эта картина написана — и не случайно — на манер Ван Гога, который покончил с собой аналогичным образом».

С этого момента Пикассо впал в страшную депрессию, которая стала разъедать его изнутри. В попытке забыться он с головой ушел в работу, решив преодолевать горе через творчество. Теперь цель должна была оправдать все средства — и вскоре Пикассо принял решение вернуться в Париж. Он заключил сделку с собственным эго и снова отправился к Манашу, который, в свою очередь, с нетерпением ждал возвращения подопечного. Он даже снял для Пикассо студию погибшего Касагемаса, расположенную рядом со злополучным рестораном «Ипподром».

В этой же мастерской Пикассо написал портрет своего покровителя, в котором этот сильный и уверенный в себе человек напоминает матадора, «готового ринуться в бой со свирепым быком, заранее принимая любой исход схватки».

Однако вскоре многоопытного Манаша ждало весьма неприятное открытие: Пикассо гораздо сложнее и непредсказуемее, чем ему казалось. Вместо ярких жизнерадостных полотен, которые он так ждал, художник выдавал мрачные, пессимистичные, исполненные болью и страданием картины в неожиданной сине-голубой гамме.

Все это время Пикассо думал только о потере друга. Боль утраты не затухала, а только набирала новые обороты. Картины заселили измученные люди, больные калеки и одинокие бродячие артисты. Каждая работа этого времени написана в пронзительных голубых тонах и транслирует бесконечное чувство одиночества героев. Все они словно ждут человека, который никогда больше не придет. Собственный автопортрет художника этого периода резко отличается от прошлых: суть этого образа составляют пустота, мрачность и безысходность.

Возможно, Пикассо намеренно погружал себя в страдание, напитываясь вдохновением «Голубого периода». Картина «Похороны Касагемаса» — самая большая по размеру среди созданных в Париже — занимала значительную часть его мастерской и одновременно служила ширмой. Он рисовал мертвого друга вновь и вновь, словно пытаясь почувствовать его предсмертную боль и страдания.

А жизнь тем временем продолжалась. Их общий с Карлосом друг — Маноло — стал любовником Жермены. А вскоре им стал и сам Пикассо. Зачем? Узнать мы это уже не сможем. Возможно, связь с этой женщиной была очередной попыткой пережить боль погибшего друга, желанием его понять. Тень Жермены, которая в итоге вышла замуж за Маноло, всю жизнь была рядом с Пикассо. Писательница Гертруда Стайн так говорила о художнике: «Он человек, которому надо постоянно опустошать себя, и для этого ему необходим мощный стимул к деятельности, к полному опустошению».

На картине «Две сестры» изображены проститутка и монахиня (другой вариант трактовки предполагает, что это проститутка и её мать). Этой работой художник манифестировал свое отношение к женщинам: все они, по его мнению, делятся на святых и блудниц. Пикассо продолжал проводить время в борделях и кабаре, но наглухо закрыл свое сердце и по-настоящему не сближался с женщинами больше чем на одну ночь.

Писатель Палау-и-Фабре затрагивал эту тему в своей книге «Жизнь Пикассо, 1881–1907», когда описывал картину «Любовники»: «. два червя, переплетенных и сплетающихся. Пикассо, который прячет лицо, уткнувшись в женское тело, вероятно, уже прячет что-то от себя самого — что-то, чего он не хочет видеть целиком, о чем старается не думать».

В эти годы Пикассо создал много графических работ, в которых зарождался его новый, уникальный почерк: наброски одной непрерывной линией, без отрыва карандаша. Картины кажутся незавершенными, но даже они передают физические и духовные муки художника в это непростое время.

Читайте также  Хуан де хуанес (масип) — биография, картины

«Жизнь» — центральная работа «Голубого периода», наполненная неоднозначными символами. В левой части — идеализированный образ Касагемаса, к которому прильнула обнаженная женщина. В правой — женщина с ребенком, которая смотрит на юношу с укором: возможно, это мать Касагемаса. На заднем плане — два холста: на верхнем — обнимающаяся пара, образ любви; на нижнем — скорчившаяся женщина, воплощение боли и одиночества.

Основной мотив всех произведений «Голубого периода» — одиночество и неотвратимость человеческих страданий; мучение нищих, больных, стариков и калек. Реальность сущего неподъемным грузом легла на до того беззаботного Пикассо: размышления о смысле происходящего с ним и его близкими (их бедах и горестях) воплотились в картинах этого периода — самого мрачного периода в творчестве художника.

«Женщина со скрещенными руками», 1902 год

«Старый еврей с мальчиком», 1903 год

«Трагедия», 1903 год

«Старый гитарист», 1904 год

Произведения с таким глубоким и одновременно тяжелым смыслом было почти невозможно продавать. Однажды Пикассо свернул все работы в рулон и просто отдал его своему другу Рамону Пишо. И правильно сделал: ответственный товарищ сумел сохранить сверток, и именно благодаря ему мы сегодня можем лицезреть шедевры Пикассо того периода.

«Если бы сверток потерялся, то не было бы “Голубого периода”, так как все, что я тогда нарисовал, было там» Пабло Пикассо

Спустя некоторое время (в 1905 году) Пикассо познакомился с писателем и поэтом Гийомом Аполлинером, а спустя два дня показал ему работы «Голубого периода». Аполлинер, никогда прежде не видевший ничего подобного, стал своеобразным переводчиком изобразительного языка Пикассо на понятный нам человеческий язык. Что говорить: он и самому художнику, для которого собственные картины были чем-то интуитивным и подсознательным, смог истолковать их смысл. Статьи Аполлинера — чудесный пример того, как текст художественного полотна становится полноценным литературным произведением.

«Эти дети, которым не досталось ласки, понимают все. Эти женщины, которых никто не любит, ничего не забывают. Они будто скрываются в тенях некоего древнего храма. Они исчезают с рассветом, утешившись безмолвием. Ледяная мгла окутала их. Эти старики имеют право, не унижаясь, просить милостыни. » — написал Аполлинер. «. Говорят, будто в работах Пикассо чувствуется преждевременное разочарование. Но я считаю, что в действительности все ровным счетом наоборот. Пикассо очарован тем, что видит, а настоящий талант позволяет его воображению смешивать воедино восторг и отвращение, низменное и возвышенное. По другую сторону натурализма Пикассо, его нежной внимательности к деталям, лежит мистицизм, присущий даже самым далеким от религии испанцам. Худощавые, оборванные акробаты, окруженные сияющим ореолом, — это настоящие сыны человечества: непостоянные, коварные, ловкие, нищие, лживые».

Пабло Пикассо — признанный при жизни гений искусства ХХ века

Пабло Пикассо (Pablo Picasso; родился 25 октября 1881 — умер 8 апреля 1973 гг.) — французский художник испанского происхождения ХХ века, основатель кубизма, самый дорогой живописец в мире. Широко известен также как скульптор, график, дизайнер, керамист и театральный оформитель. Пабло Пикассо прожил удивительную и очень долгую жизнь, оставил после себя потомкам более 20 000 художественных работ. Особую ценность представляют картины Пикассо, которые пользуются большим спросом на аукционах.

Пабло Пикассо внес огромный вклад в мировое изобразительное искусство, постоянно пробовал свои силы в разных стилях и жанрах. По мнению многих ценителей живописи именно Пикассо считается лучшим художником нашей планеты за последнее столетие.

Творчество и биография Пабло Пикассо

Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в Малаге на юге Испании в семье учителя рисования. Когда мальчику исполнилось 8 лет, его отец получил должность в другом регионе страны — Галисии и вся семья переехала жить в Ла Корунью, а в 1895 году — в Барселону.

Пабло с детства увлекся рисованием, и уже в 8-летнем возрасте создал картину «Пикадор», которой очень дорожил и всегда держал при себе до конца жизни. Начальное художественное образование Пикассо получил в Ла-Корунской школе искусств, а в 14 лет его приняли в Ла-Лонху — престижное гуманитарное образовательное заведение в Барселоне.

В 16-летнем возрасте Пабло продолжил учебу в главном центре обучения художников Испании — Королевской академии изящных искусств. Подростка мало интересовали скучные занятия, но он с большой охотой изучал шикарную коллекцию шедевров музея Прадо.

В 1898 году молодой Пабло вернулся в столицу Каталонии и стал членом арт-сообщества Els Quatre Gats, а спустя 2 года в кафе с одноименным названием состоялась первая личная выставка работ живописца.

1900 год стал переломным в биографии художника. Пикассо впервые приехал в Париж на Всемирную выставку, где на него огромное впечатление произвели полотна импрессионистов. Под их влиянием сформировался первый профессиональный период творчества мастера — «голубой». Работы этой поры полны печали и меланхолии, художник рисовал главным образом бродяг, нищих и обездоленных людей.

Знаменитая картина «Девочка на шаре» ознаменовала собой переход к следующему творческому этапу — «розовому». Изменилась не только палитра цветов картин молодого живописца, но и стиль подачи. В них появились жизнеутверждающие нотки, хотя сам Пикассо тогда еле сводил концы с концами.

В 1907 году Пикассо заинтересовался африканской культурой и создал самую дорогую свою картину — «Авиньонские девицы». Живописец переходит от попыток изображения узнаваемых образов людей к написанию абстрактных личностей. Новые творческие идеи Пикассо не приняли даже самые близкие друзья, но гению это было абсолютно безразлично.

1909 год в истории мирового изобразительного искусства и жизни Пикассо ознаменован рождением нового стиля — кубизма. Это революционное направление безжалостно отвергло натуралистические традиции в живописи и вызвало шквал критики. Но работы мастера наконец начали хорошо продаваться, эпоха нищеты в жизни художника закончилась.

В 1917 году Пикассо получил заказ на изготовление декораций и костюмов к балету Дягилева, а затем, на протяжении 8 лет, еще несколько подобных предложений.

От кубизма Пикассо переходит к неоклассицизму. На картинах художника снова появляются узнаваемые лица и реальные формы.

В 1925 году наступает следующий творческий период жизни Пабло — увлечение сюрреализмом. В этом стиле он создает скульптурные и живописные произведения, воплощает в них сильные эротические образы монстров в мире сновидений и подсознания.

В 1937 году в Испании происходят трагические события — идет гражданская война. А спустя 3 года немецкие войска оккупируют Францию. Живописец Пабло Пикассо отчаянно протестует против бессмысленной бойни. Это находит подтверждение в его произведениях, проникнутых духом пацифизма.

Послевоенный период творчества — самый светлый в жизни Пикассо. Художник обретает семейное счастье, переезжает с новой женой из Парижа на юг Франции и наслаждается простыми житейскими радостями. Он увлекается техникой литографии и декоративно-прикладным искусством.

В последние годы здоровье Пикассо неуклонно ухудшается, а состояние заметно растет. Художник продолжает работать, хотя испытывает большие проблемы со зрением и слухом, часто рисует женские портреты.

Смерть настигла Пабло Пикассо 8 апреля 1973 года. Он отошел в вечность в своем загородном особняке в возрасте 91 года. Выдающийся гений добился всемирного признания и стал мультимиллионером. Еще при жизни был основан первый музей его имени — в испанской Барселоне. А интерес к творчеству гениального живописца не угасает и в наше время.

Известные картины Пабло Пикассо

Ценителям искусства со всего мира хорошо известны многие картины Пабло Пикассо. Среди десятков тысяч работ мастера очень сложно найти наиболее узнаваемые, но мы попытаемся это сделать:

  • «Любительница абсента» (1901) — яркая картина на тематику одиночества и духовной опустошенности человека. Художник написал ее на обратной стороне холста, так как тогда находился в крайней нужде.
  • «Девочка на шаре» (1905) — самое знаменитое полотно мастера из числа коллекций российских музеев. Произведение, послужившее началом перехода к «розовому» периоду творчества.
  • «Авиньонские девицы» (1907) — самая скандальная картина мастера, которая шокировала публику и привела в бешенство Анри Матисса. Художник больше года работал над полотном, чего никогда до этого не происходило.
  • «Портрет Даниэля Анри Канвейлера» (1910) — загадочное произведение в виде хитроумной головоломки. Наглядный пример увлечения художника кубизмом.
  • «Купальщицы» 4 (1928) — образец оригинального взгляда автора на красоту женского тела в сюрреалистический период его творчества.
  • «Герника» (1937) — обвинительный приговор от лица Пикассо немецкому фашизму и режиму диктатора Франко. Символ страшной трагедии испанского народа.
  • «Голубка Пикассо» (1949) — эмблема Всемирного конгресса сторонников мира. Узнаваемый антивоенный символ во всех уголках Земли.

Творчество Пикассо оказало сильное влияние на изобразительное искусство ХХ века. Великого мастера любят и уважают во всем мире, за его работы люди выкладывают огромные деньги.

А сайт Very Important Lot предлагает ценителям прекрасного удобную возможность принять участие в аукционах искусства, чтобы приобрести шедевры антиквариата. Здесь же можно напрямую купить картины у современных художников.

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: